CARS 2

No soy muy afín a los autos, ya saben, cuestiones técnicas, marcas, modelos, y demás cosas que pueden apasionar a cualquiera que gusten del mundo del automovilismo. Es en este argumento en la cual basaba la razón por la que no me agradó del todo CARS (2006), cuando a muchos adultos les encantó, y como es lógico a los niños les gustó tanto que su ídolo es el Rayo McQueen. Pero ahora que he visto la segunda parte de la franquicia CARS, he determinado que la razón son otras, puesto que me ahora sí me gustó y mucho la cinta dirigida por John Lasseter (Toy Stor 3).

La decisión de haber puesto a Mate (la vieja, oxidada y bonachona grúa campirana), como protagonista fue un total acierto. Y es aquí donde recae la explicación por la cual me gustó la historia, además de otros elementos.

Cuando lanzaron los cortos, pudimos ver de antemano que la historia relataría una aventura de complot y espionaje. Ver a Rayo McQueen como parte de una red de espías no me entusiasmaba, pero cuál ve siendo la sorpresa, el vólido rojo es invitado a participar en un circuito internacional de automovilismo, pero Mate es confundido como un peligroso e importante espía y a partir de aquí inicia una gran aventura, borrando prácticamente a su mejor amigo de carreras.

Me gustó mucho esta segunda parte por varias cuestiones. En primer lugar el protagónico. Ahora me hoy cuenta que la primera parte no me gustó tanto porque el protagonista, a mi gusto, no tiene ángel, es áspero, es árido en su trato aún después de haber aprendido la lección de vida, es frío en su proceder. Es rico en matices, pero para un película infantil considero que no tiene esa añoranza que nos hace sentir en otros ejemplos.

Sin embargo, en esta segunda parte, vemos los elementos de todo personaje infantil principal: Mate es bonachon, tierno, valiente (aunque de manera inconscienteporque el perfil lo exige), inteligente (aunque el perfil del personaje, ni él mismo sabe que lo es), pero de una inocencia que quisiera adoptarlo para siempre. ¿Qué otros personajes tienen estas mismas características? Po, en Kung Fu Panda; Woody y Buzz Lightyear en Toy Story; Marlin y Nemo, en Buscando a Nemo; y muchos más.

Aquí entra el segundo elemento por el que me agradó más esta seguda parte. El hecho de poner a Mate como el protagonista, provoca que se desencadenen una serie de aventuras y situaciones de grandes emociones y momentos chuscos. Es muy notorio que los escritores Ben Queen y John Lasseter aún conservan el alma de niño, porque a la hora de idearse la historia lo hacen como si un niño estuviera jugando con sus carritos, invetándose cosas has inverosímiles, pero se vale cuando se trata de desarrollar la imaginación para capturar la atención de los pequeñines. Explosiones, carreras de autos, coches antiguos y nuevos, tecnología, científicos, persecuciones y autos mexicanos alrededor del mundo.

 

En tercer lugar, todo lo que les acabo de comentar se realza porque las técnicas de animación es tal que todos los paisajes, las panorámicas de las ciudades Tokio, París, Italia y Londres, cada árbol, cada detalle del pavimento, de los edificios son tan reales que pareciera que no son caricaturas; aunado la dirección de cámaras al raz del suelo, o en planos que salen de lo común de las cintas infantiles, hace a CARS 2 en una cinta muy disfrtuable. Aunque como dato adicional, le comento que lo que también está genialmente escrita y producida es el cortometraje de KEN Y BARBIE DE TOY STORY que se proyecta justo antes de que inicie CARS 2.

Pese a todo lo que he dicho hasta ahora, pienso que CARS es una franquicia muy redituable, pero no tiene el corazón y el alma de muchas otras que ha hecho Pixar. No es una gran película. No descubre el hilo negro, y no propone una historia original. Puesto lo que hay en CARS 2 lo hemos visto en muchas películas, series o caricaturas a lo largo de la historia. Lo que sí es un hecho es que sí entretiene, también tiene su moraleja, es divertida, y los niños pueden tener a un nuevo héroe: MATE.

CARS 2
DIRIGE Y ESCRIBE: JOHN LASSETER
VOCES: MÉXICO: CESAR BONO Y KUNO BEKER; EUA: LARRY THE CABLE GUY Y OWEN WILSON
PRODUCE: DISNEY Y PIXAR
EUA, 2011
105 MIN,

GLEE, LA TELEVISIÓN MUSICAL DEL S.XXI

¿Qué se puede esperar de una serie de televisión cuyos protagonistas oscilan entre los 16 y 18 años, que además la historia se centra de una preparatoria, y aparte pertenecen a un club coral y por tanto se la pasan cantando todo el tiempo capítulo a capítulo? Suena muy feo. Suena a High School Musical de Disney. Suena a niños bonitos donde cantan todo lo bonito del amor, de la vida, del novio o la novia, de lo padre que está la clase de hoy, de lo chido que es estar a la moda, y lo genial que son los deportes, todo esto con letras sumamente sosas.

