EL ORIGEN, un viaje a tráves del sueño

Me encuentro en una ciudad colonial, medianamente poblada. Por tanto su actividad también era mediana, Caminaba debajo de un corredor cuya arquitectura se basaba en arcos benedictinos. El aire era tan fresco y mi sentir era de tanta armonía que era imposible de creer. Llego a la esquina de una de las avenidad principales, algo curioso veía, del otro lado de la avenida iniciaba una zona vanguardista, rascacielos en abundancia, cristalizados, aunque de aire limpio, espero que el semáforo me de luz verde para seguir con mi camino, en cuanto piso la otra acera, cuatro tipo a 10 metros de distancia me cierran el paso, decido cruzar la calle "toreando" los coches, cuando creo que había pasado el peligro otros tres sujetos vienen a mi encuentro con pistola en la mano, trato de regresar a la parte colonia, ya ha desaparecido, no hay otra cosa mas que continuar adelante, pero esta vez corriendo. Los tres hombre vestidos de café y gris, no dejan de perseguirme, imploro por una salida, ¡gracias!, encuentro un callejón entre un edificio y otro de 100 pisos cada uno. Entro por ahí, volteo y vienen los 7 tipos con actitud retadora, lanzándome disparos aislados; acelero el paso, el callejon se hace cada vez más estrecho, a tal grado que solo hay medio centímetro entre mi cuerpo y la pared, a Dios gracias estoy delgado y pude pasar sin contrariedad aparente. ¡Wow! El mar, tan agoviante, imponente, hermoso, y temerario. No hay nada mas que la arena, el agua, el cielo y yo. Otra vez la paz. ¡Estoy descalzo! ¿A qué hora me quité los zapatos? ¡Qué sensación tan relajante la de estar sin zapatos y tener contacto directo con la naturaleza! Camino, y lo que quedan las olas me bañan mis dedos y talones... No puedo caminar, volteo al océano, una ola gigantesca empieza a formarse y viene hacia mi, trato de correr, no puedo, alguien me toma por lo brazo para impedirme que corra, quiero mirar hacia atrás pero no puedo, son cuatro manos que aprietan mis atebrazos. La ola gigante cada vez más cerca. Un ruido estruendoso invade el ambiente, como si una tela se desgarrara, es el cielo que se abre como si se rompiera, un hojal en el cielo toma forma, unos ojos primero, todo el rostro después, ¡soy yo! que me estoy viendo desde el cielo... Esto es un sueño... La primeras cubetadas de mar caen sobre mi, y las manos aún no me dejan salir del sueño... inmóvil estoy, el aire es escaso, la ola cai encima de mi, no quiero morir... ¡Axvel!-empiezo a gritar hacia aquél rostro que me observa desde el cielo- ¡Despiértate, Axvel, estás soñando, abre los ojos por favor! ¡Despiértateeeeeee! ¡Yaaaaaa! Te quedarás atrapado por siempre en el sueño si no despiertas. Abro los ojos. Dios, sólo fue un sueño.

Ahora a ustedes, mi queridos lectores, les pregunto: ¿No les ha pasado que sueñan algo terrible y de pronto se dan cuenta que es un pesadilla, imploran por despertar? ¿O aquéllas veces en las que sueñan que se caen y depiertan con un sobre salto? O por otro lado, yo en lo personal, este que les habla, me he detenido a pensar en algo que me apasiona: el tema de los sueños, a veces analizo y reflexiono: ¿qué tal que esto que pienso que es vida, es solo un sueño, y la vida real es otra? ¡Qué interesante!

"El Origen" de Christopher Nolan (Batman, El Caballero de la Noche, 2008), trata este tema onírico. Cobb (Leonardo Di Caprio, El Aviador, 2004), es un espía que se dedica a invadir el subconciente humano, para robar ideas y manipular a la gente de esta manera. Por un error es capturado, aunque se le da la oportunidad de redimirse, trabajando para su captor y realizar lo contrario: plantar, crear, ORIGINAR una nueva idea en la mente de la víctima. todo esto a través de los sueños.

