LIGA DE LA JUSTICIA

Cuando se habla de películas de súper héroes, en lo personal considero que hay 3 muy importantes, el mundo Marvel, el mundo DC y el mundo X-Men que finalmente pertenece al Marvel, pero por cuestiones de derechos, de distintas empresas cinematográficas, pareciera que las cintas de X-Men son un mundo aparte. Cada una con su muy particular estilo de contar sus aventuras. Pero concretamente la más fallida o, mejor dicho, de estos tres, la única fallida es el DC, entre Man Of Steel y su violencia innecesaria, Linterna Verde y su desganado Ryan Raynolds, Batman vs Superman y la lucha de las dos Marthas, entre otras cintas, a DC se le ha dificultado muchísimo abrirse camino en lo financiero y en el gusto general mundial de la gente.

No así La Mujer Maravilla (2017) de Patty Jenkins que, gracias a la visión concreta y empoderada de la mujer actual, pudo realizar una película prácticamente redonda, que, aunque explora la psique de Diana Prince (Gal Gadot), es sumamente divertida, con humor sutil, escenas de acción bien filmadas, atrapa a todos los espectadores por igual.

Algo parecido sucede ahora con La Liga de la Justicia de Zack Snyder. Sí es divertida, sí es entretenida, sí te la pasas bien y hasta en cierto momento valoras el costo del boleto. Sin embargo, hay algo que no termina por convencer del todo. ¿De qué trata? Resulta que Batman (Ben Affleck), descubre que una invasión alienígena está a punto de llegar a la Tierra, esta poderosa fuerza solo se podrá combatir con ayuda de otros como él, personas con peculiaridades o dones necesarios para hacerle frente a todo el peligro. Hasta el momento en el equipo sólo son él y Mujer Maravilla, pero a lo largo de la historia reclutan a Aquaman (Jason Momoa), Flash (Ezra Miller) y Cyborg (Ray Fisher). Como verán, es muy sencillo el argumento, nada complicado.

Pero si es una película divertida ¿qué no me termina por convencer? No es el hecho de que Ben Affleck sigue molestando a mis ojos, es tan mal actor que pone la misma santa expresión en el rostro no durante toda esta película, sino en todas las que ha filmado, y Bruce Wayne, como sabemos es un personaje sumamente complejo. Tampoco es el hecho de que Henry Cavil lo están encasillando en el chavo guapo, de buen cuerpo que lo colocan en la toma nada más para adornar la escena y darles “taco de ojo” a muchas y muchos, porque Henry especialmente en La Liga de Justicia está muy tieso, tenso en sus ojos, en sus gesticulaciones, en su corporalidad, carece de soltura, y a la hora de hablar está acartonado, están a dos minutos de empezarlo a explotar como a William Levy, que sólo lo usan como objeto del deseo y de taquilla, “pónganlo ahí, aunque no hable y no tenga nada que ver en la escena pero al menos para que la gente lo vea”. Esto es molesto porque recordemos que el personaje al que interpreta es uno de los dos pilares no sólo de la Liga de la Justicia, si no del universo DC.

Y a pesar de esto la película es entretenida, y no alcanzan a destruir el mundo fantástico en el que ha sido creado. Ahora que lo estoy analizando, se me viene a la mente que la razón por la cual no me convence del todo es porque al final me deja con el sabor de boca de que vi una novela gráfica en movimiento, es decir, personajes que se conjuntan, personajes que pelean con el enemigo, personajes que derrotan al enemigo, no hay ni siquiera una mínima, minúscula profundidad, aunque sean dos centímetros de exploración en la personalidad de cada personaje, y que conste que no estoy hablando de disertación filosófica de la psique de cada uno de los miembros de la Liga de la Justicia pues no son películas de arte, son fantasía para entretener puramente, pero no por eso debe de tener su cierta dosis de confrontación consigo mismos, porque es ahí donde el público nos sentiremos identificados y al final querremos ser uno de ellos. Obviamente por tratarse de la conformación del equipo de pronto nos dejan echar un vistazo en la vida privada de cada miembro, pero de manera velada. Y esto se debe por supuesto a que cada uno tendrá su propia cinta donde veremos hasta los más recóndito (eso espero) de sus pensamientos.

Esto sucede porque querer ganarle la carrera a la liebre cuando apenas están gateando, es decir, por perseguir la consolidación del mundo cinematográfico de DC echaron toda la carne al asador, con cierta prisa abordan, acaparan demasiados temas, muchas situaciones para incluir a todos los personajes posibles, como dice el dicho, el que mucho abarca poco aprieta. Y sin embargo es muy superior a Batman vs Superman.