En esta ocasión me tomo la libertad de platicarles un poco de esta serie de TV porque después del éxito de la primera temporada, donde “se echó toda la carne al asador”, tocando temas que causan algo escozor en el público, donde agarraron éxitos musicales muy importantes de los artistas para coverearlos, explotaron al máximo el tipo de edición, de diálogos, los niveles de actuación, en fin, que era seguro que en la segunda temporada ya no podrían sorprender con nada y empezar a vaticinar su declive. Pero qué gran sorpresa al ver que la segunda temporada es igual de genial o mejor que la primera. Cuánta imaginación para escribir nuevas problemáticas juveniles, qué imaginación para buscar las canciones que puedan embonar en cada capítulo, qué actuaciones tan decorosas y tan importantes, de los muchachos para ser de sus primeros trabajos, sino es que el primero para algunos, y como protagonistas; que ya quisieran Anahí, Mayte Perroni, William Levy, Belinda, Dana Paola, Eleazar Gómez, tener ese mismo empeño por actuar de esa manera; o directores de escena como Gudini, Mónica Miguel, Miguel Córcega, Karina Duprez, dirigir así, para que las escenas sean redondas, entrañables, deseables, pero qué podemos esperar si los ejemplos que puse son los actuales y son gente que tienen carreras de más de 40 años, es decir, están casados y estancados con una misma técnica que ya no funciona ni encaja para el tipo de sociedad en la que estamos inmersos, por eso el Boom! de las series u otros productos de entretenimiento y el declive paulatino de las telenovelas. Pero este es otro tema.

Retomando, puedo decir, afortunadamente GLEE, de los creadores Ian Brennan (actor de series como La Ley y el Orden: Intento Criminal o CSI), Ryan Murphy (escritor y productor también de Nip Tuck), y Brad Falchuck (también conocido por ser el escribir y producir la serie de los cirujanos plásticos) está extremadamente alejado del esquema de los musicales clásicos de Disney donde todo es bonito y dulzura, donde cada personaje es un estereotipo clásico y añejo.

Al contrario, en GLEE encontramos arquetipos, personajes que se construyen específicamente para la estructura de este proyecto, no son formas ya establecidas sino que sale de los cánones de trabajos similares.

Para empezar, esta serie de televisión relata la vida individual y muy íntima de cada integrante del Club Coral (Glee) “Nuevas Direcciones”, dentro de una preparatoria pública de Ohio. Dentro de la escuela, lo peor que puede hacer un alumno es inscribirse a una actividad extra curricular de este tipo; el pertenecer a Glee es sinónimo de ser un “perdedor”, “un loser” un “don nadie en el colegio”, caso contrario a lo que conocemos en otras series o películas, donde el cantar y el bailar para destacar en la escuela es lo máximo de la vida.

Por tanto todos los muchachos que componen Nuevas Direcciones, incluyendo al profesor que los dirige tienen que nadar contra corriente para demostrar que ellos, como minoría social, tienen tanta valía como el resto de la comunidad estudiantil y docente.

Dicho lo anterior quiero presentarles a los personajes protagónicos de esta serie de televisión así como una pequeña semblanza de cada uno de ellos para que se den cuenta cómo fueron escritos y diseñados.

William Schuester. (Mathew Morrison, cine: Letra y Música, TV: Almas perdidas, La Ley y el Orden Intento Criminal). Profesor de español que a pesar de verse frustrado en su carrera de cantante de musicales, su optimismo es lo que lo impulsa a tomar las riendas del club coral del colegio que está a punto de ser eliminado de los planes de estudio por acarrear gastos innecesarios dentro del presupuesto escolar. El profesor Schue, como se le conoce, defiende a capa y espada esta actividad, inclusive de su peor enemiga, la directora del equipo de animadoras o porristas “Las Ánimas”, Sue Sylvester, y peor aún,  defiende a los muchachos y a Glee en sí, de su propia esposa quien, dicho sea de paso, es capaz de fingir un embarazo con tal de acaparar toda la atención de Will orillándolo a truncar, una vez más, sus sueños.

