LA PIEL QUE HABITO

Hace no tantos años, cuando estaba a punto de iniciar su gira mundial “Confessions Tour”, leí y escuché comentarios sobre que Madonna había declarado “soy un gay (hombre) atrapado en el cuerpo de una mujer”, en su momento este comentario causó curiosidad entre la prensa  y lo tomaron como algo gracioso pero implícitamente verdadero porque la diva y reina del pop hace, dice, opina, construye, planea, se comporta, vive con gran ímpetu, entusiasmo, optimismo, alegría, contundencia, ganas de superación,  gracias a su fuerza y aprehensión por la vida pese cualquier obstáculo , tal como lo hace un gay; que quede claro, con esto estoy dejando fuera la preferencia sexual porque cabe aclarar que la palabra gay significa todo lo que les acabo de decir etimológicamente hablando basándome en el origen sajón, ya que se refiere a un modismo para decir que  toda persona sin importar género, edad, condición social ni ideologías políticas o religiosas que vean la vida de esa manera positiva son gays.

Desgraciadamente para el mundo, pareciera que los homosexuales son los únicos que se comportan así, por tanto el resto de la sociedad tilda a todo este sector de la población mundial como “gays”, siendo que todos, los 7 mil millones del mundo podemos serlo, porque GAY es una actitud, no una preferencia. Qué diferente y más agradable sería este mundo si todos tomáramos por el lado amable nuestra vida y la de los demás. Pero circunstancias y naturalezas humanas lo impiden y este ya es otro tema aún más complejo y complicado de plasmar en pocas líneas que además no compete a lo que a continuación les quiero seguir narrando.

Bueno, ¿a qué voy con todo esto? Lo anterior es una anécdota que recordé cuando fui a ver la nueva y más reciente cinta del director español Pedro Almodóvar “La Piel que Habito”. Asociación de ideas. Haciendo un recuento de toda su filmografía, el argumento primordial en sus películas es la de un macho (con todas las fortalezas  debilidades que impliquen) atrapado en el cuerpo de una mujer, ya que Almodóvar retrata a sus mujeres como verdaderos machos, son fuertes, altivas, reacias, que no admiten un no, nada sumisas, nada cursis, grandes matriarcas, con decisiones propias, con alta capacidad de reacción a cualquier adversidad,  con una visión muy clara de lo que desean, dispuestas a enfrentarse a los hombres o a las de su mismo género pero lleno de matices femeninos como la delicadeza de su apariencia, las actividades domésticas socialmente aceptadas, las miradas tiernas y románticas, sus vestimentas tan sutil pero lleno de una femineidad a flor de piel; pero las historias de este español no se quedan aquí sino como protagónicos o coprotagónicos ha puesto estos machos atrapados en mujeres y a su vez éstas mismas atrapadas en el cuerpo de un hombre.

La Piel que Habito va también en este tenor. No puedo decirles mucho de la historia porque tiene varias “vueltas de tuerca” casi desde el inicio, aunque para aquellos que ya han leído el libro ya saben el hilo conductor de la trama, de qué trata y cómo termina, estoy seguro además que no les gustó nada la adaptación porque le quita mucha de la esencia de los dos personajes protagónicos, así como sus pensamientos, sus conductas y por consecuencia sus actos.

Lo que sí puedo relatarles es que trata de Robert, un cirujano estético interpretado por un ya muy notorio maduro Antonio Banderas, quien está obsesionado con el recuerdo e imagen de su esposa muerta. Robert  o Berto como le dicen también, tiene una paciente, Vera (Elena Anaya), con ella ha aplicado algunos experimentos que permitiría el avance científico en el rubro de la estética humana femenina, concretamente en la creación de piel pero violando algunos códigos éticos y legales de la medicina. Lo curioso aquí es que Vera es extremadamente parecida a la esposa, entonces esa obsesión va a ir cambiando poco a poco en otra cosa, tanto que quebrantará la prohibición que se impuso para sí de acercarse a ella.

Ciertamente, el final queda un tanto hueco, independientemente si el director lo haya cambiado; pero aún así SU final para mi quedó cojo, se supone que es un final abierto para que cada quien decidamos qué pasó posteriormente, pero lo que me hizo falta es aquello que nos enriquece como seres humanos, nuestros pensamientos, nuestras reflexiones, análisis y distinciones en la vida, junto con las emociones y sentimientos que finalmente son quienes nos empujan a hacer algo que muchas veces ni nos imaginarnos que seamos capaces de afrontar o aceptar en un futuro. Nada de esto hay; lo que sí es un thriller de intriga y misterio que nos deja al filo de la butaca por querer saber más o cómo podrá escapar Vera del encierro en el que se encuentra, tanto física como psicológica.

Es aquí donde regreso al tema con el que inicié: lo que nos define como personas, como individuos es lo que somos no lo que hacemos, en otras palabras, la actitud ante la vida, porque lo que somos es lo que repercutirá sobre los demás, ultimadamente a nadie le debe importar lo que hagamos porque aquí el afectado es uno mismo. Entonces porque que nos esforcemos por cambiar la forma de ser de alguien estamos violando su derecho individual de ser, como consecuencia los odios, los malestares, los rencores, las guerras.

Si soy buen hijo, hermano y amigo, si soy alegre, excelente trabajador, buen conversador, ¿a quién le importa si me dejo el cabello largo o corto? ¿Si tengo sexo o no antes del matrimonio? ¿si me pongo tenis con un traje para la fiesta? ¿si me caso con alguien que “no me conviene”? A ver, díganme ¿a quién le importa? Si el único que se verá mal o bien, si el que pagará las consecuencias buenas o malas, soy solamente yo. Claro, aquí vienen otros factores, la ética, la moral, las normas sociales correspondientes a cada lugar y momento, que si violamos todo ello la gente se sentirá agredida y si nos sujetamos a lo único que uno piensa sin importar los demás a eso se le llama egoísmo.