El tráiler lo puedes ver aquí:

LA LIGA DE LA JUSTICIA

(THE JUSTICE LEAGUE)

Dirige: Zack Snyder

Escribe: Chris Terrio, Joss Whedon.

Protagonistas: Ben Affleck, Henry Cavil, Gal Gadot

Produce: Atlas Entertainment, Cruel & Unusual Films, DC Comics

EUA, 2017

120 min.

PERDIDOS EN PARIS

Cuando uno hace una promesa, o se compromete con alguien le estamos dando un valor inconmensurable a nuestras palabras. Estoy claro también que las palabras se las lleva el viento, sin embargo, cuando incumplimos con nuestra promesa, pienso que le quitamos valía a nuestro espíritu, y es eso exactamente que esta película, Perdidos en Paris es lo que más posee: espíritu.

Fiona es una mujer que cuando niña, hizo un compromiso con Martha (Emmanuelle Riva) en el momento en que despiden tal vez para siempre, ésta se mudaría a París siguiendo su sueño, prometió que algún día volverían a verse, cuando Martha lo necesitara Fiona iría a verla. Y así fue, muchos años después, siendo una octagenaria, a Martha le quieren recluir en un asilo en contra de su voluntad, así que le envió una carta hasta Canadá a Fiona, para que fuera a rescatarla, cuando jamás a visitado esa ciudad o ninguna otra fuera de su país. Al llegar, lo pierde todo, y de una manera graciosa conoce a Dom, un hombre en situación de calle que la ayudaría en la búsqueda de Martha por varios lugares de París.

Es importante hacer notar el gran trabajo cómico que hace el matrimonio Abel-Gordon, quienes dirigen, escriben y protagonizan esta cinta. Al más puro estilo Chaplin, la comedia de Perdidos en Paris es el típico de pastelazo pero si me permiten decirlo, lo hacen elegantemente, sutil, no brusco y grotesco como estuvimos acostumbrados a verlo en  México entra la década de los 60 y 80's el siglo pasado. Es decir, en lugar de calificar de idiotas a los personajes hay momentos en los que se vuelven entrañables.

Se nota que esta cinta costó "3 euros", muy barata, sin embargo, no fue impedimento para producir una película ordenada, bien contada y que logra su cometido, dejar un buen sabor de boca al final de la historia; que por cierto, es tan blanco el humor de esta pareja que se percibe como una especie de cuento, como si alguien nos leyera un libro, de esos que nos permiten limpiar el espíritu.

Y para una muestra, un botón. El tráiler, clic en:

PERDIDOS EN PARIS
(PARIS PIEDS NUS)
Dirige: Dominique Abel y Fiona Gordon
Escribe: Dominique Abel y Fiona Gordon
Con: Dominique Abel, Fiona Gordon, Emmanuelle Riva
Produce: Corouge Mon Amour, Moteur S'il Vous Plait, CG Cinéma
Francia / Bélgica, 2016
Francés / Inglés
83 minutos

THOR RAGNAROK

Hay poco qué analizar sobre Thor Ragnarok de Taika Waititi quien a decir verdad no tiene películas blockbuster como esta. ¿Por qué hay poco? Porque este tipo de películas deben respetar un esquema establecido en el guión para que la historia sea funcional y mientras que se siga al pie de la letra tendrá el éxito asegurado.

Hay algunos puntos notables en la película que se deben enfatizar, primero, Cate Blanchet (Blue Jazmin) como Hela, la villana, más malvada, más fuerte, más malvada que pudo existir en el mundo mitológico de Thor. Es impresionante el nivel de actriz que es Cate, es camaleónica, pero hablo de su trabajo actoral, se nota que se permea con cada fibra de los personajes que interpreta, logrando proyectar cada emoción y pensamiento, le compramos sus personajes y sus intenciones. Así pues, Blanchet nos regala una moderna, pero cósmica, pero mitológica Maléfica. ¿Será coincidencia? Yo creo que no, sólo atemos cabos: el aura de ambas es verde, ambas tienen cuernos en sus atuendos, ambas visten de negro, ambas quieren vengarse, ambas quieren apoderarse del reino, ambas se roban las escenas en las que participan y ambas pertenecen a Disney. ¿Será por eso que Hela tuvo mínima participación al inicio y una amplia en la última parte de la película? Es tan cautivadora y seductora la actuación de Cate Blanchet, tan fuerte la presencia de Hela que pudo haberse robado la atención del público si la historia se hubiera centrado en el desarrollo de ella.