Sue Sylvester (Jane Lynch, Tv: Dos Hombre y Medio, Cine: Virgen a los 40 o en Scooby Doo: el ataque del fantasaurio, 2011). Es la profesora con más triunfos y éxitos de toda la planta docente. Sin embargo es una mujer terriblemente ruda, temible, déspota y prepotente. Es alguien que tiene amagado psicológicamente hablando al director de la preparatoria para que éste acceda a todas las exigencias de aquélla. Más que una típica mujer ex porrista dedicada a esa actividad, pareciera, por su carácter y su cara, un hombre amargado encargado de una cárcel. Todos tenemos sensibilidad y lindos sentimientos notorios u ocultos, Sue también los tiene pero a nadie se los demuestra más que a ella misma en la privacidad de su diario y de su hermana. Desde que de Will toma la coordinación de Glee, le declara la guerra y su odio abiertamente puesto que por su culpa le han recortado presupuesto a las porristas, para poderlo recobrarlo su misión en la vida es destruir el club coral a como dé lugar.

CLUB CORAL (GLEE), “NUEVAS DIRECCIONES”

Rachel (Lea Michele, su primer papel importante). Como hija de padres del mismo sexo, (asunto que no le afecta en lo mínimo y no lo oculta, al contrario se siente orgullosa de ellos); es muy femenina, siempre con excelentes calificaciones, educada, amable, virginal, amante de las artes pero en especial del canto y baile. Y aunque posee las características de toda protagonista, resaltan más sus defectos, es barbera con los profesores, tramposa, mentirosa en muchas ocasiones, su voz, su personalidad, sus actitudes son de niña mimada, está urgida de que la amen y sentirse amada, por tanto se enamora de cualquier hombre que se le acerque en son de paz y le dirija un “hola”. Físicamente no es agraciada, su voz es nasal. Pero todo lo que hace, es con el fin de quitarse de enfrente a quien sea que le obstaculice su camino al estrellato y hacerse notar a como dé lugar.

Finn (Cory Monteith, Destino Final 3, Tv: Supernatural, Samllville). Es el chico más popular de la escuela. Estrella del equipo de fútbol americano y otros deportes. Líder de los chicos más asediados. Su opinión siempre se hacía valer. Pese a que físicamente no es prototipo que todo mundo espera, es el galán que toda adolescente quisiera para novio. Y cuando decide ingresar a Glee, toda su reputación se va al caño, ahora es un “perdedor” más. Lo tachan de “rarito”. Ya no le temen los débiles. Ya no lo siguen los fuertes. Fue novio de Quinn líder de las porristas. Su vida cambia vertiginosamente cuando se entera que será papá a su muy corta edad. Se ve en la necesidad de buscar trabajo, lucha por permanecer en los equipos deportivos, hacerse cargo del bebé, y luchar sobre todo por la ausencia de su padre fallecido.

Quinn (Dianna Agron, Burlesque-Noches de Encanto, Soy el Número 4). La chica más bella de todo el colegio. Presidenta del club de celibato de la preparatoria. Líder de las porristas. La más popular. Engreída. Se cree superior. El ideal de todo adolescente. Diva toda ella. Cuando por órdenes de Sue, ingresa a Glee para espiar y destruirlo desde dentro, también su reputación se va al suelo, aunque no tanto porque a una belleza como a ella todo se le perdona. Sin embargo, ahora sí, se queda sola cuando se embaraza y es destituida no solo como lideresa de Las Ánimas, sino del grupo animador; pero queda peor que sola cuando toda la escuela se entera que el padre no es Finn, sino Puk, el mejor amigo del novio. El padre de Quinn la corre de la casa, como conservador que es. No le queda nada más que El Club Coral, muy a su pesar al inicio, porque también termina por involucrarse, a valorarse a sí misma y a todos sus compañeros por ser todos diferentes a lo común social.

Mercedes (Amber Riley, su primer trabajo). Ella si está dotada de un conjunto de clichés para formar un arquetipo fuerte, uno de los personajes que más se destaca a pesar de no ser uno de los protagónicos. Obesa, negra o afro americana (como lo quieran ver), rechazada social, insegura, siempre viviendo a la sombra de los demás. Perdedora como todos. Pero tiene un arma poderosa en extremo: su voz. Se inscribe en Glee por que ve ahí una manera de sentirse segura, de no ser la única que nadie quiere y explotar lo único que tiene bonito, según ella, su talento. Pero no conforme con esto, no perderá la oportunidad de poder encajar en el resto de la comunidad estudiantil, que ya no sea víctima del bulling, como sea buscará la forma de ser popular como lo es o lo fue Quinn, si es necesario pertenecer a Las Ánimas. Bien podría ser solista y no solo pegar gritos por las notas altas, pero no, la luz y el carisma que irradia Rachel la dejarán siempre a un lado, entonces ahora también tendrá que pelear por un lugar y respeto donde se supone que lo habría.