Cuando vayan a verla, se darán cuenta de lo bien escrito que está, del juego de la edición toma un papel preponderante para la trama, el suspenso a través del guión logra captar la atención de la gente durante toda la película. Está plagado de detalles NO evidentes que sirve para poder entender el final, y comprender la misión de Cobb junto son su equipo. Que por cierto, cuenta con un elenco multi estelar: Joseph Gordon-Levit (500 días con ella, 2009), Ellen Page (Nominada al Oscar por Juno, 2007), Ken Watanabe (Memorias de una Geisha, 2005), Marion Cottilard (Ganadora al Oscar por La Vie en Rose, 2007), Cillian Murphy (Desayuno en Plutón, 2005), Michael Caine, (Alfie, 1966, Batman el Caballero de la Noche 2008).

Por otro lado, es tan refrescante ver películas de acción cuyos efectos son ESPECIALES, mas no VISUALES, las explosiones, las persecusiones, espejos, etc, Pero hay un efecto especial que merece una mención especial: Arthur, (Gordon-Levit), es confrontado por una proyección es golpeado, golpea, persigue y es perseguido, un pasillo de hotel que gira 360°. Aquí podrán apreciar lo espléndidamente coreografeada que está, la colocación de las cámaras lo hace ver como si no tuviera errores, la iluminación, juegos de luces y sombras hacen que también nos sintamos dentro de ese set giratorio.

Los diálogos le dan una consistencia muy especial al tema de los sueños, interpretando, y explicándonos el desarrollo y funcionamiento de la vida onírica. Sus sensaciones, sus orígenes, el juego y traición del subconsciente.

En fin, para mí, esta se convierte en la película, en la GRANDE del verano 2010. Independientemente las cintas animadas, esta cumple con todos los requisitos para permanecer como una de las mejores de toda la historia del cine, por actuaciones, por el tema, por el guión, el tratamiento, los efectos, parlamentos, dirección.

EL ORIGEN
(INCEPTION)
Dir. y Escribe: Christopher Nolan
Con: Leonardo Di Caprio, Joseph Gordon-Levit, Ellen Page
USA, 2010
148 min.

Tres Películas por Uno

Desde Toy Story 3 hasta "Fuego" de Guillermo Arriaga han sucedido tantas cosas personales gratificantes que me han servido para seguir disfrutando del séptimo arte, como sabe mis queridos lectores, es mi pasión. Desafortunadamente no es así en la cartelera cinematográfica. Algo muy curioso, el verano 2010 ha sido como la copa mundial de Sudáfrica, sin emociones, con la expectativa del público muy por debajo de lo que han sido otros años. Pero aún así quiero platicarles de tres películas.

SHREK, CAPÍTULO FINAL.

Un duende maligno estuvo a punto de apoderarse del reino "Muy muy lejano" pero un ogro llamado Shrek tuvo a mal rescatar a la princesa Fiona, acción que le valió al duende quedarse sin su objetivo deseado. Por tanto una forma de vengarse es vertir sobre el amigo verde un maleficio el cual consiste en "qué hubiera pasado si nuestro héroe jamás hubiera existido'".

Lamentablemente ya no hay forma de cómo seguir explotando esta franquicia. La historia pasó de ser un cuento parodia de hadas, llena de irreverencias, gags, cosas mágicas y entreñables, a una historia de aventuras a la usanza de Indiana Jones, Conan el Bárbaro, dirigido a un público netamente adolescente, ya no es para toda la familia. Y la prueba está en que los niños no la aguantan, o los padres de familia se aburren.

Cabe recalcar que la tecnología nos hace apreciar los detalles más mínimos en la textura de cada personaje, o paisajes y escenarios más reales. Pero lo que pesa más debe ser el guión, éste no está tan bien escrito como lo debiera, tiene su moraleja, es entretenida, pero ¿dónde están esos personajes que enriquecieron a las dos primeras partes? Puedo nombrar a varios, concretamente... el burro y el gato, terminaron por ser intrascendentales, ni la obesidad del gato sirve para darle un verdadero peso a la historia. Si no lo hubieran incluido no hubiera pasado nada, ni al burro siquiera.

Hoy en día muchos poseemos muchas cosas y personas en nuestra vida que a lo mejor no valoramos, tanto que fortalecen nuestro que hacer diario y nosotros ni siquiera volteamos al cielo a agradecerlo. A shrek le pasó lo mismo, y tuvo que perderlo todo para valorarlo. Esa es toda la historia, así que no es necesario, ni sus amigos, ni su esposa ni su pantano, para darle esa lección entonces si no hubieran aparecido ni siquiera esos segundos en los que aparecen, no pasaría nada.