El segundo aspecto por el cual Thor Ragnarok se vuelve memorable y sumamente divertida, es por la esperada lucha épica entre dos de los vengadores más fuertes físicamente hablando, Thor y Hulk. Esta es una escena de acción y comedia, es como ver a dos grandes hermanos enojarse por cualquier motivo y la única solución es agarrarse a golpes.

El tercer aspecto es el martillo de Thor que ha sido destruido, si se supone que su fuerza, habilidad e inteligencia se concentraba en su herramienta de trabajo, ¿cómo podrá derrotar a Hela, su hermana mayor?

El cuarto elemento a destacar es la incursión, como en cada película de Marvel, de bits de dos de los vengadores, es decir, una pequeñísima participación en una única escena, que permite el enriquecimiento del universo cinematográfico Marvel (UCM).

¿De qué trata la cinta? Thor (Chris Hemsworth) vuelve a Asgard después de un larguísimo tiempo en el cual gobierna su hermano Loki (Tom Hiddleston) haciéndose pasar por el padre de ambos, Odin, quien les confiesa que tuvo una hija, su primogénita, a quien desterró al no poder controlar su poder y su maldad. Ahí es cuando Hela logra apoderarse del reino y ahora Thor debe regresar para recuperar su tierra, derrotar a su hermana mayor, y así evitar el Ragnarok, o sea el apocalipsis de Asgard.

Como toda película del UCM, está plagado de mejores efectos visuales, mucha acción, mucho tinte cómico que la hace ligera y cercana al grosor del público mundial, llena de colorido y música que  permite inmiscuirte dentro de las aventuras de nuestro héroe mitológico. Para ser la primera película  de este tipo de Waititi como director, ha sido un gran acierto, es más, mucho mejor que las dos cintas anteriores.

Para ver el tráiler de clic en:

THOR RAGNAROK

Dirige: Taika Waititi

Guión: basado en el cómic de Stan Lee, Larry Lieber, Jack Kirby; escribe: Eric Pearson, Craig Kyle y Christopher Yost

Con: Chris Hemsworth, Tom Hiddleston, Cate Blanchet, Anthony Hopkins

Produce: Marvel Studios, Walt Disney Pictures

Estados Unidos, 2017

130 min.

COCO

¿Por qué en todo lo que hacemos, planeamos, pensamos, proyectamos, creamos, accionamos, siempre anteponemos a la familia? O cuando menos consideramos la aprobación de nuestra familia ¿Qué no podemos tomar nuestras decisiones por y para nosotros mismos? Pero de todos modos, cuando más estamos dispuestos a no tomar en cuenta a la familia, no podemos, al final el lazo familiar nos jala y no nos separamos.

Esta una de las tantas características de la sociedad mexicana, para nosotros la familia es lo primero. "Los domingos familiares", las cenas como la navidad, año nuevo, fiestas patrias, entre otras, la gran mayoría son para la familia, mi sueldo es para la familia, los paseos y las vacaciones son para la familia. A donde va uno, va la familia. Nos enseñan a ser muégano a través de la unión, el apoyo, el amor.

Coco, película de Disney y Pixar, dirigida por Lee Unkrich (Toy Story 3), nos muestra esto que les menciono pero en el contexto del Día de Muertos de México y todo lo que conlleva. Como cada año, la gente se prepara para recibir la visita de los seres queridos que han fallecido, la tradición indica que los vivos preparan un altar con todo lo que a su familiar le gustaba en vida, algún artículo, algún pasatiempo, bebidas, comidas, dulces, flores, todo decorado con papel picado pero lo más importante, con flor de cempasúchil que tiene el poder de guiar a las almas por el camino correcto rumbo a su familia, y no poderse o nunca llegar.

Esto nos muestra que aunque muertos, no olvidamos a nuestra familia, que continúe unida a través del recuerdo, su amor, su fidelidad. En Coco se proyecta el reflejo de esta tradición mexicana de una manera divertida, colorida, y entrañable. La película cuenta la aventura de Miguel, un niño que llega al mundo de los muertos por accidente precisamente el  Día de Muertos, todo por perseguir su sueño más preciado y prohibido por su familia: la música. Es imprescindible regresar al mundo de los vivos antes del amanecer, de lo contrario quedará atrapado en los esqueletos, las calaveritas y los alebrijes (guías espirituales tanto en el mundo de los vivos pero cobran fuerza en el mundo de los muertos).