Kurt (Chris Colfer, su primer trabajo destacado). Bien por el escritor de este personaje porque indudablemente es muy difícil crear un arquetipo y estereotipo en un solo ser. Y bien por el actor (que de hecho le dieron globo de oro 2011, por su actuación en la serie), para recrear un homosexual, SÍ como comúnmente se maneja: “delicadito”, “rosito”, “fashionista”, pero al mismo tiempo NO como nos imaginamos un gay: seguro de sí mismo, no es temeroso, es fuerte y aguerrido, con ímpetu pero con mucha tristeza dentro, sin caer en modas vistosas, o amaneramiento que denigran, no es agachón, al contrario defiende siempre su postura con argumentos, sus convicciones  pero sobre todo el amor que tiene por su padre. Que por cierto, su historia de vida sobre sale porque TAMPOCO es lo clásico de telenovelas, películas u otras series, sobre el rechazo familiar, el trauma del chavito, y la condena social. Al contrario, aquí Kurt como todo hijo homosexual busca la manera de que su padre no se avergüence de él, hace cosas que ni el muchacho mismo se hubiera atrevido a realizar. Vaya sorpresa se lleva Kurt cuando su padre le expresa su orgullo paternal al ver que su hijo es capaz de muchas cosas por amor a él, pero no es necesario que haga cosas que no quiere o siente con tal de tenerlo contento, porque su padre se dio cuenta que su hijo era diferente desde que empezaba a caminar o a hablar; por supuesto que le dolía al principio, y más desde que murió su esposa, entendió que cualquiera que fueran los gustos o preferencias de Kurt, siempre sería su hijo, y que siempre que sea necesario lo defenderá de todo y contra todos, porque el amor que siente el padre a su hijo es tan grande que no podría nunca rechazarlo de ninguna manera. Imagínense ver en tv se hable de esto tan abierto y tan natural, sin dramas, sin crisis, sin peleas ni discusiones sociales o políticos. Es solamente la relación de un padre macho, rudo, fuerte, aceptando, respetando y sobre todo amando a su hijo tal como es.

ALGUNOS MUSICALES: UMBRELLA DE RIHANNA COMBINADO CON CANTANDOBAJO LA LLUVIA, COMPARTIENDO CRÉDITOS CON LA ACTRIZ GWINETH PALTROW

EMPIRE STATE OF MIND DEL RAPERO JAY-Z Y ALICIA KEYS, AL ESTILO GLEE

CONTINUARÁ.... (EN EL PRÓXIMO NÚMERO, LA IMPORTANCIA DE LOS NÚMEROS MUSICALES, EL RESTO DEL ELENCO Y UNA CRÍTICA A LA TELEVISIÓN MEXICANA EN RELACIÓN A LAS SERIES EXTRANJERAS Y SU TRANSMISIÓN EN TV ABIERTA).

SUBMARINO, LOS NIÑOS NO TIENEN LA CULPA.

¿Por qué los niños tienen que pagar los errores de los adultos? Los niños no pueden ni deben hacerse cargo de situaciones que no le competen a ellos. Si no quieres tener hijos, no los traigas a este mundo. Las consecuencias de tener hijos nos deseados, o tal vez sí pero donde después te arrepientas, se manifiesta en un círculo vicioso, después serán adultos y por no haber tenido alguien ejemplar a su lado noaprenderán a ser adultos provocando más situaciones desastrosas para sí y para sus propios hijos, siguiendo así una cadena interminable.

SUBMARINO. Es creado para que siempre  se encuentre hundido, flotando y funcionando siempre por abajo sin ver la luz nunca, aunque se esfuerce an salir un poco a la superficie no podrá hacer otra cosa. Esto fue lo que les pasó a Nick (Jakob Cedergren) y a su hermano (Peter Plougborg), aunque son buenas personas en el fondo y en apariencia, y que tienen muchas formas de salir adelante, siempre hay algo que los hunde más y más, desgraciadamente desde su infancia así ha sido siempre.

La historia inicia cuando Nick y su hermano, muy jóvenes ellos, aproximadamente de 12 y 10 años, tienen que hacerse cargo de su hermano menor, apenas de meses, lo alimentan, lo limpian, lo duermen. Claro que tienen madre, pero ella se la vive en el "agua" todo el tiempo borracha o drogada, y los pobres niños ni un centavo para comprar algo de comer. Difícilmente pueden sobrevivir los tres infantes de esa manera, hasta que una tragedia sucumbe a la "bonita, tradicional y clásica familia".

Pasan muchos años y para este entonces Nick y su hermano no se frecuentan, es más prácticamente, ni se conocen.

