lunes, 28 de diciembre de 2009

AVATAR, mucha tecnología.


Si lo que buscaban en 2012 es una película cuyo mensaje es el que debemos, tenemos que cuidar nuestro planeta y no lo encontraron más que puro derroche de efectos, entonces vayan a ver AVATAR. Esta es una cinta donde se hace gala de los mensajes ecologistas.




Sinceramente, yo iba con las expectativas bajas sobre esta cinta. Al término me sentí gratamente satisfecho mas no extasiado como hubiera querido. Les explico.



La historia es simple, nada complicada, nada que amerite un análisis profundo de la vida, aunque sí trata de crear un poquito de conciencia. Jake Sully, un ex marine, es llevado de la Tierra al planeta Pandora para proseguir con el proceso que dejó inconcluso su hermano sobre hacer conexión entre él y su Avatar.

Un avatar es lo que conocemos en el ciber espacio como nuestro retrato, nuestra imagen pero con rasgos acordes al ambiente en el que se mueve “el muñequito” dentro de internet. Es un muñeco, un dibujo, con ciertos rasgos a nuestro físico, pero no es nuestra viva imagen.

Así que los científicos que habitan ya en Pandora, han creado Avatares a base del ADN humano y el ADN de los aborígenes del planeta. Esto para convivir de primera mano con ellos y convencerlos de desalojarlos de su hábitat ya que se encuentran sobre un hacinamiento exageradamente rico en un mineral valioso para los humanos. Este es el argumento. Simple.

Ahora, James Cameron, el mismo director que Alien, Terminator, Titanic, adereza esta invasión humana desde el punto de vista de los nativos de Pandora. Es decir, en la película los extraterrestres son los humanos, los hostiles son los humanos, quienes llegan a conquistar y destruir a toda costa son los humanos. En cambio, los habitantes de Pandora tienen un amor exacerbado por su planeta y todo aquello que lo habita, por las plantas, los animales, la tierra, y tienen una identificación inquebrantable con lo que nosotros conocemos como madre naturaleza. Por tanto ellos saben que forman parte de un todo, siempre están en comunión con la naturaleza, y por consiguiente, si es necesario matar, agradecen por lo que la tierra les ha ofrecido. Y al principio de la película es tan predecible que cualquiera le atina en qué terminará.

Eso es todo. Entre seres y criaturas salidas de la imaginación de Cameron, colores vistosos, mezclas asombrosas, música new age que enaltece el espíritu del nuevo planeta, efectos impecables, se nota la evolución de los efectos. He de decirles que en realidad la gran y creo que única atribución importante de Avatar es el hecho de que fue filmada con una nueva tecnología cinematográfica de tal manera que el 100% fuera en alta definición y no solo eso, en tercera dimensión, y por si fuera poco combinar los seres inanimados, hechos por computadora con el live motion, es decir con paisajes reales, naturales, y con seres humanos. Pero para poder apreciar todo esto, y la magnitud de esta tecnología, desafortunadamente tiene que ser forzosamente en una pantalla digital, donde se aprecia la tercera dimensión, con los lentes especiales para ello. Porque de lo contrario, es una película más en cartelera. No aporta grandes cosas.

Logré comprobar las emociones del público ya que en la función a la que asistí, 3D, mucha gente al final hasta aplaudió, en una sala normal, la gente sale con un sabor de boca normal, sin nada fuera de lo común que comentar.

Así que si pueden verla en blu ray en un plasma, o en 3D en el cine lo disfrutarán mucho. Es una película más navideña, de fin de año, para pasar el rato en vacaciones.

jueves, 19 de noviembre de 2009

2012, la película.

Definitivamente y tajantemente 2012 NO es una película en la cual se pueda buscar reflexiones ecologistas, análisis filosóficos de la humanidad. Para nada. Si quien vaya a verla, va con esa idea saldrá absolutamente decepcionado, es más, hasta podría salirse de la sala a mitad de la cinta. Y es que 2012 es simplemente una película de desastres, con excelentes efectos especiales y sobre todo visuales, muy entretenida, divertida y emocionante basado en una angustia y agovio colectivas.

La premisa es: los mayas, en la antigüedad calcularon (recordemos que eran astrónomos, matemáticos) que el fin del mundo como lo conocemos coincide con el solsticio de invierno del 2012, es decir, el 21 de diciembre. No tiene que ver con cuestiones que el hombre haya provocado, sino que los planetas del sistema solar junto con el sol se alinearían provocando que el núcleo del planeta se sobre caliente desencadenando una serie de fenómenos naturales apocalípticos.

Por su puesto, aunque el tema central es "la manera de salvar a la humanidad", a la par existe otro hilo conductor clásico en toda película de desastres (vean El día después del mañana, El día de la independencia, Terremoto, Poseidon): el padre de familia con tantos errores y fracasos como todos, pero con un enorme sentido del sacrificio por el amor a sus hijos, por quienes peleará hasta el último aliento para tenerlos a salvo.

También por supuesto como toda película hollywoodense de este tipo, enaltecen el sentido patriótico de su país con las acciones que ejerce su presidente, así mismo enaltecen la parte humanitaria (¿perdón?) por la cual el país vela por la estabilidad, armonía y la salvaguarda de todo el mundo (¡ja! ¡qué amables!) pero con la peculiaridad que ahora Estados Unidos ahora no actua solo, con apoyo de los países poderosos enonómicamente hablando lucharan por salvar a la mayor parte de la gente en mundo; ¡pero qué cosas!, la decisión no es salvar a todos, sino que se hace una selección. Entonces, ¿y latinoamérica dónde quedó?Bueno, bien dice el viejo dicho: La Historia la Escriben los Vencedores, aunque en este caso más bien la escriben los ricos.

Algo que me hizo reír, pero que tiene mucho de cierto, es que Sergio Zurita, titular del programa radiofónico "Dispara Margot Dispara" de Exa FM, mencionó "no hay ningun mexicano en la cinta, mas que un mecánico de aviones, pero... lo que me da consuelo, es que si esto pasara en la vida real, a quien sí llamarían para que se salve es a Carlos Slim, entonces México sí estaría presente... México, México, México, (a manera de coro masivo)". A lo que yo anexaría al Chapo Guzman, al fin Forbes nos garantiza que es rico, poderoso y podría apartar su lugarcito entre los elegidos (jajaja).

A lo que voy es que no hay sorpresas en el guión, de hecho hay algunas circunstancias que se pueden resolver de otra manera, no hay actuaciones  grandilocuentes por parte de John Cusack (1408) sin embargo no olvido algo muy importante ES UNA PELÍCULA DE DESASTRE EN PRIMER LUGAR, EN CIERTA MEDIDA DE AVENTURA no podemos exigir un análisis filosófico, humano, ni de enseñanza a la cinta porque carece de todo eso.

Me pareció una película muy buena para pasarla bien. Es emocionante, no porque los personajes contengan conflictos trascendentales personales, sino que es emocionante porque es muy angustioso ver como el planeta como lo conocemos se va acabando poco a poco. Por la agilidad que le implemente Rollan Emmerich en su cinta, por todo el caos, la lluvia de situaciones se digiere muy fácil y rápido pese a su larga duración (155 min).

2012. Fuimos advertidos y no hicimos caso. Lo más curioso del caso es que faltan 3 años y nada más no veo claro al menos la intención de cuidar el planeta. ¿Será que si nos vayamos a la goma?

2012
Dirige Roland Emmerich
con: John Cusack, Amanda Peet, Chiwetel Ejiofor
USA 2009

martes, 17 de noviembre de 2009

He estado ausente.

He estado ausente por muchos meses, de este medio que me dio muchas satisfacciones.

Confío en que poco a poco lo pueda retomar una vez más.

Por lo pronto, les dejo unos videos de la película "2012" estrenada en nuestro país el pasado 13 de noviembre. Y la cual trata sobre lo que podría pasar al finalizar esta era que conocemos según el calendario maya. Es una película de desastres humanos, materiales mundiales como hace mucho no veíamos con Infierno en la Torre o Terremoto. Sólo que aquí es en mayores dimensiones ya que trata del FIN DEL MUNDO, algunos se salvarán, ¿quién? ¿en verdad en diciembre del 2012 se acaba el mundo completamente? ¿qué genera toda esa serie de fenómenos naturales tan violentos?

En esta misma semana iré a verla y les contaré qué tan recomendable es la cinta dirigida por Rolland Emerich (El día de la Independencia).

viernes, 27 de febrero de 2009

LA DUDA

LA DUDA, SOSPECHAS QUE HACEN SOSOBRAR LA MENTE DE CUALQUIERA.


He decidido para mi forma de ver la vida, para mi criterio, para mi forma de ser, que es una bajeza el acusar algo alguien, peor aún, es una bajeza aparte de acusar, asegurar algo de alguien sin tener las pruebas; una bajeza infame el no sólo acusar y asegurar algo de alguien sin tener pruebas sino llegar a tal extremo de difundir tal mentira. Y no solo eso que esto se suscite entre los círculos católicos, donde se supone que de haber tolerancia, paz, amor, justicia.