¿Pero qué tal cuando esas reglas sociales transgreden nuestro ser, o sea, nuestro derecho a sentir, pensar o emocionar como nos plazca para estar en paz con nosotros mismos? Obviamente que la forma de conducirnos por la vida no será la mejor ni para los demás ni para uno mismo. Si a un hombre se le prohíbe enamorarse de otro hombre cuando su sentir dicta lo contrario, sus emociones lo empujarán a hacerlo clandestinamente, de maneras poco adecuadas y con personas de dudoso proceder si es que no tiene la madurez suficiente para visualizar el peligro que pueda correr, como drogas, relaciones enfermizas, contagio de enfermedades, etcétera. Y es aquí cuando la sociedad entra, señala y juzga, cuando gracias a sus reglas pasan estas cosas. Pero las reglas deben existir para tener un control sobre el comportamiento social sino imagínense el caos que habría. Pareciera que me contradigo pero no. Lo que sucede que todos estamos inmersos en una gran paradoja en forma de espiral del cual nunca saldremos porque es el camino por donde la humanidad va escribiendo su propia historia, y como individuos vamos experimentando nuevas formas de vivir, de ser y hacer empujando a los demás a adaptarnos unos a otros erigiendo nuevas reglas o normas sociales.

El punto es, si no quieren que gente extraña viva dentro de ustedes, como una mujer dentro de un hombre, un niño dentro de un hombre, un hombre dentro de una mujer, una mujer dentro de otra, etc., etc., entonces dejémonos de payasadas, porque esto no existe, sino más bien es una manera de explicar lo que la gente  juzga sin poder entender. O sea no puede haber un heterosexual que ame los musicales porque “eso es jotería”; no puede haber un futbolista gay porque es juego de “hombres no para maricas”, no puede haber un artista pop que le guste el metal porque no se llevan esos géneros. No seamos “mamones” los gustos son extensos y son para todos sin excepción.

Eso de que alguien vive dentro de mí es puras tonterías para justificar algún gusto culposo y evitar que los demás nos  juzguen por cosas sin sentido a veces hasta inventadas. ¿Para qué benditos santos peleamos con la gente por hacerlos cambiar si no lo harán? Mejor, insisto, conozcamos, observemos y escuchemos, si aún así no nos parece, pues respetemos  y cortemos de tajo a ese algo o alguien distinto a nosotros e involucrémonos con gente afín.

Esto provocará algo bonito, la armonía, entre cada uno de los miembros de nuestra propia familia directa en línea ascendente o descendente, y verán como ese “gayismo” como yo le llamo a la actitud que al inicio les comentaba, se irá contagiando por todas partes, contribuyendo a que este sea un mundo mejor.

LA PIEL QUE HABITO

DIR. PEDRO ALMODÓVAR

GUIÓN: PEDRO ALMODÓVAR, AGUSTÍN ALMODÓVAR

CON: ANTONIO BANDERAS, ELENA AMAYA, MARISA PAREDES

PRODUCE: EL DESEO S.A., CANAL+ ESPAÑA

ESPAÑA, 2011

120 MIN.

MISERY

Todos los escritores, además de expresar lo que sentimos por medio de la palabra escrita, es de imperiosa necesidad la búsqueda de un público que acepte nuestras formas de manifestación, alguna opinión o lo contrario, que puedan diferir con lo que digamos e iniciar debates que enriquezcan nuestra visión del mundo que nos rodean.

Como consecuencia de esto, aparecen nuestros seguidores o mejor aún, fans que viven para leer cada palabra, cada coma, cada punto que plasmemos el restro de nuestras vidas. Como fans pueden hasta sentir un especie de sentimiento positivo hacia los autores, cariño, admiración, hasta amor esto no implica el hecho de que deben conocernos personalmente. Simplemente el poder de las palabras hacen todo el trabajo.

 En el mundo real y en la ficción han existido fans que el amor que sienten por sus ídolos crece de manera patológica, el cual conlleva riesgo de hacerle daño a quien más aprecian.

A Paul Sheldon (James Caan) le pasó esto precisamente en la película Misery. En este trabajo dirigido por Rob Reiner, Paul es exitoso escritor de una serie de novelas sobre una mujer llamada Misery. Un buen día Paul ha terminado lo que sería el último libro de la saga, él tiene la costumbre de enclaustrarse en una campiña para escribir, esta no fue excepción. Cuando va de regreso a la ciudad, a mitad de camino sufre un percance automovilístico cuya rescatista es Annie (Kathy Bates), una enfermera de profesión, o eso dice ella, que resulta ser fan del escritor y gran admiradora de toda la historia que versa sobre Misery, y para deleite de ella y al tener en casa al su escritor favorito, podría leer el manuscrito que acaba de terminar Paul. Nunca debió haber dejado que lo leyera, jamás hubiera tenido ese accidente, hubiera sido mejor morir en el auto que caer en manos de esa psicópata.

El terror inicia cuando Annie no está de acuerdo en el destino que le da Paul a su protagónico de la novela. Ella empieza a a plicarle una serie de tortura psicológica y física sobre su amado Paul, ese amor exhacerbado que siente por él es quien la impulsa a realizar todas esas cosas atroces.

Esta es una excelente película más de terror, es sobre angustia, paranoia y desesperación. Escrita por el bien llamado amo del terror Stephen King recibió en su momento varias nominaciones a premios a nivel internacional, pero el premio más memorable no por lo que significa sino por la gran actuación, es el Oscar a mejor actriz. Kathy Bates hace una creación tal de este personaje que como público hace que recemos por nunca tener una vecina así, nunca en la vida.