Nick es un ex convicto, alcohólico, vive en en la pobreza total, hace algunos trabajos para poder ganar dinero. Tiene sus encuentros "amorosos" y furtivos con su vecina. Es tan triste y deprimente su vida que no hace otra cosa que vivir el día.

Su hermano, es padre soltero, hijo de Martin un niño de 5 años, se tienen adoración mutua. Viven un poco mejor que Nick, al menos en un condominio. Suena bonito pero es todo lo contrario, el padre de Martin es un adicto a la heroína y corre el riesgo de que le quiten a su hijo por esto mismo, el poco dinero que tiene se lo gasta todo en la droga, y el pobre niño tiene que "gorrear" con la vecina porque ellos no tienen nada qué comer, ni dinero para comprar un pan, obvio el niño esto no lo sabe; el padre es quien está consciente del mal que le hace a su hijo, qué más quisiera salir a flote pero no puede, la vicio es más fuerte.

Hay un punto de la historia en donde ambos hermanos se encuentran. Ellos saben entonces que Martin no puede sufrir como sufrieron ellos de niños, tienen qué hacer algo para poder redimirse y salir adelante. ¿Pero cómo o qué hacer?

Thomas Vinterberg nos de un retrato de una familia destrozada por lo más oscuro que pueda existir a nuestro alrededor, aunque deja alguno que otro rastro, como migajas de pan, de que siempre hay redención y para ello uno siempre debe abarcar algún sacrificio por más difícil o doloroso que sea. Esto serviría como una especie de purificación.

Uno como sea... pero ¿y las criaturas? Como este ejemplo, hay muchas realidad, infinidad diría yo, en el mundo, cuando mucha gente cree que eso es lo mejor para los niños, la familia tradicional, sin importar cómo educan a sus hijos, o cómo los orientan.Los niños deben estar en el hogar donde se les de cariño, respeto y espacio no importando si es con un pariente o un padrino o un vecino.

No les robemos su infancia.

SUBMARINO
DIR. Y ESCRIBE: THOMAS VINTERBERG
CON: JAKOB CEDERGREN Y PETER PLOUGBORG
PRODUCE:NIMBUS FILMS PRODUCTION
DINAMARCA - SUECIA
105 MIN.

KUNG FU PANDA 2

Continúan las aventuras del oso panda Po, aquél mítico “guerrero dragón” cuyo título se lo concedieron en la primera parte de la saga, inclusive muy a pesar del maestro Shifu y los 5 Furiosos, ¿cómo un oso panda, regordete, crédulo, ingenuo, carente de agilidad y mentalidad bélico, podría ser el guerrero más poderoso de China?

 

Como todos sabemos, el título se lo gana a pulso, muy bien merecido. Ya que el maestro Shifu lo instruyó extraordinariamente bien, y no hablando de cuestiones físicas o corporales, sino toda la base se centra en una filosofía oriental y milenaria que a su vez va impulsando al cuerpo, sin importar el tipo que sea, a crear, realizar, ejecutar actividades que nadie, ni uno mismo podría imaginarse nunca que estamos posibilitados y capacitados a hacer. Por tanto, todo sueño que nos forjemos, con tenacidad, sabiduría e ímpetu, siempre es posible alcanzarlo.

He ahí el éxito de Kung Fu Panda, el argumento escrito por Jonathan Abiel y GlennBerger y dirigido por Jennifer Yu iba encausando más que a nadie, a un tipo de público con cierta capacidad de entendimiento, mezclado con aventuras, dibujos y escenarios muy vistosos para la audiencia infantil.

 

Pero en la segunda parte, apenas estrenada en esta temporada de verano 2011, está plagada de acción y humor que a todos nos roba la atención, sin embargo, son los niños quienes la disfrutan mucho más que la primera. Es gratificante escuchar a los peques reírse de cada gag, o emocionarse por cada una de las peleas.

Es verdad, Kung Fu Panda 2 también tiene su parte filosófica con su correspondiente moraleja como toda fábula: para poder hacer frente a toda clase de situación, emocional, de caos, sentimental, familiar, material, etcétera, hay que estar en paz con uno mismo antes que nada. Uno como ser humano tenemos la imperiosa obligación de encontrar nuestro equilibrio, nuestra tranquilidad espiritual para poder ver más allá de todo problema y encontrar soluciones; ver más allá de una mirada y comprender a las personas sin importar las palabras, etcétera. He ahí el valor de esta parte.

Uno como adulto se la pasará muy bien, como niño, eso es bueno. Pero si van con la idea de encontrar la profundidad de la primera van a decepcionarse un poco, porque como se los comento, es muy notorio que esta cinta fue concebida para los pequeños de la casa, para que se diviertan como nunca y sí lo logra. Así que es una muy buena opción para tener quietos a los “torbellinos” del hogar.