A final de cuentas todos tendremos La Duda sobre alguien hasta no comprobarle lo contrario, siendo así, nadie tenemos el derecho de levantar el dedo sobre nadie, sin antes ver en nosotros mismo nuestros propios errores, pecados, formas de ser, personalidad o como quieran llamarle.


La Duda es una película sencilla, pero extremadamente sustanciosa en cuestiones morales y religión, aunado al gran peso actoral de los protagonistas. De hecho la película se disfruta mucho sí por los temas que podemos obtener para un debate, pero mucho más por lo que yo llamo un duelo actoral entre los 4 personajes por los cuales los actores, Meryl Streep como la estricta, ortodoxa y directora del colegio católico hermana Aloysius, Phillip Seymour Hoffman como el buen Padre Flyn, Amy Adams como la sumisa hermana James y Viola Davis la temerosa Sra. Miller, fueron nominados al Oscar de este año como mejores actores principales y de reparto por su trabajo en esta cinta.


Digo que la historia es sencilla porque trata de la hermana Aloysius acusa de al padre Flyn de acciones pederastas, sin tener pruebas solamente sospechas, a tal grado que inicia una especia de cacería de brujas en su contra, no descansará hasta verlo destituido, destruido, acabado. Y lo terrible, es que sus juicios en contra del padre solo se basan en rumores, sospechas. Nunca comprueba nada.


Ahora bien, la cinta es sustanciosa en el sentido actoral porque hay escenas bastante largas, aunque no son muchas, pero que no aburren, ni provocan el tedio del espectador, sin todo lo contrario, porque en cada una de ellas plasman todos los sentimientos en su máxima expresión. Por ejemplo, ha y una escena donde la hermana directora del colegio enfrente ferozmente al padre, como una leona tras su presa, hambrienta, con sed de justicia y ardor como reflejo del odio emblemático en sus ojos.


Hay otra escena donde la madre de uno de los alumnos la Sra. Miller, (Davis) se enfrenta a la hermana, en donde la esencia de este diálogo que sostienen se basa en el equilibrio entre lo moralmente correcto y lo políticamente incorrecto; es decir, defender al padre en agradecimiento por lo que hace por su hijo, a sabiendas de que es incorrecto el proceder del sacerdote, pero no importa por está cerca del niño, pero la hermana quiere la ayuda de la madre para poder correrlo aunque lo que hizo Flyn no tiene nada fuera de lo normal, no es correcto ante las buenas costumbres que tiene arraigada la hermana en su colegio, prefiriendo así arrojar la primera piedra a pesar de aceptar que también ha pecado; para ella todo es válido siempre y cuando sea en nombre de lo correcto. ¿Correcto para quién? Buena pregunta.

John Patrick Shanley, director novato en el rubro, sin embargo experto en el guionismo hace una muy buena adaptación de esta obra de teatro al cine, ya que a través de las imágenes sin parlamentos, solo paneos, silencios, momentos, y movimientos nos podemos dar cuenta de la personalidad de cada uno de ellos, las cuales se pueden contradecir con sus acciones, o ser congruentes con las mismas. En pocas palabras trae al espectador en un vaivén de emociones, de debates internos, de esta manera la conclusión la obtengamos nosotros mismos con lo que vemos y pensamos. ¿Qué es lo correcto? ¿Lo que somos? ¿Lo que sabemos? ¿Los que creemos saber? ¿O lo que vemos?

No prejuzguemos, mejor escuchemos y otorguemos tolerancia. Porque infame es aquél que se atreve a señalar sin importarle si es injusto.

LA DUDA (DOUBT)
Director y escribe: John Patrick Shanley
Con: Meryl Streep, Phillip Seymour Hofman, Amy Adams y Viola Davis
Estados Unidos
2008

AQUI EL TRAILER DE LA PELICULA PARA QUE TE DES UNA IDEA DE ELLA.

lunes, 23 de febrero de 2009

QUISIERA SER MILLONARIO

QUISIERA SER MILLONARIO, HISTORIA DE AMOR Y ESPERANZA ENTRE LOS DEFECTOS DE UNA SOCIEDAD.


Jamal Malik está a punto de ser ganador de 20 millones de rupias en el programa más famoso de India, ¿Cómo lo hizo? a) Hizo trampa, b) Tiene Suerte, c) Es un genio, d) Es el Destino.


¿Cuántos de nosotros no quisiéramos en este momento encontrar la salida a todos nuestros problemas? Hay veces que son tantos los que tenemos en el momento que sentimos que “nos llueve sobre mojado” o lo único que nos falta “es que nos orine un perro”. Pero la pregunta entonces es, ¿quién de todos nosotros es capaz de mantener la fe y la esperanza de que todo esté bien? ¿Quién de nosotros no se deja abatir pese a todo?

Quisiera ser millonario, o en su título original Slumdog Millionaire, algo así como “perro de barrio millonario”, (ya ganadora del Oscar como mejor película del 2008) es precisamente la historia de un muchacho nacido en los barrios más pobres y miserables de Mumbai, India, su nombre Jamal (Dev patel). Él junto con su hermano Salim (Madhir Mittal) crecieron con la ausencia de sus padres, vivieron entre basureros, pidiendo limosna, o sea entre lo más terrible de la población hindú, como la impunidad, la corrupción, la explotación de menores, la violencia que una sociedad hambrienta tiene como solución. ¿Les suena parecido? ¿Es como si describiera a la ciudad de México, no?

A diferencia de las últimas películas del cine mexicano, Dany Boyle (Trainspoting) ganador del Oscar por mejor director por esta cinta, nos demuestra que pese a todo lo malo sobre lo malo que puede experimentar cualquier persona siempre hay esperanza, siempre y cuando tengamos la valentía de no doblegarnos para aferrarnos a la fe, encontrar el amor y si ya lo hallaste, defenderlo hasta con las mismas entrañas si es posible.

Dany Boyle a través de Jamal, y con un manejo de cámaras, y de edición divertida, que nos cuenta la historia de con saltos de tiempos y espacios muy entretenidos, durante la película nos va explicando cómo es que se sabe todas las respuestas. ¿Es casual o causal que todo lo que preguntan en el concurso “Quisiera ser millonario” lo haya experimentado en alguna etapa de su vida? Jamal mismo no sabe la razón por la cual toda la gente aclama, ama, adora, se desvive por ese simple programa de televisión, la respuesta la tiene de inmediato: porque es el único medio de escape que tienen tantos pobres en ese país. Escape mental, espiritual, que reconforta, que consuela, a los pobres materiales, de espíritu, de mente, de vida.

Jamal chavo pobre, que ha vivido en cajas de cartón, entre la basura, que lo explotaron de niño, ignorante, analfabeta prácticamente, sin sueños aparentes ni aspiraciones, ¿qué lo hace incursionar al programa, si era un hecho que no pasaría de la primera pregunta y ni siquiera le interesaba? En el transcurrir de la historia se pude contestar a esta interrogante y al mismo tiempo con la pregunta con la que inicia la película para así darnos un bonito cuento con una reflexión alentadora.


Quisiera ser millonario es una historia atestado de todos los defectos humanos, pero más grande y con gran fuerza y pasión, detrás de todos ellos siempre vienen LA FE, LA ESPERANZA, LA HUMILDAD Y EL AMOR, para que a final triunfen para alimentar el corazón y el espíritu que buena falta nos hace hoy en día.


QUISIERA SER MILLONARIO (SLUMDOG MILLIONAIRE)
DIRIGE: DANY BOYLE
CON: DEV PATEL Y FREIDA PINTO
ESTADOS UNIDOS/REINO UNIDO
2008

EN EL SIGUIENTE RECUADRO ENCONTRARÁS LOS CORTOS DE LA PELÍCULA, EN EL SEGUNDO VERÁS PAPER PLAIN DE LA CANTANTE M.I.A. PERTENECE TAMBIÉN A LA BANDA SONORA DE LA PELÍCULA, Y EN EL ÚLTIMO RECUADRO PODRÁS DISFRUTAR EL "JAI HO" CANCIÓN QUE GANÓ EL OSCAR COMO LA MEJOR EN SU RUBRO.





viernes, 13 de febrero de 2009

FROST/NIXON

FROST/ NIXON, TRABAJO PERIODÍSTICO QUE POCOS PUEDEN LOGRAR.

Ayer presentí una inminente derrota de la selección mexicana ante la selección del país vecino del norte. Así que mejor opté por no llegar pronto a mi casa, fui al cine, como es mi costumbre decidí ver mejor una derrota mucho más interesante. La derrota del ex presidente estadounidense Richard Nixon.