Sinceramente, desde que Disney empezó a promocionar la cinta con los primeros teasers, tuve mis serias dudas. Los "gringos" y de manera internacional a los mexicanos nos tienen un concepto totalmente erróneo, culturalmente hablando, o simplemente no existimos porque no saben nada sobre nosotros nosotros. Y los que sí saben que existe un país llamado México, creen que la gente anda a caballo, con sombreros con borlas, gritando por todo, cantando flamenco, y las mujeres con peinetas altas y mantillas de encaje, como si fuéramos españoles. Nada más alejado que eso.

Para mi sorpresa, se nota una profunda y exhaustiva investigación de los mexicanos, sus usos y costumbres de la gente de pueblo, la gente de a pie, la gente común y corriente. Que aunque la manera de narrar la película está permeada de técnicas hollywoodenses, obviamente, la cinta en su generalidad se siente mexicana, ya que marcaron hasta los detalles más mínimos de la sociedad de México: "la chancla" que las mamás usan para educar a los hijos o amenazar al enemigo, la vestimenta sencilla nada florida, la camiseta de la selección mexicana de fútbol tan arraigada en la piel de los mexicanos, el físico de las abuelitas, una figura adorada en nuestra cultura: "la cabecita de algodón", chiquitas, arrugaditas, niñas por segunda ocasión; el detalle de las ofrendas, las conchas de chocolate, el mole con guajolote, las calaveritas de azúcar, el papel picado, las fotos, las flores, el panteón y el fervor con que la gente acude para visitar a sus familiares y darle las bienvenida de vuelta, aunque no los perciban, no los vean, pero que saben que sus almas están ahí junto a ellos.

Qué pena que no haya dinero en México, o mejor dicho, que las empresas grandes no apuesten por el cine en nuestro país y poder invertir en ello, lo digo porque Coco, al final te la sensación de haber visto una película mexicana y pues no, es hollywood quien vino, nos analizó y nos está diciendo "miren, así son ustedes", en lugar de que nosotros hagamos películas con calidad y técnicas mundiales y le digamos a todo el planeta "miren, así somos nosotros", pero como hay dinero en el país para este tipo de entretenimiento que bien podríamos hacerla una industria, otra vez, pues con el poco dinero que se invierte se consigue resultados como "La Leyenda de La Nahuala (2007)" "La Leyenda de La Llorona (2011)" entre otras, cintas mexicanas de animación, que se quedan en la buena idea, pero sinceramente son películas medianas.

Hace unos meses vi un meme en redes sociales donde hace alusión al punto medular de las películas de Pixar, Toy Story cuenta la historia de juguetes con sentimientos, Monsters Inc, sobre monstruos con sentimientos, Los Increíbles, sobre súper héroes con sentimientos, Bichos, insectos con sentimientos, Cars, vehículos con sentimientos, Intesamente, sentimientos con sentimientos y ahora podemos decir que Coco trata sobre muertos o esqueletos con sentimientos.

Coco, felizmente tira el estereotipo del mexicano a nivel internacional, revive las tradiciones mexicanas que entre tanta tecnología y globalización se está perdiendo. Que aunque el recordar a los muertos es una costumbre solemne, al mismo tiempo lo hacemos divertido, colorido y festivo, la película enaltece todo esto, tanto que estoy seguro que la gente alrededor del mundo le van a dar ganas de conocer México, les despertará su curiosidad por vivir de cerca esta experiencia.

Puedes ver tráiler aquí:

COCO
Dirige: Lee Unkrich, Co dirige: Adrián Molina.
Escribe: Historia original de: Lee Unkrich, Jason Katz, Mattheu Aldrich, Adrián Molina; Guión: Mattheu Aldrich, Adrián Molina
Con: (doblaje versión español): Luis Ángel González Jaramillo, Angélica Vale, Gael García.
Produce: Pixar; Disney Pictures
Estados Unidos, 2017
109 min.

BLADE RUNNER 2049

Treinta años después nuevas rebeliones de replicantes siguen vigentes, por tanto, es menester "retirarlos" a todos.

Si Blade Runner de Ridley Scott (1982) fue una cinta prácticamente una obra de arte, su secuela, no desmerece, es hermosa, es tensa, es caótica pero poética. La primera es una especie de prosa poética sobre la decadencia de la humanidad a la que vamos a llegar tarde o temprano. La 2049 también es un poema pero ahora sobre la esperanza que está prácticamente perdida, que aunque los humanos somos ya unos seres mecanizados y sumidos en sí mismos.