Y prepárense porque dentro de la historia nos dan pie a la tercera parte. Sólo esperemos que no agoten la fórmula como en Shrek (acuérdense que es la misma casa productora Dream Works) y se vuelva un personaje acartonado y sin gracia.

KUNG FU PANDA 2

DIRIGE: JENNIFER yU

ESCRIBE: JONATHAN ABIEL, GLENN BERGER

VOCES ORIGINALES: JACK BLACK, ANGELINA JOLIE, GARY OLDMAN, JEAN CLAUDE VANDAME

VOCES EN MEXICO: OMAR CHAPARRO, PEDRO ARMENDARIZ JR

PRODUCE: DREAM WORKS PICTURES

E.U.A.

2011

95 MIN

DRACULA, EL CLASICO DE 1931

Y sigueindo con la misma tendencia de películas de terror donde no hay escenas o efectos explícitos que nos provoquen las náuseas, quiero recomendarles ampliamente uno de los clásicos de este género, que trata sobre unos de los personajes más clásicos y célebres en el cine, la literatura y la televisión: DRÁCULA.

Y me refiero al clásico de 1931. Precisamente en los primeros años del cine sonoro, la época del charleston, la depresión económica estadounidense, y el arranque de una industria bastante redituable como la cinematográfica. Son los directores Tod Browning y Karl Freund quienes se aventuran a crear un ambiente de tensión y angustia a los espectadores, sin ambargo por cuestiones de contrato, el único que aparece en los créditos es el primero.

Es una excelente cinta si lo vemos desde el punto de vista de la magia del cine, la modestia de los recursos es muy notable y entendible para la época, pero podemos visualizar que hay demasiado trabajo artesanal y para todos aquellos debemos darles un aplauso de pie. El iluminador hace de los rostros de Drácula (Bela Lugosi) alguién enigmático e hipnótico. Bravo por los vestuaristas y los escenógrafos que nos recrean un Londres en los años 30 oscura y misteriosa.

Claro, la historia es la que todos conocemos. Sacado de la novela de Bram Stoker, nos relatan el andar de este conde en la ciudad londinense y su fiel, demente sirviente. Aunque tiene un propósito concreto, Drácula va asediando a cuanta chica hermosa se topa, las hipnotiza, caen en su red de artimañas verbales y por último todas terminan muertas en sus brazos, víctimas de una letal mordida en el cuello.

Los médicos y autoridades no se pueden explicar esos hechos e inicia una cruzada para esclarecer el misterio. Así es, esta cinta más que de terror, maneja sutil y deliciosamente las encrucijadas que hay que desatar. Eso envuelve al espectador del 2011.

¿Recuerdan la vestimenta clásica, smoking negro, capa negra forro rojo, cabello relamido y rostro pálido, su cama-sarcófago, palacio siniestro, etc? Pues de esta cinta es donde se orginaron los demás estereotipos. es interesante el origen para entender el futuro que le precedió.

Si gustan de una tarde o noche en casa, en compañía de amigos o familia, viendo una película, esta es la indicada, creánme que al final todos quedaran encantados y tendrán tema de conversación para rato.

DRACULA
DIR. TOD BROWNING
ESCRIBE: DE LA NOVELA DE BRAM STOKER,
ADAPTACION DE: HAMILTON DEAN
GUION DE: GARRET FROT
CON: BELA LUGOSI, HELEN CHANDLER, DAVID MANNERS
PRODUCE: UNIVERSAL PICTURES
1931
USA
75 MIN

CLOVERFIELD, MONSTRUO

Definitivamente amo el terror psicológico. Y amo que el cine juegue con mi mente y mis emociones durante dos horas.

En su tiempo, no tuve la oportunidad de verla. Había escuchado recomendaciones y reseñas de ella. Ciertamente, Cloverfield, me llamó la atención pero por cuestiones del destino me perdí de verla en pantalla grande.

Sé que a la mayoría de la gente no le gusta en lo más mínimo, el cine filmado enteramente con la técnica de la cámara subjetiva. Es decir, lo que se ve en pantalla es manejado desde un punto de vista, el camarógrafo que es uno de los protagonistas de la historia. Recordemos películas como “El proyecto de la bruja de Blair” (1999) o recientemente Paranormal (2009).

Les comento que mucha gente detesta este tipo de películas porque tanto el movimiento de cámara, como la agilidad de la historia son tan violentos que provocan mareos o desesperación. Y también hay otra cuestión, es un común denominador entre estas tres: el motivo del terror, prácticamente no se visualiza; terminando en decepción pública.