La película Frost/Nixon del mismo director de El Código Da Vinci, Ron Howard, es trabajo al estilo periodístico muy interesante. Ya que no trata sobre el proceso por el cual Nixon renuncia a la presidencia de los Estados Unidos, sino sobre el proceso por el cual el animador de televisión inglés David Frost logra que acepte, primero una entrevista con él, y dentro de ella lograr lo que nadie pudo: la aceptación ante toda la nación y el mundo, que él fue partícipe directo del caso Watergate.

Con esta cinta podemos entender porqué es tan importante para el público de Estados Unidos, como para haberla considerado dentro de la terna a mejor película para los premios de la academia cinematográfica de aquél país, por porque es un tema que cala hondo en el orgullo gringo.

Aunque por otro lado puedo determinar que aunque tiene que ver esto, son muchos los aspectos que se debe rescatar para haberla nominado. Para empezar la impecable actuación tanto de Frank Langella interpretando a Nixon (Superman Regresa) y Michael Sheen (La Reyna) como Frost, cada gesto, cada palabra, cada entonación cada elemento fue extremadamente cuidado para dar el realce exacto y no cayeran en la parodia, sino en la recreación de ese acontecimiento periodístico.

Tocando el tema del periodismo, esta cinta es de gran relevancia para todos aquellos comunicadores, reporteros, periodistas, toda la gente que trabaja en los medios de comunicación, que tengan que ver con la prensa escrita, hablada o visual.

Me explico. David Frost es un animador de televisión inglesa y australiana, con una fama aceptable. Está a cargo de programas de entretenimiento, y su personalidad como conductor es como lo que conocemos en Adal Ramones, siempre sonriendo, siempre haciendo chistes. Un buen día, al ver la cobertura del problema de Watergate, la salida de Nixon de la Casa Blanca, y reacciones de la gente, le entra una especie de curiosidad. Así, decide hacer una pausa en el trabajo en su país, para viajar a Estados Unidos y conseguir lo que nadie, una entrevista con el polémico ex presidente Richard Nixon.

Es aquí donde nos muestran un proceso de periodismo interesante, ya que vemos todo lo que tiene que pasar un reportero para obtener exclusivas, palabras del entrevistado que nunca antes había dicho a ningún medio. Pero no todo es acierto, Frost, es animador, no es periodista, por tanto comete unos errores terribles que hacen que esté a punto de echar a perder la oportunidad de su vida. Pero lo afronta y lo resuelve.

Eso es, prefiero ver a alguien que se equivoca, que lo estudia, lo analiza, lo afronta y lo resuelve. Y no a gente que se equivoca, lo trata de estudiar, lo trata de analizar, duda en afrontarlo y no lo resuelve, como la selección mexicana de futbol. Frost/Nixon una película no para todos los gustos pero interesante para todos los ojos.

FROST/NIXON
DIRIGE: RON HOWARD
CON: FRANK LANGELLA Y MICHAEL SHEEN
PAIS: ESTADOS UNIDOS
2008

viernes, 6 de febrero de 2009

LA MALVADA

UN CLÁSICO LLENO DE EMOCIONES Y PASIONES EN LA MALVADA
Por: Abel Olivares Ramírez

En la vida todos hemos conocido gente que al inicio se dicen ser nuestros amigos, que se preocupan por nosotros, más que nada se interesan por nuestra vida, pero después nos damos cuenta que en el fondo sólo era gente hipócrita que estaba a nuestro lado por algún beneficio.

En esta ocasión quiero recomendarles, también platicarles de una cinta protagonizada por la legendarias actrices Bette Davis y Anne Baxter: La Malvada o en su título en inglés All about Eve (Todo sobre Eve), cinta de 1950, nominada a 14 premios Oscar entre ellos dos por actriz principal, 2 por actriz de reparto, fotografía, entre otros, pero de los cuales obtuvo sólo 6, entre ellos Mejor Película, y su director, Joseph L. Mankiewicz el de mejor de ese año. Además de que se hizo acreedora a otros premios en festivales como los BAFTA en Inglaterra o en Cannes, Francia.

En la vida todos hemos conocido gente que al inicio se dicen ser nuestros amigos, que se preocupan por nosotros, más que nada se interesan por nuestra vida, pero después nos damos cuenta que en el fondo sólo era gente hipócrita que estaba a nuestro lado por algún beneficio. Eso es muy doloroso, porque le abrimos el corazón a gente que en verdad empezamos a preciar, pero al mismo tiempo es desgastante por el hecho de enfrentar quitar las caretas y pese a eso, siga evadiendo responsabilidades y mantenga esa personalidad fingida.

Por ejemplo, en La Malvada, la película comienza con la entrega de uno de los reconocimientos más importantes en la comunidad teatral neoyorkina. En dicha ceremonia es Eve Harrington (Anne Baxter) es la principal galardonada, sin embargo se encuentran entre los presentes un grupo de personas con rostros intrigantes, desencajados, con miradas de incertidumbre pero al mismo tiempo odio y decepción; todos ellos con este choque de emociones presenciando el momento en el que Eve recibe su premio. ¿Pero por qué esos sentimientos hacia la joven?

Margo Channing (Bette Davis) es una gran actriz, consagrada, del teatro en Brodway, sin saberlo tiene una gran admiradora, una fanática que sabe todo acerca de Margo, desde sus gustos, sus amistades, hasta los lugares que frecuenta y cuándo los frecuenta. Ella es Eve, una joven tímida y tierna, actriz principiante que toma como modelo a seguir a su ídolo del momento, Margo.

Por azares del destino, Eve logra entrar por completo a la vida de Margo, a tal grado de ser su asistente personal, secretaria y en cierto grado su confidente. Hasta que el comportamiento de la muchacha ya no fue normal, tenía actitudes sospechosas, sobre todo cuando las personas cercanas a la gran actriz cambiaban su forma de ser para con Margo, como sus amigos y su prometido; pero cambiaron a raíz de que Eve se internaba cada vez más en la vida privada de su jefa, por ende, las relaciones con los conocidos de Margo se volvían más estrechas. ¿Qué es lo que sucede con Eve? ¿En realidad la joven es una malvada con traje de santa? ¿Por qué su insistencia en pertenecer a la vida de su ídolo a la postre jefa?

La Malvada es una película llena de intriga, de drama, y de damas con carácter pese a la época en la que fue filmada. Está matizada con duelo de actuaciones donde las pasiones se desbordan por parte de todos los actores, pero se fortalecen con las protagónicas, escenas en las que durante 2 minutos Bette Davis inicia desde la apatía, pasa por la arrogancia, arrastra la irá, hasta llegar al llanto y los reproches. Todo frente a su contra parte Baxter, en la escena de la fiesta sorpresa de cumpleaños del prometido de Margo, por citar un ejemplo.

Cabe destacar, que dentro de la trama aparece una joven rubia, de una apariencia dulce, pero sofisticada, bonita pero de cuerpo sumamente atractivo. Con personalidad carente de decisiones propias, materialista, que no puede opinar de nada que no sea moda, o la farándula, pareciera ser de las típicas rubias sin cerebro, esta chica se llama Miss Caswell, interpretada nada y nada menos por Marilyn Monroe en sus inicios como actriz. Es muy interesante ver de qué lado de Hollywood ingresó la rubia quien después de su muerte pasó a ser toda una leyenda.

En sí, la historia plantea que existen varios caminos para llegar al éxito, pero Anne Baxter, a través de su personaje Eve Harrington, escoge el más fácil pero lastimero, el más hiriente, el más egoísta, frívolo y codicioso. Como bien lo menciona Nicolás Maquiavelo en El Príncipe “el fin justifica los medios”, ¿qué importa los demás mientras que se alcance el beneficio propio?




La Malvada (All about Eve)
1950
Dir. Joseph L. Mankiewicz
Con: Bette Davis, Anne Baxter, George Sanders, Celeste Holm
País de Origen: Estados Unidos

EL DIABLO VISTE A LA MODA, DE LOS JEFES SIEMPRE SE APRENDE

EL DIABLO VISTE A LA MODA
Por Abel Olivares Ramírez

Si llegas a un punto en tu vida en el que ya no ves a tu familia, a tus mejores amigos, ya no asistes a fiestas de cumpleaños de tu pareja, no tienes tiempo para dedicárselo a tus padres y te sientes con la sensación de que no estás satisfecho con los sacrificios que haces porque no estás obteniendo lo que en verdad deseas, entonces es hora de que medites y pongas en una balanza tu profesión o trabajo y a tus seres queridos. ¿Qué es más importante? ¿Alcanzar la cúspide y el éxito con base en tu trabajo, empeño y perseverancia a costa de ti mismo o simplemente quisieras ser un empleado más aunque eso signifique que la superación llegue tardío sin olvidar lo que eres en esencia?