En esta ocasión, "K" (Ryan Goslin) es un agente policial que se dedica únicamente a retirar a una nueva generación Nexus de replicantes, aquellos seres humanos pre fabricados utilizados como obreros casi esclavos que a la postre adoptaron capacidad de decisión y se rebelaron contra el sistema. "K"descubre que aún existe un cabo suelto con el agente Deckard (Harrison Ford) quien treinta años antes huyó con Rachel (Sean Young), es preciso acabar con todo lo que tenga que ver con el agente. Así es como "K" emprende un viaje lleno de pesadumbre, limitaciones emocionales, y prohibición de las emociones.

Blade Runner 2049 es otra amalgama de música que encierra la mente del espectador, una mezcla de sonido que golpea el espíritu, una fotografía que nos introduce en el planeta asqueroso, petrificado, contaminado en todos sus aspectos, dando a entender que el alma, si es que existe, está encapsulado en lo más recóndito del hastío irremediable que reina en la humanidad.

Me abstengo de darles más detalles porque en cada minuto de la cinta arrojan información primordial para lo que viene en el siguiente es vertiginoso en este sentido. Sin embargo debo hacer una advertencia, pese a que la película es totalmente comercial, desgraciadamente no es para todo el público. Bien se dice que el arte es para todos y está al alcance de todos, Blade Runner, ambas versiones, son dos piezas de artes, y como tales la pieza está expuesta pero no son explícitas, sino implicitas, que necesariamente se debe estar dispuestos a abrir los cinco sentidos, estar dispuestos a recibir toda la información tal como está sin cuestionar, sólo ver y percibir. Blade Runner 2049 es compleja en su narrativa, ¿lenta?  no sólo eso, sino es muy visual, donde hay que comprender a cada personaje por lo que hacen más no lo que dicen, entenderlos por a lo que se dedican y los escenarios en los que se desenvuelven, más por escuchar diálogos. Son de esas cintas donde hay que ver y comprender.

Denis Villenueve, su director, pareciera que trae en su sangre esa oscuridad, ese maltrato del espíritu, esa decadencia mental, ese encimismamiento que no permite al ser humano avanzar, esa carencia de ambiciones o deseos, esa automatización de las emociones, y lo menciono porque sus cintas tiene este toque, donde el derrocamiento humano es inherente: La Mujer Que Cantaba (2010); Intriga (Prisioners, 2013); La Llegada (The Arrival, 2016).

Blade Runner 2049 es imperdible para tener el orgullo y el honor de decir "yo fui parte de la historia del cine" "fui parte de su evolución".

Clic para ver el tráiler:

BLADE RUNNER 2049
Dirige: Denis Villenueve
Escribe: Basada en la novela de Philip K. Dick "¿Los Androides sueñan con ovejas eléctricas?, Idea: Hampton Fancher, Guión: Hampton Fancher y Michael Green.
Con: Ryan Goslin, Harrison Ford, Robin Wright
Produce: 16:14 Entertainment, Alcon Entertainment, Columbia Pictures
Distribuye: Sony Pictures
Estados Unidos, Reino Unido, Canadá
Inglés, 164 min.

KINGSMAN, EL CÍRCULO DORADO

Si en Kingsman El Servicio Secreto (2015)  el punto medular es la aceptación de sí mismo, el valor para confrontar los problemas, el aprender controlar las emociones, explotar las características de sí mismo para vencer a los villanos, esto enmedio de efectos visuales y escenas de acción divertidísimas, pues en Kingsman y El Círculo Dorado (2017) únicamente se trata de derrotar al enemigo.

Les platico un poco de la historia. Poppy es una mujer que tiene un gran emporio de drogas, es experta de fabricar de todo tipo pero con gran maestría de calidad, es por ella vive autoexiliada del resto del mundo para que no puedan aprehenderla, sin embargo su mayor ambición es lograr la legalidad, para lograr esto primero necesita eliminar por completo a la organización Kingsman, quienes tienen la tecnología, la estrategia y la tecnología para derrotar a cualquier persona que atente contra la humanidad. Los dos únicos sobrevivientes son Eggsy (Taron Egerton) y Merlín (Mark Strong) es a partir de aquí donde inicia la película llena de divertidas secuencias, entretenidas, y hasta bromas que arrancan las sonrisas del público, no sin olvidar que en sí la historia por completo es llana, absurda, tonta y hasta cierto punto aburrida.