Aquí lo importante es ver en una solo persona la conjunción de varios tipos de influencias que ejercen sobre ella: el régimen católico, que todo lo que ella hace es nombre de una moral siempre atenta a las buenas costumbres; los usos y costumbres tan rígidos imperantes en el pueblo en donde radica, machista, no necesito decir más, puesto qe la mujer siempre debe ser dulce, amable y atenta (por no decir sumisa) ante sus hombres, es por ello que ve en Misery la esperanza que nunca alcanzará. Entonces vemos plasmada en ella la opresión de una sociedad donde hasta hace poco las mujeres no debían servir más que para sus hijos, marido y hogar. Es tanto el enojo acumulado en Annie que cuando tuvo la oportunidad descargó su ira en la persona que más amaba y admiraba en la vida, su escritor favorito, Sheldon  el creador de la figura femenina la cual Annie quisiera alcanzar.

Ahora que en México se presenta la obra de teatro basada en esta misma historia, protaginanzando Damián Alcázar y una muy sorpresiva Itatí Cantoral, me pareció adecuado recomendarles la película de 1990.

Que más quisiéramos los escritores que nuestros trabajos lleguen a un gran número de personas y que éste crezca día a día, sobre todo actualmente que todo es tecnología. Pero si este es el precio, como el que sufrió Paul Sheldon, mejor no escribo nada, aunque todo tiene su precio, es un precio caro pero creo que lo valemos.

PLAY:

MISERY
Dir. Rob Reiner
Guión: William Goldman
Con: James Caan y Kathy Bates
Produce: Castle Rock Entertainment
EUA 1990
107 min.

LA LLAVE DE SARAH



Desde hace un tiempo que había esperado una película cuya temática del holocausto no abordara precisamente las circunstancias internas de los campos de concentración, o la vida paso a paso del sufrimiento de los judíos en el periodo hitleriano de la historia mundial de principios de siglo XX. Me llegué a preguntar ¿qué no hay otra forma de tocar este tema sin que nos saturen de pijamas de rayas, de hambruna judía, de exilio, de encierros en los vagones de trenes cuales vacas, de tortura explícita?

Digo, no todo debe ser “Lista de Schindler” o “Vida es Bella” o “El Niño con Pijama de Rayas” o “El Pianista” con un largo etcétera.

Pero por fin está en cartelera una cinta que me ha deja un grato sabor de boca dándome respuesta a mi interrogante: SÍ, sí hay otras maneras de abordar la segregación, el dolor e impunidad de ese genocidio en la película La Llave de Sarah del director GIlles Paquet-Brenner.

Esta propuesta cinematográfica es más que otra cosa un thriller con tintes de drama. Es decir, es una historia donde desde la primera escena plantea una primera interrogante en el espectador quienes estamos al filo de la butaca tratando de anticiparnos a la solución del gran problema de la pequeña Sarah.

La película retrata dos historias paralelas, donde sus protagonistas Sarah y Julia tendrán que aprender a lidiar con el dolor que conlleva su acontecer diario; que aunque muy distintas entre sí, inclusive en tiempo ya que las separa 60 años de distancia, algo las une y unirá por siempre: ser mujeres son todos sus matices.

Sarah es una niña cerca de 10 años quien se ve envuelta junto con sus padres en el drama de ser judíos de nacionalidad francesa en el París de 1942 cuando Alemania ya tiene ocupada Francia, por tanto la policía parisina tiene la encomienda de arrestar a todos los judíos bajo condiciones infrahumanas, el problema no es este, sino que Sarah al ser capturada se lleva con ella un terrible secreto que no puede develar ya que si lo hace una vida peligra.

Julia es una mujer ya en los 40 y tantos años de edad, reportera, estadounidense radicada en París y casada con francés, madre de una chica de 12 años. A Julia siempre le ha movido el tema del holocausto, cuando le autorizan escribir un artículo sobre el mismo, sus investigaciones la llevan a enfrentarse cara a cara con la historia de la pequeña Sarah, ahora tendrá que lidiar con sus problemas de una mujer de éxito profesional pero con frustraciones como ser humano, junto con la historia de vida de Sarah y la familia de la niña.

En un principio pareciera tratarse de una película más sobre judíos en campos de concentración. Afortunadamente no lo es. Es un punto de vista totalmente íntimo, espiritual, de crecimiento y superación de alguien que padeció esa terrible tragedia. Es un punto de vista femenino mas no feminista, es una visión psicológica infantil donde se muestra si pudo haber vida para los niños después del encierro y la esclavitud, por supuesto, los que lograron sobrevivir.

Aunque a mi parecer el final estuvo un poco flojo, como de novela de la revista “Selecciones”, no cierra bien el círculo de vida de Sarah, a menos que esa sea la intención del director. Pero por todo lo demás, la fotografía, la música, inclusive las actuaciones de ambas, Kristin Scott Thomas (Julia) y de Mélusine Mayance (Sarah) fueron convincentes.

Es una lástima que no ha tenido la publicidad debida, porque junto con todo lo que hay actualmente en cartelera esta es la que en verdad vale muchísimo la pena, tiene todo: amor, drama, conflicto, no es nada aburrida, es ágil, mantiene el suspenso, no es de arte (que es lo que mucha gente le da la vuelta), es un punto de vista europeo de lo que aconteció: Es buena alternativa para escaparnos un poco de Hollywood y México y conocer otros pensamiento otra forma de abordar los mismos temas de siempre.