ENCUENTRO EXPLOSIVO.

Qué hermoso cuando menos te lo esperas, en la calle, en el trabajo, el cine, en el metro, en el avión, entablas conversación con un completo desconocido, alguien carismático, seductor o seductora, alguien tan amable y atractivo. Wow, la ilusión de muchos y muchas, encontrar a alguién así y tener la esperanza de poder formar una vida con ese alguién.

June, el personaje de Cameron Díaz le pasó lo mismo cuando al abordar un avión para ir a la boda de su hermana, conocer a Roy (Tom Cruise), queda prendada de él. Nada que no se imagina es que ese hombre la utiliza con fines de espionaje, ya que hay dos grupos, persiguiéndolo, el gobierno de USA y la mafia española. Sin proponérselo de ninguna manera, June se involucra cada vez más en la causa de Roy, por tanto se convierte también en fugitiva.

Es una entretenida historia de aventuras, plagada de efectos especiales, paisajes internacionales, escenas de persecución, y mucha, mucha comedia. Claro, como lo digo, es entretenida pero para verla una tarde de domingo en el canal 5 o 7. No para pagar un boleto de cine, que de por sí tan caros que están y luego pagar para algo así, la verdad no lo recomiendo en lo absoluto. Si pueden evitarla, qué mejor. No vale la pena. Si quieren pasar un domingo encerrados en su casa y verla con una bandeja llena de palomitas, así sí.

Tom Cruise, se ve ya pesado, viejo, para este tipo de tramas, Cameron, como siempre, fresca, jovial, simpática, lo rescatable son las buenas intenciones del guionista Patrick O'neal, de crear una simpática, cómica película de acción, pero solo se queda en eso, en intenciones.

FUEGO

Una historia telenovelera llevada al celuloide. Se nota que Guillermo Arriaga, como Patrick O'neal (guionista de Encuentro Explosivo), también tiene buenas intenciones de escribir una gran historia impactante, con finales inesperados, gran elenco y gran manufactura.

Toda familia, en la vida real, posee un seccreto que solo ella misma lo conoce, los vecinos, los parientes, los amigos no. Hay veces que entre más dolor tengamos, más inmune a sentirlo. ¿No les ha pasado que cuando nos sentimos culpables por algo, hayamos sido directa o indirectamente causantes de los problemas, a lo largo de nuestra vida los vamos arrastrando sin poder avanzar en nuestros planes? Aunque peor todavía, cuando nos sentimos culpables por haber hecho daño a los que queremos, la autoflagelación es la mejor vía que encontramos para expiar nuestros pecados.

Guillermo Arriaga se estrena como director de su propio guión. The Burnin Plains o fuego, trata de todos esos pensamientos negativos, esas emociones inmundas que traemos desde la infancia y que nos van quemando el alma, como si vivieramos en un infierno, y que solo enfrentando nuestros errores del pasado podemos resarcir todo.

Suena interesante la trama, y lo es, pero por alguna extraña razón, Arriga tiene una obsesión con las historia entrelazadas, con las vidas de personajes que no tienen que ver uno con otro, pero un suceso los une para siempre. Suena familiar, ¿verdad? Amores Perros, 21 gramos, Babel. Lo que opino, y este es un mensaje para Arriaga: no es necesario enredar las historias  para darle toque dramático, único, artístico, a las películas, para provocar la expectación del público. Si lo que querías es que nosotros nos fueramos formando nuestras propias conclusiones a lo largo de lo que íbamos viendo, tan simple como darnos flashbacks, o contarla desde el punto de vista de los adultos (Kim Basinger) o contarla desde el punto de vista de la joven adulto (Charlize Theron), mas nos desde el punto de vista de las tres mujeres, y enredarlas y viajar en el espacio y ... bueno. Bien dice un dicho: lo sencillo es lo más elegante, en este caso es lo más eficiente para el cine.

Como veran sí he ido al cine, y hasta hoy he tenido la oportunidad de poder compartir mis apreciaciones. ¿Cuál es la próxima? Les aseguro que El Origen, con Leonardo Dicaprio y dirigida por Christopher Nolan, una cinta de guión inteligente en extremo, efectos visuales que marcan nuevos avances cinematográficos, elenco estelar, y dirigidos por uno de los ya considerados como mejores cineastas del siglo XXI. Ya se las contaré en la próxima.