Lo que llama la atención desde la primera parte, dirigidas ambas por Matthew Vaughn, es el nivel de edición de apariencia complejidad, además de los desplazamientos de cámara, junto con los efectos visuales que dan una apariencia de un videoclip de dos horas, esto hace que atrape nuestros cerebros, aunque aceptemos que la película no va para ningún lado nuestro cerebro nos pide más, como si la película fuera una droga engañosa, nos hace adictos a ella, clavándonos en la butaca sin permitirnos levantar ni siquiera para el baño.

En días previos a su estreno, desde Estados Unidos llegaron las críticas destrozándola, castigándola: hay que recordar que la precuela era un propuesta interesante, definitivamente es un producto perfecto cinematográfica para el público adolescente: música estridente, protagonistas juveniles con problemáticas propias de la edad, hasta los personajes están dotados con ciertos rasgos aspiracionales. La historia trata casi de los mismo que una cinta de James Bond, un enemigo, conspiraciones, conquista del planeta, confrontación con gadgets modernos pero que recuerdan lo clásico. Hacían una combinación de todos estos elementos resultando una propuesta diferente e interesante.

Sin embargo, El Círculo Dorado pareciera que la dirigió o produjo Juan Osorio o Emilio Larrosa, es decir, la esencia de la primer película desapareció, reviven muertos prácticamente de la nada con tal de mantener al mismo actor, Colin Firth ¿garantía de taquilla? Por otro, desperdician actores famosos, ¿Para qué contratan a Channing Tatum si se la va a pasar en coma prácticamente toda la película? La historia se convirtió un sketch de 2 horas donde te la pasas riendo todo el tiempo, incluyendo a Elton John a quien debieron haberle pagado una cantidad estratosférica por prestarse a hacer el ridículo.Y al final tratan de poner un "twist" muy fallido con uno de los personajes, la mezcla con el ambiente vaquero estadounidense con la "estiradez" inglés. Es más, hasta la figura del presidente de los Estados Unidos, de la nación más poderosa del planeta, queda minimizado en una figura patética, babosa, lerda. Meten tantos personajes y situaciones que de pronto ya no tienen nada qué ver en sí con la película, sólo sirve para alargarla, tanto que hasta llega a un punto en el que aburre. Imploramos que lleguen al punto y acabe ¡ya!

Aunque Kingsman El Círculo Dorado es una película decepcionantemente tonta, sirve para poner el cerebro en neutral y dejarse llevar como gordo en tobogán; perfecto para aislarse de los problemas cotidianos, del estrés y las tensiones, lo que muchos consideran como "palomera". Pero para ver qué hay de nuevo en el cine, o qué propuestas nuevas nos trae, este tipo de cine no sirve, insisto, a diferencia de la primera.

Para ver el tráiler clic en:

KINGSMAN Y EL CÍRCULO DORADO.
(Kingsman: The Golden Circle)
Dirige: Mathew Voughn
Escribe: Jane Goldman, Mathew Voughn, basada en la novela gráfica de Mark Millar.
Con: Colin Firth, Julianne Moore, Taron Egerton.
Produce: 20th Century Fox, Marv Films, Shangri-La Entertainment
Distribuye: 20th Century Fox
Reino Unido, Estados Unidos
Inglés, 141 min.

LA PROMESA

El drama de la guerra trae distintas consecuencias espirituales y psicológicas, desde graves hasta trágicas. Estos dramas se manifiestan obviamente en la muerte de gente, pero no sólo eso, sino en la separación de familias, de amigos, de tribus, clanes, pueblos, amores; sin embargo, pese a esto, permanece la esperanza de volver a casa con los suyos y no volver a ver jamás la frialdad de las miradas, el odio en los corazones de la gente, cuerpos cercenados, la hambruna y el despojo de sus pertenencias sin miramientos a los pobladores.