No te vaya a pasar lo que a Andrea Sachs (Anne Hathaway), una chica graduada en periodismo y que comparte departamento con su novio Nate, que llegó a trabajar como segunda asistente de Miranda Priestly (Meryl Streep)la malvada, tirana, dictadora, editora en jefe de la revista de Runway, la revista más importante de moda y glamour,. En el momento en que Andrea es aceptada, su vida personal, social y familiar, terminó sin darse cuenta.

Andy, como le dicen de cariño, es una chica que no le importa en lo mínimo la moda, la ropa de diseñador, ni los zapatos lujosos. Segura de sus conocimientos y currículum su apariencia es lo de menos. Para ella lo más importante es que la noten por su entrega e inteligencia para desempeñarse en cualquier ambiente laboral.

No pensaba lo mismo Miranda, quien, podían pasar las semanas, verla todos los días y ni su nombre aprenderse. Andy movía, cielo, mar y tierra para poder complacer a su jefa en sus cambios de itinerario, y jamás agradecérselo, ni un detalle, ni una mirada de aprobación. Podía Miranda sacarla de sus compromisos familiares o no dejarla asistir con sus amigos, por compromisos de trabajo de suma importancia.

Runway, o mejor dicho, Miranda, absorbió la vida de Andy, ya le pertenecía, perdió su esencia, perdió el verdadero objetivo por el cual entró a trabajar como asistente, su meta profesional, perdió a su novio, perdió a sus amigos, y todo por dejar muy en alto su nombre dentro de la empresa para la que trabaja.

La autoridad de Miranda jamás se cuestiona, mucho menos sus ideas, ni sus peticiones, el punto es que siempre hay que ir más adelante que ella, superar sus expectativas. Andy, que puede jactarse de no ser esclava de la moda y salir adelante por su propia inteligencia, se da cuenta a final de cuentas que un par de zapatillas y un vestido de diseñador no están peleados con el esfuerzo y el ahínco que le ponemos al trabajo, aunque a su vez entendió que la entrega exagerado al trabajo no vale la pena cuando se trata del alejamiento de los seres queridos.

Así que piénsalo otra vez, quieres superarte en tu profesión, en tu trabajo, en tu carrera, para quién o para qué, y en la respuesta encontrarás la clave de tu tranquilidad, bienestar y felicidad.



EL DIABLO VISTE A LA MODA (2006)
Estados Unidos
Director: David Frankel
Con: Meryl Streep, Anne Hathaway y Emily Stanley.

EL AMOR ES IMPREDECIBLE

AMOR, ASPECTO DE LA VIDA IMPREDECIBLE, EN CINTA DE ADAM BROOKS: DEFINITIVAMENTE, TAL VEZ.

El amor, como la vida misma, es un misterio profundo, complejo, difícil de entender, aunque en contraste, es lo más hermoso que un ser humano puede experimentar. Pero aún más misteriosos son la vida y el amor juntos, cuando nos hacen sentir que la persona de nuestros sueños es la menos pensada.

Muchas vueltas da la vida, qué más podemos pedirle, si nos ha gratificado con todo: trabajo, pareja, amigos, estabilidad en general, sin embargo siempre existe algo que pueda descompensar nuestra plenitud haciéndonos decaer para aprender a subir de nueva cuenta, y no duelan tanto las siguientes caídas.

Por ello el título de la película Definitivamente, Tal Vez, protagonizada por Ryan Reynolds, donde su personaje Will Hayes, atraviesa por tres etapas importantes que va marcando su camino, tanto en lo laboral como en lo sentimental.

Will es un papá joven que le cuenta a su hija, de 10 años, Maya (Abigail Breslin, la niña protagonista de Pequeña Miss Sunshine), acerca de las tres mujeres importantes de su vida antes de casarse (interpretadas por las actrices Elizabeth Banks, Isla Fisher, Rachel Weisz), todo lo relacionado con el noviazgo, emociones, sentimientos que le despertaron, y lo que significó cada una.

Cambiándole el nombre de las tres, la pequeña debe adivinar quién de ellas es su madre. Esto, porque en su incipiente curiosidad pre adolescente asegura que ni el amor, ni la vida son complicadas como su padre lo cree, el relato tal vez la haga cambiar de opinión.

Es así cómo somos testigos de las vueltas que dio la vida de Will. Fue rechazado por el primer gran amor; conoció a una chica en el trabajo, independiente, fuerte, firme en sus proyectos, cierta chispa florece entre ambos; vuelve a toparse con su primera ex novia, siente emociones encontradas; se cruza en su camino una tercera chica, liberal, despreocupada, triunfadora profesional, sintiendo gran afinidad y empatía; pasa el tiempo, conoce aún más a la segunda muchacha y siente una gran atracción; la confusión se apodera aún más de él cuando posteriormente regresa su primer gran amor, para aclarar ciertos aspectos del corazón. ¿Quién es el verdadero, y gran amor de la vida de Will?

La vida es así, impredecible. Las personas vienen y van, unas regresan otras ya no, y con ellas, los éxitos, fracasos, búsqueda, superación. Esta historia escrita y dirigida por Adam Brooks, escritor también de El Diario de Bridget Jones: La Edad de la Razón, es un ejemplo de que las experiencias más hermosas vividas con los novios o novias, son las que quedan marcadas para siempre en el corazón, haciendo valer la pena regalarles al menos una sonrisa o un “hola”, a todos los ex en dado caso que nos los volvamos a topar en el camino del tiempo, sin importar cómo haya sido el rompimiento.

No sabemos lo que nos pueda deparar el destino, mas que el destino mismo. No sabemos si volveremos a necesitar de esas personas en otro tiempo o en otro lugar, futuro ¿por qué no mantener un bonito recuerdo de todos aquellos que significaron algo grande en nuestro corazón?

Entonces, nunca estaremos preparados para lo que venga, mucho menos para quienes vengan, porque cuando creemos que DEFINITIVAMENTE estamos con la persona indicada, TAL VEZ se presenten circunstancias provocando que nos quedemos con otra persona, habiéndolo jamás imaginado.

Definitivamente, Tal Vez (Definitely, Maybe)
2008
Dir. Adam Brooks
Estados Unidos
Ryan Reynolds, Abigail Breslin, Elizabeth Banks, Isla Fisher, Rachel Weisz

ORIGENES DE JOY DIVISION EN CONTROL

CONTROL, ORIGENES JOY DIVISION, ANTECEDENTE NEW ORDER
Por Abel Olivares Ramírez

Temptation, Crystal, True Faith son algunos de los títulos de sencillos lanzados en los años ochenta e interpretados por una banda muy significativa y de gran influencia quien lograron combinar perfectamente lo electrónico con la música new wave, o lo que se conoce como el post punk, ellos son New Order, famosa durante dos décadas de existencia ya que lograron desprenderse del concepto con el que incursionaron en los setenta, solo que en esos años se hacía llamar Joy Division.

Para todos aquellos fanáticos del punk, sobre todo del inglés, existe una cinta que no pueden perderse, ya que trata precisamente del origen de esta banda de rock, altamente influenciada por otra muy importante en la historia musical, Sex Pistols. Sin embargo, Anton Corbijn (director de video clips de grupos como Depeche Mode, U2, Metallica), con este su primer cortometraje no se centra en la trayectoria musical de Joy Division, sino más bien en su vocalista Ian Curtis quien poseía una personalidad poderosamente oscura quien finalmente lo llevó a su muerte, y quien es interpretado por el joven actor Sam Riley cuyo talento lo ha ayudado para ser catalogado como una promesa inglesa en el mundo de la actuación.

Por la temática, por la forma narrativa que decide llevar Corbijn que como en sus trabajos, se asemeja a un video clip de casi dos horas por su técnica, fotografía en blanco y negro, locaciones sobrias, paneos, full shots, mucha música de la agrupación equilibrada con muchas escenas en silencio, pocos diálogos pero contundentes. Como verán, Control no se prestaría a ser una cinta comercial, sino más bien del cine alternativo, para todos aquellos que gustan de ver cosas distintas, de las llamadas biopics filmadas con un gusto muy personal.

La película inicia en 1976 en Manchester, Inglaterra. Cuando los muchachos Bernard Summer, Peter Hook y Terry Mason deciden integrarse en un grupo y sacar a flote todo lo que un adolescente quiere expresar. Es por ello que junto con sus instrumentos componen sus primeras piezas, pero quién llevaría la voz cantante. Entonces conocen a Curtis. E inician con la búsqueda de una identidad única, musical, vocal, letrista, grabando demos, haciendo pequeñas presentaciones. Ya que en sus inicios se llamaban Warsaw, aunque su rumbo y las circunstancias decidieron llamarse definitivamente Joy Division, sin embargo se acordó no de muy buena gana fue más bien palabra definitiva de Curtis.