LA LLAVE DE SARAH

(Elle s’appelait Sarah)

Dirige y Escribe: Gilles Paquet-Brenner

Con: Kristin Scott Thoma, Mélusine Mayance, Aidan Quinn

Produce: Hugo Productions, Studio 37

Francia , 2010

111 min

EL ÁRBOL DE LA VIDA

¿Cómo explicar esta historia? ¿Cómo decirles de qué trata? ¿Cómo darles una opinión acertada sobre la misma?

La vida es demasiado cruel, pero también demasiado hermosa. La vida es tan linda, pero está tan llena de cosas terroríficas. La vida está llena de muchas gratificaciones pero también llena de frustaciones. Démonos cuenta que la vida es tan ambigua y compleja que cuando la queremos entender por qué tal o cual cosa nos pasa no podemos, lo atribuimos a nuestro Dios. Dios sólo sabe por qué pasan las cosas. No le quiero quitar mérito a nuestras creencias, es que también aceptemos que la vida es inifinitamente difícil de explicar.

El Árbol de la Vida, es bien sabido que fue premiada como mejor película en el festival de cine de Cannes, en mayo pasado. Es por cuestiones de arte, es por cuestiones de mercadotecnia o porque los protagonistas son muy famosos e intensos. Sea lo que sea. Esta cinta sí le hace honor a aquello que dicen del cine "séptimo arte". El arte es subjetivo, cada persona,  empezando por el autor, aprecia la obra desde su propio punto de vista emocional y después racional. Cumpliendo con las reglas para hacer productos artísticos esta también las cumple. Por otro lado, como toda película que se jacte de serlo, El Árbol de la Vida nos narra toda una historia con imagenes, la cantidad de diálogos es casi nulo y eso la hace ser un tanto cansada y tediosa, pero bien vale la pena ver la mezcla de cuadros impresionistas, frases contundentes pero demoledoras, la espiritualidad (sin basarse en ninguna religión) y la razón humana.



En sí la trama se centra en el amor. Amor a los hijos, amor a la vida en pareja, amor al prójimo. Pero cuando te arrebatan a tu ser querido, cuando sabes que jamás lo verás, nunca más lo tendrás en tus brazos, cuando ya no está en este mundo entre nosotros, ¿cómo reaccionarías? El Árbol de la Vida plantea el dolor y trauma de la pérdida de un hijo, padre, madre, hermano se cuestionan el sentido de estar vivos, ¿para qué venir al mundo? ¿Cuál es el punto de nacer, crecer, reproducirse y morir?

Y es que el director Terrence Malick a través de un collage de imagenes muy de arte, una edición difícil de asimiliar, y una selección de melodías espléndidas, majestuosas que definitivamente nos hacen transportarnos a otro mundo. Malick hace toda esta mezcla extraña, abstracta pero poderosa para explicarnos el origen de la vida (desde la super nova que da inicio a la vida del universo hasta, pasando por los dinosaurios) y muy a su manera darnos a entender que esa es la ley: "estamos aquí, otros vendrán y nosotros nos iremos, todo evolucionará y todo cambiará, eso jamás podremos detenerlo, sólo nos queda aceptar, asimilar y disfrutar de las maravillas que nos ofrece nustra existencia: amar y el amor."

O al menos este fue mi entender, mi muy subjetivo punto de vista, tal vez ustedes tengan otra explicación cuando la vean. Después de todo esta es una película de arte y todos podemos tener muchas y diversas explicaciones.

La verdad, les debo recomendar que cuando vean esta cinta en casa o en el cine, deben estar con un ánimo por lo más alto porque por la naturaleza de la misma y que no estamos acostumbrados a este tipo de cine, puede hasta aburrirnos pero algo tiene esta película que pese a ello nos mantiene embobados.

Y para muestra nu botón. este es el trailer de EL ÁRBOL DE LA VIDA.

EL ÁRBOL DE LA VIDA

(THE TREE OF LIFE)

DIR. Y ESCRIBE: TERRENCE MALLICK

CON: BRAD PITT, SEAN PENN Y JESSICA CHASTAIN

PRODUCE: COTTONWOOD PICTURES, PLAN B ENTERTAINMENT, RIVER ROAD ENTERTAINMENT

E.U.A. 2011

138 MIN





EPIDEMIA

Sinceramente al iniciar la película EPIDEMIA (1995) no podía visualizar claramente la profundidad de esgta historia "tan gringa" y con esto quiero decir que implica gran sentimiento moralista, enaltece el sentimiento militar y nacional estadounidense, una historia de amor en medio de la catástrofe y tan pero tan predecible, desde que inicia se sabe que terminará en final feliz.


Pero sorpresa es la que me lleve cuando sí hay muchos puntos en lo cuales se pueda debatir, opinar y externar sentimientos al respecto de esta cinta.

Ustedes sí están para saberlo pero también yo para contarlo, actualmente se encuentra en curso, abierto al público, un seminario de cine con el tema de epidemias y catástrofes en el cual no sólo se proyectarán películas (de ficción o documentales) cuyo personaje central es precisamente alguna enfermedad o una catástrofe mundial sino que también expertos en la materia científica, social y cinematográfica hablarán al  respecto. Opinarán qué tan apegados están a la realidad, si hay muchos errores, aciertos, si el comportamiento humano que proyectan es el acertado, si el discurso narrativo cinematográfico es acorde al mensaje que se quiere hacer llegar al público.

Pero no sólo esto. Como lo mencionaba, está abierto al público en general que está interesado en este tipo de temas en el cine, por tanto hay una gran variedad de puntos de vista. Entre los asistentes podemos encontrar desde chicos venidos de preparatoria hasta estudiante o egresados de carreras sobre ingenierías, antropología, literatura, sociología, comunicación etcétera. Cuando cada uno de ellos emiten una opinión sobre la película (sin pretender tocar el tema técnico por supuesto) me queda claro que las conclusiones van más allá de si está buena o no, de sí gustó o no; estas opiniones versan sobre la explicación inherente a su propia experiencia profesional o de vida. Si se sienten identificados, aproximados o lejanos a la "realidad" de la película nos lo externan con toda honestidad que su propia cotidianeidad les facilita expresar.