De esto va "La Promesa"de Terry George, y película original para plataformas digitales de contenidos audiovisuales como Netflix o YouTube, todo bajo el contexto de la Primera Guerra Mundial, pero aún más concretamente en los últimos años del imperio Otomano y el genocidio armenio. Antes de entrar en materia de la película, hagamos un poco de historia para entender "La Promesa". Desde finales del siglo XIX existía el pueblo armenio dividido en dos, el oriental que le fue cedida al poser ruso, y el occidental o Armenia Otomana. Pero fue hasta inicios del siglo XX cuando el gobierno del sultán del imperio Otomano empezaba a tambalearse, fue su participación en la guerra mundial lo que terminó por debilitarlo y separarlo. Sin embargo, cuando derrocaron al sultán,los armenios esperaban que se les modificara la categoría en la que los tenían, como gente de clase B o de segunda, pero no sucedió, a cambio recibieron arrestos, supuestas deportaciones y muerte, resulta que el nuevo gobierno turco no les pareció que las tropas rusas estuvieran muy cerca de ellos física, política y militarmente.

Es así como sacaron de sus pueblos a los armenios para concentrarlos y asesinarlos, sin piedad ni remordimiento, o con alguna justificación válida, que a decir verdad no hay ninguna justificación política, legal o religiosa que valga asesinar a alguien, mucho menos a niños, ancianos, a gente inocente. Aunque el gobierno siempre justificó que ese millón y medio de civiles muertos NO fue debido a que el Estado lo autorizara o lo ejecutara, sino por algunas disputas o guerras civiles.

Esta cinta me recuerda a tantísimas otras que tratan sobre el holocausto judío durante la segunda guerra mundial en Europa, La Promesa tiene muchas aristas similares, empezando con que se suscitaron en momentos importantes, beligerantes en la historia de la humanidad, las guerras mundiales, vemos a través de la travesía del protagonista Mikael (Oscar Isaac - Ex Machina), un armenio que huye del yugo de los turcos que han tomado el gobierno, que él es testigo de los trabajos forzosos, el trato que se les da peor que animales en chiquero, los matan de hambre, los mantienen vivos en condiciones insalubres, o los transportan cual reces en camión de redilas. Otro genocidio poco documentado cinematográficamente.

Ahora les platico un poco de la película. Es una historia, protagonizado además de Oscar Isaac, por Christian Bale (Éxodo, 2014) y Charlote Le Bon (Un Viaje de Diez Metros, 2014), donde nos relata el pasaje Mikael un armenio que viaja a Constantinopla para estudiar la carrera de medicina, se previamente se compromete en matrimonio con Maral (Angela Sarafyan), regresará al terminar sus estudios para casarse con ella. Sin embargo, es ahí donde conoce a Ana (Le Bon) y de quien se va enamorando poco a poco, sin contar que ella está comprometida a su vez con un periodista estadounidense que cubre el conflicto en esa parte del mundo (Bale).

Este triángulo amoroso se va enredando y resolviendo conforme al conflicto bélico que atraviesa el país, vemos el sufrimiento del pueblo, de Mikael y del odio que el ser humano, una vez más, ejerce sobre el prójimo. Para ser sincero, La Promesa, es una cinta ligera y por tanto muy comercial, hasta da la impresión de que el guión fue adaptada de una monografía de wikipedia, la historia, aunque toma muchos elementos históricos de esa parte del planeta, se vuelve muy digerible al estar plagado de escenas nada pretenciosas, pero con diálogos explícitos e imágenes que lo explican todo. Esto me hace pensar entonces que necesitaban a dos actores renombrados y de popularidad, que se pudiera encontrar en el inconsciente colectivo: Oscar Isaac y Christian Bale, para que pudiera funcional en niveles de audiencia o número de reproducciones en streaming.

Pero fíjense que a pesar de la sencillez en producción y actuación, posee muchos momentos interesantes centrándose en el dramatismo puro, logrando capturar la atención del público con ganas de no dejar de ver lo que sigue en la historia.

Otra crítica que le hago es referente al título, "La Promesa" ¿de qué? La promesa más evidente que se realiza es la de Mikael a Maral, el de regresar para casarse, pero esa línea argumental, de varias que tiene, pasa a uno de los último planos, hay momentos en los que parece que no se volvería a tocar esa parte de Mikael, pero de ahí en fuera no hay otra promesa que se haya hecho ¿o acaso estamos hablando sobre la promesa de salir vivo a como de lugar de su propio país?

Lo que pasa es que el guión es irregular, ya que como existen partes de la película que nos mantiene al filo del asiento, hay muchos otros más en los que parece que no se concentra ninguna de las líneas que maneja:

a) La promesa de regresar con su prometida,

b) El enamoramiento y relación sentimental de Mikael con Ana la siria - francesa;

c) El triángulo amoroso, nace una rivalidad tibia entre Mikael y Chris por la atención de la dama joven,

d) La crítica o reflejo del odio del ser humano por otro ser humano que desemboca en el genocidio armenio.