Curtis, así como esta, tomó muchas más decisiones y prácticamente el control de la banda, componía, hacía acuerdos en los lugares en los que se presentarían, y demás. Pero, ironías de la vida y del destino, nunca supo cómo tomar el control de sí mismo. Le tomó por sorpresa su bipolaridad, su esquizofrenia y paranoia. Le tomó por sorpresa porque nunca tuvo conciencia de que lo padecía, y cuando lo aceptó trató de remontar, salir de su propia alma oscura, caótica, problemática, hasta iracunda. Porque llegaron momentos en los que a Ian Curtis solo dañaba a Ian Curtis, y esos momentos son los que Corbijn se avocó a explorar en la mente de este personaje, palmo a palmo, y lo que se agradece también de esta cinta, es que en definitiva respeta el objetivo del cine: contar una historia con imágenes. Sin diálogos, sin efectos, sin técnicas cinematográficas extraordinarias, sólo con la locación, con la actuación de Riley, y la inventiva del director nos transporta al mundo austero de un joven inglés fusionado con el mundo complejo de los artistas de rock.

Control
Director: Anton Corbijn
Con: Sam Riley, Joe Anderson, James Anthony Pearson y Samantha Morton
Inglaterra, 2007
Premios: 2 nominaciones BAFTA 2008 (mejor actriz de soporte y mejor película) y 3 premios Festival de Cannes 2007

ABORTO, DIFICIL DECISIÓN

4 MESES, 3 SEMANAS, 2 DÍAS: TIEMPO DE VALOR, TEMOR Y ANGUSTIA.
Por: Abel Olivares Ramírez.

A cuantas mujeres hemos conocido o hemos escuchado hablar acerca de alguien que se practicó un legrado. Y cuántas de ellas son las que salen bien libradas, sanas y salvas, o cuántas son las que están al borde de la muerte por un legrado mal realizado.

Cuando en las pláticas, de amigos, de familiares, se toca el tema del aborto, lo recurrente, en general, es el porqué la mujer en cuestión se atrevió a embarazarse, a no cuidarse o por el contrario, el cómo se encuentra de salud, anímicamente y psicológicamente esa mujer. Sin embargo, casi no se toca el proceso en sí, por el cual se sometió para llegar a ese lugar clandestino, su sentir, la gente involucrada, el tema del dinero, su rostro, sus expresiones, su mirada.

Pero mejor ubiquemos esta experiencia, como muchas mujeres han tenido, en la Rumania comunista, en 1987, donde la dictadura prevalece, y los mercados negros permanece, hasta para conseguir cigarros marca Kent, jabón para bañarse, o ver una película de occidente tienen que hacerse en los más oscuro de la clandestinidad.

Ahora bien, imagínense a Gabita (Laura Vasiliu) quien tiene 4 meses, 3 semanas, 2 días, de gestación, al momento del aborto, el mismo nombre de esta interesante, pero sórdida historia. Involucrando entonces a su compañera de cuarto, en un edificio de estudiantes, Otilia (Anamaria Marinca), que por amistad y compañerismo le auxilia en todo lo que pudo, conseguir el cuarto de hotel donde se llevaría a cabo este acto, obtener el dinero necesario para pagarle a médico clandestino, hasta hacerse cargo del feto.

Cristian Mungiu, director y escritor de esta cinta, si su objetivo era mostrarnos una historia fría y cruel, lo logró. Con tomas fijas, mientras que las voces de los personajes se escuchan en tercer plano, dejándonos a la imaginación los movimientos de ellos, los espectadores podemos ver lo que esta sucediendo con los interlocutores, con sus expresiones, con silencios, sus miradas denotan tal grado de profundidad que se puede adivinar lo que están pensando. Aunque hay otros cuadros en los que no es necesario que hablen los personajes para que nos enteremos de la vida, o al menos parte de ella, de cada uno. Hasta los momentos silentes son muy enriquecedores.

Nos basta para enterarnos que una joven como Gabita, no le es posible, o mejor dicho darse el lujo de quedar embarazada, o permitirse que nazca su hijo, a final de cuentas y para efectos de la historia, las razones de la muchacha para realizar esto es lo de menos.

Es una cinta tan fría en tonos, tan carente de color y diálogos, que sólo así nos puede demostrar también la falta de moral, en absolutamente todos los personajes desde Otilia, como protagonistas, como los burócratas que aparecen; así como la inexistencia de amor propio.

Otilia no se quería a sí misma, y no lo sabía, hasta que por solidarizarse con su amiga, tuvo que acostarse con alguien con tal de que le practicaran el legrado, y pudieran deshacerse de una vez por todas del producto, metiéndose así en una disyuntiva moral muy grande, porque si bien fue para ayudar a alguien, ya no tenía forma de ver a los ojos a su novio, mucho menos a la familia de éste, cuyo núcleo se rige por las normas morales más estrictas, reflejando una armonía hipócrita, menospreciando hasta a la pobre joven.

4 meses, 3 semanas, 2 días, película rumana ganadora de la Palma de Oro en el Festival Internacional de Cine en Cannes 2007, y nominada al Oscar por mejor película extranjera, muestra las emociones encontradas que experimentan estas dos mujeres, todo por lograr de manera urgente el legrado de una de ellas, antes de que la gente se pueda enterar, antes de que se le pueda notar. A ese tiempo, provocarse un aborto, ya es un asesinato, pues no se trata de un embrión, sino de un ser vivo ya formado, dentro del vientre materno, a ese tiempo cualquiera que se dedique a los abortos clandestinos se podría negar por seguridad propia, puesto resulta demasiado peligroso.

Una cinta cruda, que no busca otra cosa más que mostrarnos una situación entra miles de mujeres en la misma situación desesperante que los embarazos no deseados. No se critica a nadie, mucho menos se condena a las personas involucradas, solo es cuestión de ver vidas tensas y almas angustiadas que ni siquiera pueden respirar por el temor a ser aprehendidas. A ser condenadas a ser señaladas con el dedo, y nunca saber si en verdad hicieron lo correcto.

4 meses, 3 semanas, 2 días (4 luni, 3 saptamani, si 2 zile)
2007
Dir. Cristian Mungiu
Rumania
Anamaria Marinca, Laura Vasiliu, Vlad Ivanov

miércoles, 28 de enero de 2009

El Llanto de la Mariposa

EL LLANTO DE LA MARIPOSA RESCATA LA LIBERTAD, VALOR INVALUABLE EN EL SER HUMANO

Por: Abel Olivares Ramírez

¿Qué es La Escafandra y La Mariposa? ¿Es una película cuyo guión se basa en el libro del mismo nombre, un caso de la vida real, o un drama con una historia de vida? No, La Escafandra y La Mariposa es una cinta poética como el vuelo de una mariposa (precisamente) a los confines del mundo; llena de una lucha insaciable por los recuerdos, la imaginación, sobre todo por la libertad.

El Llanto de la Mariposa, título en México (Le Scaphandre et la Papillon – La Escafandra y la Mariposa, su título original) trata sobre la última etapa de vida de Jean Dominique Bauby (Mathieu Amalric) quien fuera editor de la revista “Elle” en París, hasta que fue víctima de un infarto cerebral masivo. Esto le trajo como consecuencia que no pudiera moverse en lo absoluto, no puede mover ninguna parte del cuerpo, ni siquiera deglutir, ni siquiera hablar, emitir sonidos fonéticos, nada, a excepción de su ojo izquierdo al igual que parpadear, además de que sus facultades mentales quedaron intactas, asé es como se atreve a tomar el riesgo de comunicarse y escribir un libro, (el que lleva nombre la película).

Efectivamente, la libertad es el punto central por el cual Jean-Do nos transmite a través de sus pensamientos, de su buen sentido del humor, pero también de su nostalgia y melancolía por sus seres queridos, pese a su casi nula movilidad de su cuerpo, se esfuerza por comunicarse, por dar a conocer a los demás que lo que hace libre al hombre es el hecho de que no existe nada ni nadie en el mundo que nos pueda arrebatar los pensamientos y la imaginación, ya que con ellos podemos hacer lo que nos plazca. Por ello, en esta película encontramos drama y comedia fusionados en un bello arte.

Ronald Harwood hace del libro un guión espléndido, muy bien adaptado. Porque en combinación con la fotografía de Janusz Kaminski, la edición Julliete Welfling y bajo la dirección de Julian Schnabel, (Antes que Anochezca 2000) saben relatar artísticamente las dos partes de la historia, así como la forma en que se transita de una a la otra es un poema visual.

La película inicia con el despertar del coma de Jean-Do, como le dicen sus allegados, y durante los primeros 40 minutos, aproximadamente, todo es en cámara subjetiva, es decir, todo lo que vemos es a través de la perspectiva del ojo izquierdo del protagonista, así como su voz en off que nos indica sus pensamientos.

Esto puede causar un poco de tedio en el espectador, pero si se involucra en el ser de Jean-Do, lo que pretende el director con esto, es que uno mismo experimentemos el sufrir, la tristeza, el agobio, la angustia y la desesperación de tener que depender de los demás, hasta que entendió que aún posee libertad, en este punto es donde se deja la cámara subjetiva permitiéndonos conocerlo en su vida pasada, presente, familiar, laboral y sentimental.