FICHAS
Shrek, Capítulo Final
Dir. Mike Mitchell
Guión: Josh Klausner
Voces: Mike Myers, Cameron Diaz, Eddie Murphy
USA
93 min.
2010

Encuentro Explosivo
(Knight and Day)
Dir. James Mangold
Guión: Patrick O'neal
Con: Tom Cruise, Cameron Diaz
USA
103 min
2010

Fuego
(The Burnin Plain)
Dir. y Guión Guillermo Arriaga
Con: Charlize Theron y Kim Basinger
USA
119 min
2010

TOY STORY 3

Los que han visto las precuelas de Toy Story 3 podrán considerar que esta última es la mejor de la saga. Y lo que no están muy familiarizados con el tema no importa, porque Toy Story 3 es una película entrañable por el sentir de cada personaje, nostálgica ya que por mucha o poca infancia que hayamos tenido, todos en algún momento dado tuvimos al menos un juguete, ¿y dónde quedaron todos esos momentos de convivencia con nuestros juguetes, donde imperaba la imaginación y la inocencia que algún día tuvimos?

Podría parecer que después de dos historias sería difícil escribir una tercera, que mantuviera el mismo ritmo contundente, divertido y sustancioso. Tal vez sí fue difícil echar a volar la imaginación de los escritores, pero lo lograron.

Los muñequitos de Andy sufren de nueva cuenta crisis de identidad porque ellos mismo saben que fueron creados para divertir a sus dueños, para que jueguen con ellos, y la única forma de sentirse vivos, es que no los dejen en el olvido o en un bote de basura, que los quieran, que los cuiden como a un amigo, un compañero de vida. Pero Andy ya es casi un adulto, está a punto de ingresar a la universidad y como es lógico ya no juega con juguetes, pero tampoco quiere desecharlos qué mejor que seguirlos conservando al menos en el ático; pero por error, todos los amigos, que se consideran una familia desde hace más de 15 años (Woody, Buzz, Jessie, Tiro al Blanco, Los señores cara de papa, Stinky, Ham, Rex, Los marcianitos de pizza planeta, junto con Barbie) van a parar a una guardería donde todos menos el vaquero encuentran una nueva razón para seguir existiendo, puesto al haber niños significaría que seguirían jugando y llevando alegría. Sin embargo, nunca se imaginan que en ese lugar se toparían con tantos y nuevos juguetes, como Lotzo un oso de felpa no tan cariñoso, Bebote un bebé de juguete tierno pero de gran fuerza, o un metrosexual vanidoso Ken quien queda prendado de la rubia curvilínea en el primer instante que la ve. Y es así como emprenden nuevas aventuras para poder encontrarse a sí mismos, o fijar su estancia ahí, o planear el regreso con su dueño original quien aparentemente ya no los quiere.

Lee Unkrich también director de cintas animadas de gran éxito como Toy Story 2, Buscando a Nemo o Cars, le implementa a los juguetes gran humanización aún más que en sus primeras partes, y lo podrán constatar en varias escenas en las cuales se quedaran grabadas en nuestra mente. Una de las cosas que pienso de la vida, es por más adultos o maduros que seamos, formemos una familia o un hogar con quien deseemos, jamás permitamos perder la dulzura, la ternura, la imaginación de cuando niños. La vida es más ligera y mejor si le ponemos estos ingredientes a nuestros caminos. Esa es la lección que nos dejan Woody y sus amigos.

La tecnología implementada para la realización de esta cinta es tal, que ya se pueden apreciar detalles, aunque mínimos pero importantes para el realce de cada escena, por ejemplo quién diría que Lotso, el Oso cariñoso, con ese pelaje, tan suavecito y pachon tuviera esas actitudes ante la vida, o qué decir del cabello de Andy, se puede apreciar cada uno de los cabellos, como si fuera real. O el hecho de dotarles expresiones a los juguetes para que conjugaran emociones como angustia, tristeza, resignación, valentía, todo al mismo tiempo y en una misma expresión, como lo hacen en esa escena clave de la historia, tan bien producida, en la cual todos se toman de sus manitas; bien producida porque es el dramatismo puro, que sin diálogos, iluminación correcta, la música adecuada, el diseño de los juguetes, sus gestos, la colocación de cada uno de ellos, todo tan bien escrito que obligan al corazón del público resquebrajarse y llorar aunque uno así no lo quiera.