La cinta va de un científico militar especializado en virus de alto riesgo, Daniels (Dustin Hofman) quien tiene un sentimiento humanista muy elevado, tanto para no obedecer órdenes de sus superiores, poner en riesgo su vida con tal de salvar a la humanidad y salvar a su ex esposa que aún ama también colega y compañera de trabajo (Renne Russo), junto con su mejor amigo también científico, también contagiado (Kevin Spacey). Entonces emprende la aventura de la investigación con el noble, obediente, sentimental soldado científico también (Cuba Goodin Jr.). Pero los superiores, los coroneles al frente del departamento y de la secretaría de la secretaría de defensa encarnados por Morgan Freeman y Donald Sutherland guardan un secreto desde hace 30 años que pudo poner el riesgo a toda una nación ahora que ha vuelto el peligro tienen que destruir todo dato o vinculación que los pueda delatar ante el mundo y su corrupción.

En medio de persecuciones espectaculares, despliegue de producción monumental hollywoodense podemos determinar que es una gringada más que no propone algo oscuro, una crítica o algo que pueda hacernos pensar. Solamente es un trabajo de estretenimiento de hora y media y ya. Sin embargo, si escuchamos todas estas opiniones tan distintas entre sí veremos que podemos enriquecernos mucho de algo tan simple. Bien vale la pena siempre escuchar a gente tan distinta a uno mismo, aceptar y platicar sobre un mismo tema y respetar todo divergente que pueda haber en este mundo.

EPIDEMIA
(OUTBREAK)
DIR. WOLFGANG PETERSEN
GUION: LAURENCE DWORET, ROBERT ROY POOL
CON: DUSTIN HOFMAN, RENNE RUSSO, MORGAN FREEMAN
PRODUCE: WARNER BROS.
E.U.A. 1995
127 MIN

INCENDIOS

El amor de una madre hacia sus hijos indudablemente será siempre infinito. Desgraciadamente los hijos no correspondemos a ese sentimiento, o al menos de la misma forma. Al contrario, cuando somos niños mayormente nos vemos entre enojos y enfados con nuestra progenitora, si no es que nos volvemos violentos con ella; cuando hacemos algún berrinche, cuando le gritamos, pensamos o decimos que la odiamos lo hacemos porque no nos dejó jugar, visitar a un amiguito, no nos dejó ver TV u otra tontería, cuando pedimos explicación, el silencio es la más fuerte y mejor respuesta de ella, de la madre.

Es más, cuando el canal de comunicación entre madre e hijo está roto, al paso del tiempo, esas tonterías por las que nos enfurecimos con nuestra madre, se convierten en motivos de vida, los cuales pueden ser causales de no solamente gritos sino también de distanciamiento físico, emocional, también de espacio y tiempo, Triste es el hecho de irnos de casa para jamás volver a verla, dejarla morir privándola de nuestra presencia.

Pero es más aberrante permitir que dentro de nosotros, como vástagos, crezca sin razón ni límite un egoísmo tal, que nos ciega, nos enmudece, nos perturba del oido para no escucharla y del habla para no tener la confianza de platicar con ella. Sobre todo nos trastorna de la mente en el sentido que no nos damos la más mínima oportunidad de detenernos y preguntarnos en primera instancia ¿por qué mi madre es así? Al darle paso a esta interrogante resultarán más y más cuyas respuestas a esas interrogantes no son con el objetivo de autoconsolarnos sino para hacer lo que pocos: COMPRENDER, ENTENDER Y ABRAZAR  a nuestras mamás.

Esos gritos, esos rgaños y castigos. Esos manazos o nalgadas; esos silencios, esas frases tajantes y cortantes típicas de una mamá, nada de esto es gratuito, son el resultado de una vida pasada que NO estamos obligados a conocer. Pero lo que sí estamos obligados es a NO JUZGARLAS, sin importar como sean con nosotros. Nada más aceptarlas, quererlas, vivirlas y aprender de ellas.

Y es que uno nunca puede saber qué incendio y con qué intensidad le podrá estar quemando el alma. Tal vez está sufriendo por algo. Algo que no puede, ni debe, ni quiere enfrentar con sus seres queridos. Muy respetable su decisión.

INCENDIOS es una obra de teatro escrita por Wajdi Mouawad, dirigida por Hugo Arrevillaga protagonizaa por Karina Gidi (madre de Abel de la película del mismo nombre) como Nawal; la cual aborda varios temas que entrelazados forman una red de dolor envolviendo el alma de Nawal, personaje protagónico. Cada tópico tratado es una pedrada que va directo tanto al corazón como a la razón del público.

Con su propio trabajo, el autor se atreve a desafiarnos a confrontarnos con nosotros mismos, nos estruja, nos revuelca, nos destruye hasta aceptar que todos tenemos un secreto hondo, tal vez no como el de Nawal para con sus hijos pero sí en el sentido en el viajar dentro de nosotros hasta encontrar el más mínimo y olvidado secreto doloroso. Recordemos que todo es er humano somos una "caja de pandora".