La escafandra es aquel traje antiguo de buzos, con casco redondo perfectamente cerrado y un cristal frente a la cara y un orificio que permite el paso del aire a través de tubos, parecido a un traje de astronauta, ese tipo de trajes son extremadamente muy pesados, es muy extenuante andar con él, más aparte la presión del agua estando a una profundidad de 200 metros. Esto hace que el portador de dicho traje pueda sentir en algún momento encierro eterno, tal vez claustrofobia, miedo, angustia, sin poder comunicarse con nadie, sentir soledad, en medio de la nada.

Esto fue lo que Jean-Do sintió, en el encierro de su propio cuerpo, donde al principio, definitivamente ya no tenía libertad hasta que se dio cuenta que su imaginación le podría permitir volar cual mariposa a lugares insospechados, o volar por el tiempo hasta llegar y revivir los momentos más felices de su vida.

Dice un dicho “esto no se acaba hasta que se acaba”, la vida no se acaba sino hasta que se agote la última gota de aliento dentro de nuestro ser, mientras aprovechemos hasta el último instante de la vida, explotémosle al máximo, cada instante de la vida es imprescindible.


El Llanto de la Mariposa (Le Scaphandre et la Papillon)
2007
Dir. Julian Schnaber
Con: Mathieu Amalric, Emmanuelle Seigner
País de Origen: Francia
Nominaciones: 4 Oscares (fotografía, edición, guión adaptado, dirección); 2 BAFTA (guión, cinta extranjera); 3 Cannes (director, premio técnico, palma de oro), entre otras.
Premios: BAFTA (guión); Cannes (director y premio técnico) Globo de Oro (director), entre otros más.

lunes, 26 de enero de 2009

ARRÁNCAME LA VIDA


EL ÉXITO DE ARRÁNCAME LA VIDA

Por: Abel Olivares Ramírez

Son tres semanas desde su estreno, sigue aún en primer lugar en la taquilla mexicana, hasta ya fue inscrita para contender en la próxima entrega de La Academia, los Oscares, es momento de hablar de ella, ya que pertenece a una parte importante de la literatura de nuestro país, ahora ya forma parte trascendental en nuestra cinematografía, me refiero a Arráncame la Vida de Roberto Sneider.

En su libro, la autora, Ángeles Mastreta, de la novela del mismo nombre y en la cual está basada la cinta, nos narra en voz de la protagonista Catalina, una historia de crecimiento, de búsqueda como mujer, de salirse de las normas sociales de la ápoca, ya que se ubica en el México post Revolución. Una historia donde se combinan la sociedad, la política, las clases sociales, el amor, en una sola narrativa. Con diálogos y monólogos, con un toque de humor, para amenizar toda esa amalgama represora y opresora que percibían los mexicanos en todos los ámbitos y nos sintetiza esta novela.

En cuanto a Roberto Sneider (Dos Crímenes) como director, decide adaptar la novela para abordarla de una manera un tanto sutil en cuanto a la vida política de aquél entonces, centrándose únicamente en la figura que emana el matrimonio conformado por el General Andrés Ascencio (Daniel Giménez Cacho –La Mala Educación) y Catalina (Ana Claudia Talancón- Una Llamada Perdida). Donde además de que Ascencio es el clásico macho mexicano que minimiza a la mujer, hace y decide sobre su esposa e hijos, pero lo interesante es verlo desde el punto de vista de las altas esferas de la política y la sociedad, más aún desde la cotidianeidad de la provincia, exactamente desde Puebla.

Por otro lado, tenemos a Catalina que a los 16 años su vida cambia totalmente al contraer matrimonio con un general que le lleva 15 años. Precisamente este es el tiempo que transcurre la historia 15 años de matrimonio, lapso en el que Catalina madura vertiginosamente, se enfrenta a la podredumbre de una sociedad doble moralista, del escarnio del cual se apoya para dirigir este país, y de la aceptación a sí misma como mujer independiente, capaz de opinar, oponerse, sublevarse, aunque todo dentro del margen que le permite sus circunstancias. Porque a final de cuentas, a este mundo todos venimos a hacer y ser felices, está en nosotros de si lo queremos o no.

Dentro de la cinta, podemos ver un elenco multi estelar, desde los actores consolidados hasta las nuevas generaciones, promesas del mundo de la farándula. José María de Tavira (Cansada de Besar Sapos)es Carlos Vives; Isela Vega (La Ley de Herodes)como una gitana, Joaquín Cosío (Matando Cabos)como Juan, chofer y mano derecha del general; Julio Bracho (Casi Divas)como Cienfuegos fuerte contendiente a la silla presidencial; Rocío Verdejo (Matando Cabos) como la esposa de Cienfuegos, Camila Sodi (Déficit) como Lilia Ascencio; y en un papel especial, Eugenia León como Toña, aunque nunca lo especifican, la connotación que nos da la escena, vemos que se interpreta a Toña la Negra, la gran cantante veracruzana de los años 40. Y muchos actores ás que desfilan a través de la cinta, van enriqueciéndola al ojo del espectador, lo cual resulta ser muy interesante.

Otro punto también notorio, es que el director no se conformó con ambientar las distintas épocas post revolucionarias dentro de un foro de cine, mediante sets que podrían delatarse falsos, de mal gusto, esto no sucedió porque Sneider nos transporta de la mano a la época con locaciones, en Puebla, el centro histórico de la ciudad de México, así como la fachada y el interior del Palacio de Bellas Artes, así como el Zócalo con su antigua decoración llena de árboles; aunado a esto, la cantidad de extras vestidos adecuadamente, los carros, la decoración.

A una película mexicana siempre se le crítica por todo, cada aspecto, cada rubro, y el nivel de las actuaciones no es la excepción. Giménez Cacho, es sin dudarlo, el mejor actor que existe en nuestro país, en la actualidad, hace con el personaje del general Andrés, un ser auténtico, lleno de tantos matices y variaciones, como todo ser humano, en una sola escena podemos ver la exploración de tantas emociones en pocos minutos; al general el público lo puede odiar, o lo puede querer, esa es la magia que resulta de una actuación excelsa. Para muchos es grato ver el crecimiento histriónico de Ana Claudia Talancón demostrándolo a través de Catalina, a quien con sus actitudes, poses, muecas, le puedes creer que tiene 15 años de edad, y hasta 30, que se preocupa por sus hijos, sumamente enamorada de su marido, de su amante, dolor por la ausencia de su padre, y odio por el descubrimiento de la verdadera cara su esposo.

Por todo lo anterior, no en vano son ya hasta se consideró para la nominación a un oscar, y tanto tiempo en cartelera mexicana, en primer lugar de taquilla, resultado de una película, entretenida, ágil, nostálgica, atractiva por sus actores, por sus actuaciones. Si bien no respeta al 100% la esencia literaria de la novela, si rescata y enaltece el aspecto visual del mismo.

viernes, 23 de enero de 2009

El Curioso Caso de Benjamin Button


EL CURIOSO CASO DE BENJAMIN BUTTON

Por Abel Olivares Ramírez

¿Qué haríamos si el comienzo de nuestra vida la experimentáramos con lo que se supone que es la culminación de ésta, es decir con la senectud, y el final de nuestros días la viviéramos con todo el vigor, la energía e inocencia de una inocencia jamás recordada?
Me parece que nadie se ha puesto a pensar, o mejor dicho, a imaginar qué haríamos en este caso. En lo personal yo no, pero ahora que lo tomo en cuenta, lo he meditado y no sé qué haría, si lo disfrutaría, si hiciera cosas distintas a las que he realizado, en verdad aún no se me ocurre, qué podría suceder.

El curioso caso de Benjamin Button es eso, un cuento fantástico que nos lleva de viaje por todas las aventuras que Benjamin (Brad Pitt) que tiene a lo largo de su vida. Tiene todos los elementos para que esta película se pueda disfrutar como tal, en primer lugar, lo fantasioso: un bebé que nace con todo lo que un anciano puede padecer, piel arrugada, voz cascada, enfermedades pulmonares, óseas, en fin, no se le puede augurar ni un año de vida al bebé. También tiene lo que puede ser el villano, que a fin de cuentas no lo es: su propio padre quien al ver el ser que engendró decide deshacerse de él, lo abandona.

También vemos que hay sueños, esperanzas, ilusiones y ganas por ir más allá de sus propias posibilidades, es decir, deseos de superación por parte de Benjamin. No puede faltar el amor, quien lo encuentra en dos mujeres, uno correspondido, otro no tanto, sus dos grandes amores Elizabeth (Tilda Swinton, ganadora del Oscar 2008) y Daisy (Cate Blanchet, ganadora 2005 y varias veces nominada al Oscar). Aventuras, dentro de la guerra, en un barco remolcador, en Rusia, en Paris, su primera relación sexual, heredero y dueño de una fábrica de botones, imagínenlo, hacer todo eso y más, cuando apenas se cuenta con veintitantos años de edad pero con la apariencia de una persona sexagenaria.