La película es entretenida y recomendable, para pasar una arde agradable y tener un tema de conversación post película aunque no se logre una disertación sobre cualquier tema antes mencionado.

La Promesa, el tráiler aquí:

LA PROMESA
(The Promise)
Dirige: Terry George
Guión: Terry George, Robin Swicord.
Con: Oscar Isaac, Cristian Bale, Charlotte Le Bon
Produce: Babieka, Survival Pictures, Wnderful Films.
Distribuye: Diamonds Films
España / Estados Unidos
Inglés, Armenio, Alemán, Francés
133 min., 2017

ESO ( IT )

Debo iniciar esta reseña con una aclaración: "Eso" la película, dirigida por Andy Muschietti del 2017, no es una cinta de terror aunque así lo hayan publicitado o la hayan catalogado, simplemente no es de terror.

Les explico.

Esta es una película de aventuras pre adolescentes sin recaer en lo superfluo, en la fantasía idílica de princesas o caramelos, más bien "Eso" es una disertación sobre temas que les preocupa y obsesiona a los niños que están dejando su inocencia, es ese drama que les implica confrontar pero que no se atreven a experimentar. Por tanto esta cinta tiene su cierto grado de profundidad, sin ser moralina.

Verán, nuestro protagonista es un grupo de niños entre los 12 y 13 años de edad, son seis niños que cada uno tiene dentro de sí, miedos, frustraciones, preocupaciones que si no son atendidas pueden convertirse en paranoias, obsesiones o alguna consecuencia psicológica patológica.

1) El niño que vive con la culpa de la muerte de su hermano menor.

2) El niño que vive bajo la presión de cubrir las expectativas de su religión a través de su padre.

3) El niño que vive temeroso por adquirir cualquier tipo de enfermedad.

4) El niño que le tiene al pueblo en general en el que vive.

5) La niña que no quiere dejar de serlo por temerle a algo inminente referente a su padre.

6) El niño que le dejó marcado profundamente la muerte de su familia y la forma en cómo murieron.

7) El niño que no le teme a nada, excepto a los payasos.

Si se fijan, la película trata sobre los miedos comunes que todo ser humano puede atravesar, que en la cotidianidad podríamos ver como algo insulso, insignificante, pero si nos plantamos en los zapatos de cada niño del mundo y lo vemos desde sus ojos, estos problemas son de una magnificencia tremenda que nace del dolor y el terror a algo que si los adultos que se supone estamos para protegerlos suelen agravarse.

Conforme va avanzando la historia vamos siendo testigos de la unión firme de estos niños, el drama que atraviesan, por eso digo que es una cinta de aventuras, lo que pasa es que está aderezado con su dósis de terror lo que hace que se torne divertida pero emocionante. Todos estos miedos se materializan en forma de un payaso que aprovechándose de la imagen bonachona y afable, se convierte en un ser terrorífico, asesino.

"Eso" tiene momentos en los que juega con los elementos clichés como los silencios, las escenas oscuras, la sangre, la música de suspenso, el factor sorpresa, los efectos y efectos de sonidos, todo en su conjunto contribuye a que jueguen con nuestras mentes para sugestionarnos y nuestro corazón se acelere a mil por hora, por el miedo a que algo terrible va a suceder pero... NO, o al menos no en la magnitud que debería ser. Momentos como este suceden 7 o 9 veces las 2 horas y fracción que dura la película, si lo ven proporcionalmente, entonces no es una película de terror en realidad.

Por todo lo anterior es comprensible que muchos espectadores mencionen que no es buena o tan buena porque esperaban a que cada 5 minutos se les asustara, o que Pennywise, el payaso en sí tuviera una imagen diabólica y pues... NO.

En sí, "Eso" se hace divertida al ver a los niños confrontar a sus propios demonios, problemas o quieran llamarle, el miedo a crecer, el miedo a hacer valer su palabra, el miedo a enfrentarse a los adultos o a decir "ya basta", miedo a dar el paso a la madurez.

Puedes ver el tráiler aquí:

ESO

(It)

Dirige: Andy Muschietti

Escribe: Chase Palmer, Cary Fukunaga, Gary Dauberman, basada en la novela de Stephen King

Actores: Bill Skarsgard, Jaeden Lieberher, Sophia Lillis

Produce: New Line Cinema, KatzSmith Productions, Lin Pictures

Estados Unidos - Canadá

Inglés

135 minutos