La historia de la obra de teatro Incendios va de lo siguiente. La trama principia cuando Simón y Julia, hermanos gemelos de 23 años son citados para la lectura del testamento de su madre, en el cual aparte de repartir los bienes, les indica cómo desea ser sepultada, el ambiente se torna tenso cuando también les hereda un par de cartas, una para cada uno, cartas que no deben abrirlas sino hasta que las hagan llegar a sus destinatarios: a su padre que siempre creyeron muerto y a su hermano de quien ignoraban su existencia. Las maldiciones e insultos hacia su madre, no se hacen esperar por parte de Simón, ya que, según él, después de que nunca les demostró ni el más mínimo ápice de amor, ahora tienen que seguir acatando órdenes de ella. Durante la búsqueda de esos seres veremos en flashbacks una historia desgarradora de Nawal, su madre, en donde seremos testigos que su madre nefasta, terrible, desgraciada no lo era, no lo es, simplemente es el hecho de proteger a los hijos, por lo tanto toda madre a veces debe guardar silencio siendo víctima de los juicios injustos de los hijos.

Aunque transcurren dos horas treinta minutos el tiempo no se percibe en lo más mínimo, el nivel de actuación de cada actor pero sobre todo de Karina Gidi hace que nos envuelva mágicamente en ese mundo árido y pasional, hace que nos sintamos parte de su historia, de su corazón. Aún mejor dan ganas de interrumpir e ir en busca de Nawal para consolarla en su sufrimiento o compartir sus alegrías las pocas que tiene.

Incendios es una obra grande, poderosa, enorme, pero también fuerte, cruda, demoledora. Transmite cada sentimiento de principio a fin sin necesidad de grandes presupuestos.

No me la imagino si estuviera en teatros grandes o escenarios costosos. Es que se trata de una historia tan íntima, tan privada que es necesario mirar los pensamientos a través de las pupilas de cada personaje.

Tal vez me emociono porque he de admitir que he visto poco teatro de este género o tipo, pero tengo la certeza que como esta donde se provoque todo lo que pretende desprender del público hay muy pocas.


INCENDIOS

(PUESTA EN ESCENA)
DIR. HUGO ARREVILLAGA
CON: KARINA GIDI, ALEJANDRA CHACON, PEDRO MIRA, JAVIER OLIVAN, REBECA TREJO, CONCEPCIÓN MARQUEZ, JORGE LEON, GUILLERMO VILLEGAS, MARTA AURA (ACTRIZ INVITADA)
ESCRITA: WAJDI MOUAWAD
PRODUCE: DIEGO LUNA Y MUECA PRODUCCIONES
MÉXICO, 2011
150 MIN

VIENTO EN CONTRA

 Definitivamente me pareció un muy buen ejercicio de cine mexicano en cuanto a historias thriller o de acción se refiere. Con Viento en Contra podemos ver que se aleja definitivamente del cine de los hermanos Almada que también estigmatizaron al país como el de las ficheras y por lo mismo algo pasa que hoy en día se teme volver a realizar cintas de acción como esta.

El gran valor que le doy a esta cinta y como espectador es que no es pretenciosa, es honesta y no nos quiere tomar el pelo con querer descubrir el hilo negro, redefinir el cine contemporáneo mexicano. Viento en Contra tampoco busca hacer algo rebuscado ni abstracto para ganar festivales, concursos, eventos culturales. Es honesta porque no trata de imitar el cine hollywoodense , es simplemente una cinta que dentro de sus limitaciones (concretamente el presupuesto) muestra al público algo bien escrito, realizado, fotografiado, musicalizado, actuado, en pocas y otras palabras cumple con su misión: entretener.

Viento en Contra no es otra cosa más que puro y llano entretenimiento que involucra al público a tratar de resolver la intriga en la que inmiscuyen a la protagonista. Mantiene al espectador pegado a la butaca por el hecho de querer saber cómo van a resolver todo el conflicto.

Luisa Braniff (Bárbara Mori – La Mujer de mi Hermano), es una mujer exitosa dentro de la empresa de finanzas para la cual trabaja, es madre soltera papel que desempeña con mucho valor también. Sin embargo, asesinan a Sofía (Alejandra Barros) una querida amiga y compañera de trabajo, situación en la cual queda inculpada Luisa además de un fraude millonario, todo sin tener nada qué ver, ahora su misión es demostrar su inocencia y salvar a su hijo secuestrado.

La historia más que nada versa sobre una persona común y corriente, trabajadora, madre y novia como millones no sólo en México sino en el mundo, de repente su vida toma caminos insospechados, vertiginosos que podrían o no aleccionar, pero sí desprende la pregunta retórica que muchos nos hacemos cuándo nos sucede algo dramático: ¿por qué a mí? o ¿por qué me está pasando esto a mí (o a ella, o a él)?

Me recuerda por ejemplo a El Señor de los Anillos donde Frodo, una criatura común y corriente para su mundo, tranquila y pacífica, y sin pedirlo ni proponérselo está en medio de un gran drama tal  que él mismo se pregunta por qué a le está pasando eso.

En Viento en Contra no se busca ni desbancar a ninguna película gringa, ni borrar cualquier trabajo mexicano ni siquiera decirnos cómo se hace cine de acción. Lo repito una vez más: entretiene de una manera digna, correcta, redonda. No abusa de los efectos especiales ni las persecuciones gratuitas, ni experimenta con la dirección de cámaras de manera que n se pueda entender la película. Todo se centra, como debe ser, en la intriga que emana de la historia.

Tal vez a muchos no les parecerá la gran película, y está bien, porque no lo es; tal vez no les sorprenda lo que vean porque estamos acostumbrados a que nos sorprendan con cuestiones espectaculares. Pero ¿qué creen? Es emocionante.

Desde que vi hace unos meses los trailers, atrapó mi atención y me llenó de curiosidad por saber si en verdad cumplirían lo que ahí estaba prometiendo. Aunque no superaron, sí cubrieron mis expectativas, y miren que exijo bastante en el cine mexicano.