David Fincher (Zodiaco, 2007) trata esta historia, con mucha sutileza, se toma su tiempo para matizar a Benjamin con tantos recovecos para no parecer exagerado, hacer así, por último, un cuento que motiva a la reflexión mediante las acciones del personaje durante su historia. Benjamin es el centro de algo que conocemos “ganas de vivir”, sólo que la diferencia radica en que lo experimenta desde el primer día y hasta el último de su vida. No murió cuando no le daban mucho, caminó cuando no lo podía hacer, a los 50 decide formar una vida familiar, aunque esto le signifique no disfrutarla, porque aunque pareciera un joven treintañero para este entonces, implica que sigue rejuveneciendo.

Habrá quien pueda compararla por su similitud con Forrest Gump (1994), la forma en cómo se plantea, el tipo de personajes con los que interactúa el protagónico, hasta el nivel de coeficiente, la inocencia y bondad, la disponibilidad para aprender siempre cosas nuevas. También puede tornarse lenta o tediosa por la duración, restándole puntos a la cinta. Lo que sí es innegable, la actuación impecable de Brad Pitt, quien demuestra una vez más que no sólo es un rostro bonito, uno de los galanes cotizados, sino que da gala de su talento actoral, es impresionante lo que puede hacer en los momentos que personifica a un viejo decrépito sin luz en su mirada ni en su voz. Por otro lado, lo bien realizado que está hecho precisamente esto, el efecto de colocar el rostro de Brad Pitt caracterizado de anciano que ni se reconoce en el cuerpo de alguien bajo de estatura, dando la impresión de ser un enano. O el caso de Cate Blanchet, la tecnología permite a ver a esta actriz a la edad de 17 años, pequeña, jovial, sin ninguna marca física que delate su verdadera edad.

Entonces, ¿me gustaría morir de 85 años pero con el físico de un bebé recién nacido, que al cerrar los ojos no recordara nada de lo que viví? ¿me hubiera gustado nacer con el cuerpo de un anciano, y al llegar a los 60, tener el cuerpo, pensar, vivir como alguien de 30? Sigo sin saber, porque lo que he experimentado hasta hoy, ha sido gratificante, guardando cada recuerdo como un tesoro en una isla perdida.

El curioso caso de Benjamin Button (The Curius Case of Benjamin Button)
Director: David Fincher
Con: Brad Pitt y Cate Blanchet
País: Estados Unidos
Año: 2008

jueves, 22 de enero de 2009

Y los nominados son...

Por Abel Olivares Ramírez

Llegó el día. Se han anunciado anunciado la lista de los nominados para la octagésima primera entrega de los premios Oscar. Lástima, aunque la película mexicana "Arráncame la Vida" estuvo dentro de las últimas 9 de 69 candidatas para la categoría de película extranjera, no fue nominada. Lo anunciado desde que murió, Heath Ledger ha recibido la nominación póstuma a actor de reparto por El Caballero de la Noche.



Es hora de hacer apuestas, quinielas, responder trivias. ¿quién ganará? Aquí la lista de los nominados, al final de cada categoría anuncio mi predicción, aún no he visto todas las películas porque no se han estrenado, me baso en lo que he leído, he escuchado, y anunciado en la prensa nacional y extranjera. Ya en las vísperas de la premiación ya debí haber visto la mayoría tal vez cambie mis predicciones, bien dicen que es sabios cambiar de opinión.



Y la lista es la siguiente.



MEJOR ACTOR PRINCIPAL:


Richard Jenkins por “The Visitor”
Frank Langella por “Frost/Nixon”
Sean Penn por “Milk”
Brad Pitt por “The Curious Case of Benjamin Button” (El curioso caso de Benjamin Button)
Mickey Rourke in “The Wrestler” (El Luchador - tentativamente -)

Mi predicción: Mickey Rourke


MEJOR ACTOR DE REPARTO:


Josh Brolin por “Milk”
Robert Downey Jr. por “Tropic Thunder” (Una guerra de película)
Philip Seymour Hoffman por “Doubt” (La Duda)
Heath Ledger por “The Dark Knight” (El caballero de la noche)
Michael Shannon por “Revolutionary Road”(Sólo un sueño)

Mi predicción: Philip Seymour


MEJOR ACTRIZ PRINCIPAL:

Anne Hathaway por “Rachel Getting Married” (El casamiento de Raquel)
Angelina Jolie por “Changeling” (El sustituto)
Melissa Leo por “Frozen River” (Río congelado)
Meryl Streep por “Doubt” (La Duda)
Kate Winslet por “The Reader” (La Lectora - Tentativo-)

MP: Meryl Streep


MEJOR ACTRIZ DE REPARTO:

Amy Adams por “Doubt” (La Duda)
Penélope Cruz por “Vicky Cristina Barcelona”
Viola Davis por “Doubt" (La Duda)
Taraji P. Henson por “The Curious Case of Benjamin Button” (El curioso caso de Benjamin Button)
Marisa Tomei por “The Wrestler” (El Luchador)

MP: Penélope Cruz


MEJOR PELICULA ANIMADA:


"Bolt” (Walt Disney), Chris Williams and Byron Howard
“Kung Fu Panda” (DreamWorks) John Stevenson and Mark Osborne
“WALL-E” (Walt Disney), Andrew Stanton

MP: WALL-E


MEJOR PELICULA EXTRANJERA:


"The Baader Meinhof Complex” Alemania
“The Class” Francia
“Departures” Japon
“Revanche” Austria
“Waltz with Bashir” Israel

MP: The Baader Meinhof Complex

MEJOR DIRECTOR:


David Fincher (El curioso caso de Benjamin Button)
Ron Howard (Frost/Nixon)
Gus Van Sant (Milk)
Stephen Daldry (La Lectora)
Danny Boyle (Quisiera ser millonario)

MP: Gus Van Sant


MEJOR PELÍCULA

EL curioso caso de Benjamin Button
Frost/Nixon
Milk
La Lectora
Quisiera ser millonario

MP: Milk

miércoles, 21 de enero de 2009

Marley y Yo


MARLEY Y YO, CINTA QUE REFLEJA EL AMOR Y AGRADECIEMIENTO HACIA LA MASCOTA.

Por: Abel Olivares Ramírez.

El perro en muchos casos, como en el mío, no es un hijo, pero si es alguien en quien podemos verter todo nuestro corazón a cambio, recibiremos eso y más de él.

Anoche, mi perrito con 7 semanas de edad, probó por primera vez las croquetas, yo estaba dudoso si le gustarían o no, las mezclé con un poco de leche, se las acabó todas, tenía mucha hambre o en verdad sí le gustaron. Mientras que comía le construía una casa con tablas de madera de cajones donde transportan la verdura, los famosos “huacales”. Como el cachorro ya había terminado de comer, corrió hacia mí, cual bolita de algodón con patas, como es su costumbre me recibió con mordiscos en la parte del dobles del pantalón, jugueteando por su puesto; de pronto desapareció de vista y a los pocos segundos ya venía de vuelta con su muñeco, un juguete que le obsequié desde que llegó a casa el primer día. Yo seguía martillando lo que sería el techo de su casa, y mi cachorrito comenzó a mordisquear lo que sería su dormitorio, cuando estuvo lista, ya se encontraba agotado, solamente me observaba muy atento, sentado, le puse su juguete adentro, también entró, se acomodó y quedó dormido.

Estos momentos son demasiado especiales, para mí, aunque se ha dicho que la familia es y seguirá un núcleo social compuesto por padres e hijos, esto que les acabo de narrar me hace sentir que estoy viviendo en la familia que he formado con mi perrito. No por los miembros que la compongan, sino por las vivencias, el amor que se respira, el apoyo, la comprensión el cuidado que nos profesamos unos a otros.

Por ejemplo en Marley y Yo, la más reciente película del director David Frankel (El diablo viste a la moda) trata la vida familiar de un joven matrimonio en torno a su mascota, un labrador dorado de nombre Marley. John Grogan (Owen Wilson) es un reportero que recién se casó con Jennifer (Jennifer Aniston), también de la misma profesión. Para que ella no pensara en tener hijos, aùn, John decide comprarle un cachorro, al fin sería como criar a un niño. A partir de aquí inicia una entrañable historia de mucho amor.

John y Jenni se aman, se apoyan en su trabajo, pasean juntos y con el perro, son confidentes, son cómplices de su propio amor. Nada ni nadie les impide estar juntos y ser un matrimonio envidiable. Podemos ver en su historia, la evolución, el ascenso laboral de él, la inseguridad pública de su vecindario, la perfección profesional de ella, la búsqueda del primer hijo, las riñas, la fragilidad del amor, apunto del rompimiento, los amigos, los vecinos, en fin, tantas experiencias, y en todas es Marley testigo fiel, amigo y compañero de ambos.