Ahora permítanme explicarles el sentido o el punto de este tipo de cine que echa mano de estas técnicas, específicamente de Cloverfield: El Monstruo del director, Matt Reeves (Déjame Entrar, 2010).

Como les contaba, amo el terror psicológico. Se llama así porque la pretensión de este cine es jugar con la mente de la audiencia, sugestionarla a tal grado que sea capaz de empatar con las sensaciones de los personajes. Esto se logra con el sonido, con imágenes sutiles, con la actuación de los actores, sin enseñar al ser terrorífico, esto para estimular la imaginación, provocar que la mente trabaje a mil por hora, y dibujar en el cerebro la peor muerte, el peor incidente, el peor dolor, el peor miedo, la peor angustia, no solamente de quienes vemos en pantalla, sino también de nosotros, empezar a decir “si yo estuviera ahí…” “… yo podría hacer, correr, gritar”, así poco a poco dejarse llevar nuestra psique para que nos engañe y el corazón palpite fuerte, cual taquicardia, empezar a sudar frío, sentir que los nervios se alteran.

Créanme, todo esto y más provoca la película CLOVERFIELD. Es una gran recomendación para aquellos que no la han visto y quieren dejarse llevar por sus más profundos miedos; el verla sirve también como una especie de catarsis, al final se siente como si todo el mal que llevamos dentro lo sacáramos y nos purificáramos. En verdad hasta el alma descansa.

Cloverfield vale mucho la pena a diferencia de otras, como Paranormal, porque pese a que es netamente ciencia ficción, el guión está bien justificado, no hay huecos ni los personajes se traicionan a sí mismos como en Paranormal. Además de que todo el tiempo, a cada segundo, a cada micro segundo hay algo qué ver, un diálogo, una escapada, un momento de pánico, el monstruo. No dejan en paz al espectador, no lo dejan descansar. Es una sacudida muy fuerte.

La trama es sencilla. En Nueva York, un grupo de amigos organizan una fiesta sorpresa de despedida para Rob (Michael Dahl-David, conocido por series de Tv como NUMEROS, del 2009) quien ha sido ascendido a la vicepresidencia de la empresa para la cual trabaja por tanto debe viajar a Japón. Su mejor amigo es el encargado de documentar su despedida con cámara casera (precisamente con la que se narra la película), colectando palabras de los distintos invitados al convivio. Cuando de pronto el edificio en el que se encuentran sufre de una gran sacudida, la luz se va por un momento, todos se encuentran en shock, encienden la televisión para ver las noticias, y enterarse de cuál fue la causa, ¿a caso un terremoto? Un buque ha sido derribado en uno de los muelles cercanos. Corren hacia la azotea para lograr alcanzar a ver algo; y desde ese punto del desastre hay una gran y terrible explosión, unos proyectiles que emanan también de ahí van en dirección al edificio, corren todos despavoridos hacia la calle, inicia el caos, el pánico y el terror que plagará toda la cinta.

Desde la perspectiva de la cámara subjetiva, vemos Manhattan destruida por ese monstruo poco visible, vemos al ejército tratando de salva guardar a la ciudadanía, seres diminutos extraños atacando a la gente. Sobre todo somos testigos de la huída del grupo  de cinco chicos de la fiesta, tratando de sobrevivir, de comprender lo que sucede, de la confusión de la que son víctimas, el dolor y la angustia por salir de la ciudad y no poder.

Creo que se ha convertido en una película de culto, sí, pero también mi favorita de la serie de historias que son filmadas con esta técnica. Aunque, no todo es perfecto, el guión tiene una pequeña falla: la batería de la cámara, o una de dos ¿o tiene una pila cuya energía es interminable? ¿o el cable de la extensión que conecta la cámara era kilométricamente larga? Es decir, pasan casi 12 horas y no se acaba la pila de  cámara. Es un defecto del guión que se puede pasar desapercibido si lo primordial es dejarse envolver por el clima de la historia.

Recomendación para los que la vean en casa, no la vean en canal de tv porque con los comerciales le cortan el sentido y la emoción. Y dos, no coman mientras la vean, si no el dolor de “cantar Oaxaca”  será peor que lo que vean en la película.

CLOVERFIELD: EL MONSTRUO

CLOVERFIELD

DIR. MATT REEVES

CON: JESSICA LUCAS, LIZZY CAPLAN, MICHAEL STAHL-DAVID

ESCRIBE: DREW GODDARD

PRODUCE: PARAMOUNT PICTURES Y BAD ROBOTPICTURES

E.U.A.