Es que desgraciadamente al pensar en cine mexicano lo hacemos como si fuera un género aislado cuando no lo es, y cuando dicen “es una gran película mexicana” siempre son cintas abstractas, complejas, profundas, casi culturales, casi elitistas porque no siempre es para el entendimiento de todos; y las “otras mexicanas” las comedias románticas que no son ni cándidas sino provocan llanto de lo mal que están, o las familiares que en lugar de ser entrañables son aburridas y sin sentido.

Creo que ya es hora de que se invierta en historias que no busquen reconocimiento internacional, la denuncia ni la complejidad humana-social; sino también cintas donde el público además de sentirse inmiscuido se sienta libre descansado de la vida que hay afuera de una sala de cine, pero todo con alta calidad en cada aspecto y detalle de la realización de las películas. Creo que Viento en Contra lo logra, muy modestamente pero lo logra.

Lástima de final se hizo fácil y barato el desenlace de cada personaje por un momento se me figuró final de película chusca clásica de “cómicos y canciones”, bueno… dicen por ahí que nada es perfecto.

VIENTO EN CONTRA

DIRIGE: WALTER DOEHNER

ESCRIBE: RODRIGO ABED ENRIQUE RENTERIA

CON: BÁRBARA MORI, FERNANDO LUJAN, HECTOR ARREDONDO

PRODUCE: WARNER BROS., CELESTE FILMS

MEXICO, 2011

110 MIN.

MISS BALA

En los últimos días se ha comentado sobre el registro de Miss Bala para poder contender en los certámenes de los premios Oscar (EUA) y Goya (España). La academia mexicana de cine la eligió porque le dio el valor de una gran película que merece estar en al menos las nominaciones. Habrá que ver primero si a los miembros de ambos países les convence Miss Bala para ponerla dentro de las respectivas ternas.

Pero ¿en verdad es tan fuerte, valiosa y grande esta cinta como para ensalzarla prestándole tanta atención de esta manera? Aún al momento de escribir esta reseña no he podido darle respuesta tajante y definitiva a esta interrogante.

Antes de mencionar lo que vi en la película, quiero contarles un podo de la sinopsis. Sabemos que una de las ciudades violentas en el país es Tijuana, aquí es donde Laura Guerrero (Stephanie SIgman) una chica que aspira y desea ganar el certamen de belleza Señorita Baja California. Ella junto con su amiga pasan las pruebas primarias (casting), para desgracia de Laura, Susu (la amiga) tiene ciertos “conocidos” que las podrían ayudar con “conectes” en el concurso es por ello que van a buscarlos. Para nuestra protagonista resultaron ser amistades dudosos, en el lugar equivocado, en la hora incorrecta, maldito el momento en el que decidió ir con su amiga a ese antro porque todo lo que vivió a partir de aquí empezó un viacrucis peor que el que padeció Jesús. Víctima de las circunstancias Laura se inmiscuye en lo más hondo de la podredumbre del sistema mexicano.

Lo que vi en este trabajo del director Gerardo Naranjo, es algo lleno de calidad en casi todos sus elementos. La actuación de ella (con pocos diálogos) es convincente, sí refleja la angustia, el terror, la tristeza y pánico el cual vive en cada etapa.

Recordemos que la música debe ser trascendental en toda película y esta no es la excepción, la selección de cada pieza y la colocación en cada escena es perfecta porque enaltece los sentimientos de Laura. Lo que casi o nunca menciono, la mezcla y edición de sonido están muy bien logrados, esos balazos, esa lluvia de metralla es muy superior a otras películas mexicanas que involucran detonaciones ya que envuelven toda la sala y provocan que el espectador se halle dentro de la balacera casi literalmente.

Esta cinta es un tanto experimental en cuanto a la narrativa y fotografía, es decir, los encuadres, la colocación y movimiento de cámaras y actores son poco usuales en el cine mexicano, estas técnicas nos indican que el personaje “Laura Guerrero” no es el protagónico, sino más bien la situación dramática que México padece es el verdadero protagónico, aunque no sea un personaje de carne y hueso, es válido. Esto es porque a la actriz no la toman a menudo de frente, casi siempre de espaldas en unos planos que nos demuestra lo que hay frente a ella y todo lo que está viendo y viviendo, así como los paneos que le realizan para enseñarnos en medio de qué está (de algún lugar físico o emocional, de espacio y tiempo). La forma de contar la película es peculiar e implica hacer parecer a Laura lo que yo llamé “una guía de turistas de lo negativo” porque a lo largo de la historia, a través de su silencio y siguiéndola a tras de su espalda nos va mostrando uno a uno todos los aspectos corruptos y corrompidos del país. En otras palabras Laura funge el papel de narradora sin necesidad de hablar y tampoco contándonos su vida desde un punto de vida intimista, que debe ser lo lógico, sino lo que nos cuenta desde su tristeza y angustia es la parte dramática y dañada del país.

Lo que vi en pocas palabras, es una copia fiel, un retrato idéntico de lo que pasa sobre todo en los estados del norte de México; la policía coludida, la organización de la mafia, las víctimas inocentes, los eventos corrompidos, la sangre fría de los sicarios, las familia fragmentadas, la conexión internacional, los medios de comunicación y un largo etcétera está todo tan bien recreado que al final deja un choque de emociones entre la tristeza y coraje e impotencia de no poder hacer nada, de lo contrario te encuentran y matan. Es una cinta por su naturaleza, cruda.

Pero… así es, la película no es perfecta, por tanto no la hace tan buena como muchos la pintan. El guión está cojo, si se trataba de una chica que soñaba, ambicionaba, anhelaba ser reina de belleza porque nunca se vio en ningún momento una lucha por alcanzar este sueño, es más este planteamiento pasó, en el transcurrir de la historia, de ser un argumento a sólo un pretexto para arrancar la extensa denuncia en la que finalmente se convierte Miss Bala.