Porque en todas las anécdotas está Marley dentro de la alberca, rompiendo un sillón, ansioso por querer salir a la calle, tragándose un collar, aullando de miedo por los truenos, cuidando a los niños, esperarlos en la parada del autobús escolar, sirviendo de chivo expiatorio para que el amigo de John, Sebastian (Eric Dane), conquiste mujeres, dejando excremento dentro del mar.

Sin embargo, pese a todas sus travesuras, sus maldades, claro que lo reprenden, pero lo quieren, lo valoran, lo aprecian, ya que Marley se convierte en piedra angular de la familia, en un miembro fundamental de ella, en él encuentran alegría en los triunfos, consuelo en los momentos difíciles, objeto de desquite en los enfados. Recibe todas las emociones, pero Marley sólo sabe dar cariño para los niños y para los padres, John y Jenni.

Bien dicen que el perro es el mejor amigo del hombre. Porque es incondicional, es fiel, es amoroso, juguetón, a veces pareciera que supiera escuchar nuestros desahogos; cuando caemos ahí está, cuando nos levantamos y andamos nos acompaña. El perro en muchos casos, como en el mío, no es un hijo, pero si es alguien en quien podemos verter todo nuestro corazón a cambio, recibiremos eso y más de él.

Marley y yo (Marley and Me)
Director: David Frankel
Con: Owen Willson, Jennifer Aniston, Alan Arkin, Eric Dane
País: Estados Unidos
Año: 2008

martes, 20 de enero de 2009

WWRY QUEEN EL MUSICAL EN G. MARTELL


WE WILL ROCK YOU, UN TRIBUTO A QUEEN, QUEEN EL MUSICAL.

Por Abel Olivares Ramírez.

Es una obra que aunque pequeña en infraestructura es muy grande en ímpetu ya que alcanza el espíritu del teatro cosa que no sucede con muchas de las grandes producciones profesionales actuales.

Imaginemos un mundo sin música, un mundo donde la vida sea autómata, monótona, seca, sin alegría que la unas notas musicales nos puedan otorgar. Es más, una vida en donde las mismas autoridades no sólo han prohibido la música sino se han destruido todos los instrumentos musicales, de todos los tipos y clases.

En una época futurista en donde la gente desconoce el significado de la independencia, de la libertad de pensamiento, de sentir, de todo lo que provoca la música en el alma de los seres humanos, existe un pequeño brillo de esperanza, y mientras la fe abunde en el corazón de unos cuantos todo es posible, hasta de recuperar el brío en el semblante de cada persona. Y qué mejor aliciente que el recuerdo de la música rock.

Según las antiguas y sagradas escrituras, llegará el día en el que un hombre aplique todo aquello que los antiguos dejaron como legado, entiéndase por “antiguos” a todos aquellos compositores, cantantes y músicos que a través de sus creaciones, de su arte, movieron masas, corazones, ofrecieron otras alternativas de pensamiento.

Ese hombre, el próximo libertador de nombre Galileo extrañamente se le viene a la mente conocimiento de esas escrituras, lo más extraño es que nunca ha tenido contacto con ellas. Él junto con su compañera de aventuras, Scaramouche, pasan por toda clase de sucesos, divertidos, románticos, de peligro, de riesgo, de risa, de anhelo, todo hasta lograr que renazca el espíritu del rock en el mundo.

Esta es la esencia de We will rock you, obra de teatro musical dirigida y coreografiada por Jesús Casaab basada en las canciones del emblemático grupo Queen, y montada en la Universidad de la Música G. Martell, en el sur de la ciudad de México, como parte de los talleres de teatro de la misma. Esta puesta en escena cuenta con la participación de varios elencos quienes alternan las funciones, todos bajo la batuta del mismo director, Casaab cuyo exitoso trabajo se refleja en la armonía que reflejan cada uno de los elementos, actuación, música, escenografía, coreografía, todo.

Es muy importante que para que el público se divierta, los primeros en hacerlo sean todos quienes participen en el montaje, no únicamente los actores, eso es lo primero que se palpa en cada función, se agradece. Es una obra que aunque pequeña en infraestructura es muy grande en ímpetu ya que alcanza el espíritu del teatro cosa que no sucede con muchas de las grandes producciones profesionales actuales que se dejan llevar por la mercadotecnia, qué ironía, precisamente este un tema importante dentro de la trama.

Es una experiencia que no se arrepentirán al asistir. Lamentablemente para nosotros, público, afortunadamente para la obra, las funciones de este año ya están totalmente agotadas. Sin embargo para este 2009 habrá más y con elencos mejorados. La entrara es gratuita, pero por su demanda es muy importante reservar sus boletos. Para esto, y conocer al elenco les recomiendo, visiten la página http://www.queenelmusical.com/ para mayor información. Y aún mayor referencia, chequense los videos que estan de su lado izquierdo, son extractos de la obra, que lo disfruten, no se lo pierdan.

Noches Púrpuras con Norah Jones y Jude Law


NOCHES PÚRPURAS: FILME POÉTICO Y NOSTÁLGICO PROTAGONIZADO POR NORAH JONES.

Por: Abel Olivares Ramírez

El que un cariño se vaya de nuestras vidas siempre es doloroso, sobre todo por lo que implica, recuerdos hermosos, experiencias trascendentales, proyectos a futuro. ¿Pero qué tan difícil es dejar ir a esa persona importante? ¿Cómo es posible borrarlo de nuestra mente y corazón? Para darle respuestas a estas preguntas reflexivas, se debe tomar en cuenta tres aspectos: tiempo, amor propio y mucha fuerza.

Noches Púrpuras es una cinta que da tres ejemplos de cómo dejar que se vaya ese afecto trascendental de nuestra vida, aunque ya no seamos correspondidos. Es una película, llena de elementos simples en sus imágenes aunque la combinación de los mismos la hacen ser una poesía, más que una película. Como el hecho de que en los primeros minutos veamos a los personajes Jeremy (Jude Law) y Elizabeth (Norah Jones), sosteniendo unos diálogos sustanciales sobre el amor mal retribuido, esto a través siempre de un cristal, a través de luces, o de la imagen de una cámara, simbolizando las barreras que muchos ponemos como mecanismo de defensa evitando que nadie se nos acerque procurando que no nos lastimen de nueva cuenta.

O por ejemplo, otro elemento esencial para la trama son unas llaves, que por la situación para Elizabeth no significan gran cosa, y conforme avanza la historia de nos damos cuenta que es una metáfora sobre el cerrar ciclos amargos para siempre, por un lado; por el otro, encerrarnos en nosotros mismos ya no queriendo saber mas nada de la vida.

Noches Púrpuras, cuenta el cómo Elizabeth sufre por la traición de un hombre, pero sufre aún más por el hecho de que en el momento del rompimiento se percata de algo triste: no ha válido el tiempo y el amor que le dedicó, porque no tiene nada. Fue tanta la entrega de la chica hacia su novio, que se olvidó de ella misma, ya no tiene proyectos a futuro, no tiene nadie a quien confiarle sus cosas, no tiene un hogar a donde llegar, lo peor no se tiene a ella misma. Sin embargo, sus lágrimas se agotan, es hora de tomar las riendas de su vida y recuperar el tiempo perdido.



La metas de Elizabeth no se enfocarán solo a curar las heridas en el corazón, sino valorarse, construir nuevos objetivos, luchar y alcanzarlos, esa es la única forma de encontrarse a sí misma, aunado a esto irá poniendo distancia entre el recuerdo fatídico de la ex pareja y sus dolores.

Esta historia escrita por el también director chino Kar Wai Wong, narra la búsqueda del yo perdido, o del yo olvidado, consecuencia de una relación amorosa que pagó mal, y qué mejor cura que el ejemplo, porque Elizabeth será testigo muy cercano de que cómo dos personas, a la postre amigos, afrontan la partida o el abandono. Ya que este personaje protagónico quiere sanar heridas sin dejar de creer en el amor.

Con la actuación de la cantautora Norah Jones, quien hace gala de su capacidad histriónica en su debut como actriz cinematográfica, y acobijada con un elenco importante, con actores ya alguna vez nominados a premios importantes como el Oscar: Jude Law, Rachel Weisz, Natalie Portman y David Strathaim. Noches Púrpuras es una cinta tan poética en su narrativa, como poéticas o nostálgicas resultan las canciones de Nora Jones, pero llena de esperanza, y de un anhelo por encontrar la tranquilidad, porque después de todo no estamos solos, nos tenemos y nos bastamos a nosotros mismos.

Noches Púrpuras (My Blueberry Nights)
2008
Dir. Kar Wai Wong
País de Origen: Francia/ Hong Kong/ China
Con: Norah Jones, Jude Law, Rachel Weisz, Natalie Portman, David Strathaim

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