2008

84 MIN.

LA VERSIÓN DE MI VIDA

Esta película se la dedico a todas aquéllas personas solteras o divorciadas que sufren porque están seguros que nunca encontrarán al amor de su vida. Y se las dedico porque sufren gratuitamente cuando no saben lo que les depara el futuro. Sufren en vano porque centran su deseo de encontrar la persona ideal en sus supuestos defectos  físicos, de  edad, de apariencia,  de emociones o de personalidad, dejando ver que tienen un auto estima deprimente. Se las dedico porque la persona ideal llegará tarde o temprano, no importa cuándo, no importa dónde, lo que en verdad importa es que esa persona llegará para amarnos, querernos y respetarnos tal cual somos, por lo que valemos.

Es la historia de Barney Panofsky, (Paul Giamatti, en una de sus actuaciones más poderosas y preponderantes de su carrera, como lo hizo en la miniserie John Williams , 2008)  y sus experiencias con sus tres matrimonios, sus tres mujeres, sus tres vidas matrimoniales, a través de tres décadas, además de la clase de ser humano que es en cada situación pero que finalmente, como todos, tiene una enorme capacidad de amar, entregarse por completo, a aquella mujer, de las tres, que fue el amor de su vida.

El director, (Richard J. Lewis, CSI La Escena del Crimen), nos restriega en la cara un ejemplo de ser humano tan común como todos, pero nos restriega una y otra vez la sensación de que cualquier hombre podemos ser Barney, gente que trabajamos, que amamos a nuestros padres, que gustamos de los deportes, o de cualquier otro pasatiempo, gente que podemos tener cuántas parejas decidamos, con grandes amigos, gente que vive al día y el día, pero con esa gran necesidad de compartir la vida con alguien que nos quiera, respete, comparta toda su vida con uno y viceversa.  Tan nos muestra en la cara de lo que está hecho el sexo masculino, sin caer en ningún momento en el tema del machismo,  que duele como pedradas.

Pero esta serie de golpes que nos da LA VERSIÓN DE MI VIDA se manifiesta en risas y carcajadas de la audiencia; así es, la película está plagada de humor negro y ácido a la vez, es sarcástica, es irónica, NO ES UNA PELÍCULA CÓMICA, TAMPOCO ES UN DRAMA, es la versión de la vida un hombre que vivió como quiso vivir, simple y llanamente; cuando la gente alcanza la risa es porque irremediablemente están viendo reflejados ya sea su vida misma, o sus deseos más profundos y frustrados, o sus anhelos alcanzados o no.

 LA VERSIÓN DE MI VIDA es una cinta que aparte de enseñarnos a nosotros mismos y nuestro ser, la verdadera esencia es el amor. Pienso que la lección más importante aquí es que absolutamente todos, pese a la vida, y pese a nosotros mismos encontraremos ese ser que llenará de luz nuestra vida hasta el último aliento que nos quede en nuestros últimos días. Sin importar distancias, ni tiempos, ni separaciones, o incompatibilidad de caracteres, si esa persona nos terminó por llenar nuestra vida, si compartió su corazón, si pudimos corresponderle, si toleró nuestros errores, si nos ofrece luz en toda nuestra alma, todo esto, aunque sea por un poco tiempo, indudablemente nos marcará para siempre.

Hoy en día ya no se vale decir,  “soltero maduro, joto seguro”, ya no aplica porque el ser maduro y soltero es cuestión de decisión, de vivir la vida como se le plazca a cada quien,  de recibir a la vida con agrado así como es, como llega, como va, terrible error es presionar al tiempo, a la vida o a Dios a que  nos mande a la persona ideal, a la persona ensoñada, porque antes que esto hay muchas cosas que realizar.

Por tanto, LA VERSIÓN DE MI VIDA, es una trama que refleja la vida misma, tal cual es, tal como la conocemos, como la debemos aceptar y disfrutar las circunstancias que se presentan, con sus altas y bajas, con alegrías y enojos, con decisiones acertadas y equivocadas. De todo lo que hay que atravesar, entender y comprender que el amor de nuestra vida es quien menos lo imaginamos, llega cuando menos lo esperamos, es inoportuno e impertinente, incondicional y correspondido, es maravilloso; pero corresponder a ese amor es lo más grandioso que existe en la vida.

LA VERSION DE MI VIDA

(BARNEY’S VERSION)

DIR. RICHARD J. LEWIS

CON: PAUL GIAMATTI, DUSTIN HOFFMAN

ESCRIBE: BASADO EN LA NOVELA DE MORDECAI RICHLER, GUION DE MICHAEL KONYVES

PRODUCE: SERENDIPITY POINT FILMS

E.U.A., 2010

135 MIN.