Hay otro “pero” que tomo a consideración, radica en el hecho de que precisamente es un trabajo de denuncia y en la situación de pretender que la elijan como representante de México no sé por qué pero esto me incomoda. Hay que tomas varios factores para que pueda ser o no seleccionada, una de ellas es la cruda realidad política que le compete también al país vecino del norte. Si la memoria no me falla tanto nominadas como ganadoras en los oscares distan mucho de ser cintas de denuncia o de crítica reacia social. Concretamente en el rubro de película extranjera tenemos películas como “Mar Adentro” (España),  “Los Falsificadores”  (Austria),” Incendios” (Canadá), “En un mundo mejor” (Dinamarca)  “En algún Lugar de África” (Alemania), “El secreto de sus ojos” (Argentina), “Amelie” y “Los Coristas” (Francia), “El laberinto del fauno” (México) , todas ellas no denuncian, sino más bien dentro de algún contexto real y actual propio de su país ya sea político, económico o social, centran una historia de ficción, así, por medio del entretenimiento podemos entrar a la forma de vida en otros países.

Aunque está bien realizada Miss Bala hay un no sé qué que qué sé yo que no termina por enamorarme del proyecto. Algo le falta o algo le sobra. Tal vez falta una historia de vida en la cual profundicen la mente y alma del personaje y le sobra realidad que desgraciadamente, aunque no me guste, esto pasa en México y no tal, no debemos negarlo ni ocultarlo.

MISS BALA

DIRIGE: GERARDO NARANJO

ESCRIBE: GERARDO NARANJO Y MAURICIO KATZ

CON: STEPHANIE SIGMAN

PRODUCE: CANANA FILMS

MÉXICO, 2011

120 MIN



NO TEMAS A LA OSCURIDAD

A Guillermo del Toro le encanta,  no, más bien, le fascina el lado oscuro de la realidad. Aquél mundo donde los seres extraños, terroríficos, míticos encierran maldad, misterio y miedo a la vez. Recordemos historias de su autoría ya sea en la dirección o en el guión como Mimic, El Orfanato, El Hobbit y El Laberinto del Fauno.

Ahora nos entrega una historia escrita, también producida por él y dirigida por TroyNixey, en su debut director, No le Temas a la Oscuridad.

Erase una vez una pequeña niña de apariencia taciturna, de mirada caída y sentimientos de abandono que llega a la vida de su padre, puesto que su propia madre “se la regaló a él”. Sí, Sally (Bailee Madison)  es hija de padres divorciados, ahora llega a vivir con su padre, Alex (Guy Peirce, El Discurso del Rey) y la novia de éste, Kim (Katie Holmes, Batman Inicia), a una mansión antigua. Sally no se siente a gusto, quisiera estar con su madre en este momento, pero ella ya no quiere tener a su hija a su lado. Es en este momento en el que Sally empieza a escuchar voces que la llaman por su nombre, que la aconsejan, que quieren jugar con ella. Voces que ignora de donde provengan exactamente pero son misteriosas, terroríficas. Es así que empiezan a acontecer cosas que aterrorizarán a Sally sin saber qué hacer puesto que nadie le cree.

No es una cinta de terror. Es una historia de misterio y suspenso como las que sabe escribir Del Toro, pero esta vez no ofrece nada nuevo. Es una cinta lleno de clichés, de situaciones que podemos ver en cualquier película que tengan que ver con casonas, seres extraños, familias disfuncionales, música tenebrosa, y uno que otro brinco de susto por parte del público (he de confesarlo que sí lo hice en un par de veces).

Al salir de la sala pude catalogar a esta película como “un cuento de hadas de terror” porque tiene todos los elementos para ser un cuento infantil pero puesto al revés. Claro ejemplo son esos seres que asustan a Sally, tienen forma de pequeñas hadas o duendes pero del infierno; sí hay una familia pero desunida, también está la madrastra pero no es malvada, esta la niña dulce y tierna pero no es alegre e inocente, es triste y tímida.

Si ya vieron esta cinta o no lo han hecho, para poderla disfrutar deben hacerlo con la mejor disposición de NO exigir, sino de ver y aceptar, e ir con esa visión de ver una historia linda, bien producida, diseñada y escrita; los clichés si están donde deben estar colocados; los  silencios y los momentos de susto están dispuestos a la orden del público, esto al principio porque después de convierte en lo que les comento en una bonita historia de hadas de terror (así lo bauticé), y lo único que queda es ver (sin sobre saltos ni suspenso) cómo Del Toro resuelve sus cabos sueltos.

No Temas a la Oscuridad es una cinta que es sumamente predecible pero igual disfrutable. Se nota que Guillermo Del Toro, sólo quiso divertirse y hacer volar su imaginación un poco, y ver en pantalla su cuento, mas no querer descubrir el hilo negro proponiendo cosas interesantes, originales y revolucionarias.

Aquí, como guionista nos demuestra que se es fiel a sí mismo. Si quiere proponerse hacer algo típico lo hace sin pretensiones. Sólo nos quiso dar un momento de divertimento y así es como lo hace y punto.

NO TE MAS A LA OSCURIDAD

(DON’T AFRAID OF THE DARKNESS)

DIR. TROY NIXEY

ESCRIBE: GUILLERMO DEL TORO Y MATHEW ROBINS

CON: KATIE HOLMES, GUY PIERCE Y BAILEE MADISON

PRODUCE: MIRAMAX, GRAN VIA, TEQUILA GANG

E.U.A. 2011

116 MIN.