Bueno, a final de cuentas es una cinta infantil, y el punto es divertir a los niños, por tanto, es hilarante, uno como adulto podemos divertirnos tanto como los peques, hay muchas bromas y chistes, pero no gratuitos, tienen su razón de ser, las anécdotas chuscas son lo que nutren la película.

Toy Story 3 ya la han catalogado como la mejor película de las tres, inclusive desde los números, de asistencia y recaudado en México, Estados Unidos y en el mundo; sin embargo la opinión que vale es la de los mejores expertos y críticos que puede haber: el público común y corriente; por todos sus elementos, la historia, los nuevos personajes, las risas y el llanto, el suspenso y la diversión. Y como todo cuento su moraleja: cualquier obstáculo que haya en la vida, cualquiera que sean nuestros defectos, cualquier palabra que emane de nuestra boca: un verdadero amigo está para nosotros siempre.

TOY STORY 3

DIR. LEE UNKRICH

GUIÓN: MICHAEL ARNDT, JOHN LASSETER, ANDREW STATON, LEE UNKRICH

DISNEY PRODUCCIONES Y PIXAR ANIMATION STUDIOS

VOCES INGLES: TOM HANKS, TIM ALLEN, JOAN CUSACK, MICHAEL KEATON

VOCES EN ESPAÑOL: ARTURO MERCADO JR., IRAN CASTILLO, DANA GARCIA, ERIKA DE LA VEGA, MIKE AMIGORENA, CRISTIAN DE LA FUENTE.

E.U.A., 2010

108 MIN.

El Secreto de sus Ojos

Es una buena racha para el cine latino en las salas del país. Lamentablemente puede más el poderío de las exhibidoras que el gusto del público y se proyectan con pocas copias en pocos horarios. Y una excelente película que no puedo dejar pasar la oportunidad de reseñarla. El Secreto de sus Ojos.

¿De qué trata? Benjamin Esposito (Ricardo Darín, El Hijo de la Novia, 2001), es un abogado retirado que trabajaba en tribunales de Argentina, en el área en el cual se procesan los casos difíciles, como el de un asesinato de una chica violada, y torturada, acaecido en 1974, ahora, 25 años después Esposito decide ser escritor, redactar su primera novela. ¿Qué narrar? Haciendo memoria, toma aquél caso del ’74 y novelarlo.

¿Pero porqué tratar sobre este asesinato precisamente? De hecho este es el punto medular de la historia, saber qué elementos son los que le marcaron en lo más profundo, tanto como para plasmarlo en papel 25 años después. Mientras que va escribiendo, va recordando los momentos más memorables para él. El primer y único amor, su mejor amigo y compañero, el descubrimiento del asesino. Es una historia policiaca y suspenso que sirve de inteligente pretexto para descubrir lo que cada ser humano es capaz de encerrar en sí mismo pero incapaz de ocultar a través de la mirada.

Esta película ganó el Oscar 2010 a mejor película extranjera no por el argumento solamente, sino también por todos los elementos que reunió Juan José Campanella (director de El Hijo de la Novia, y de algunos episodios de La Ley el Orden “Intento Criminal” y “Unidad de Víctimas Especiales”) como son el maquillaje, el vestuario, pero mucho más significativa para el sentido que le quería dar, la fotografía.

Estos tres elementos son los que el público puede identificar más fácilmente, en esta ocasión podrán apreciar que son magníficos, pero la fotografía es lo que más vale la pena. El título es El Secreto de sus Ojos, y como tal, la película está plagada de close ups , la iluminación es tal que dentro de esos encuadres lo que más llama la atención son los ojos de todos los personajes o al menos de los que juegan papel preponderante dentro de la trama. Entonces, el trabajo de los actores es genial porque con su propio rostro, sus gesticulaciones, y su mirada, deben transmitir muchísimas emociones, pensamientos y actitudes.

Como se los mencioné en la reseña de “Abel”, el cine es contar una historia mediante imágenes, sin necesidad de dejar el peso de las escenas a los diálogos; pues en El Secreto de sus Ojos pasa lo mismo. Mediante la fotografía se capturan los momentos decisivos de la historia a través de acercamientos a los rostros, en los cuales los personajes se quedan en silencio, mirándose, lo único que vemos en pantalla son su piel, sus labios, sus ojos que denotan mucha información: el trato de la vida, si son tiernos, prepotentes, aguerridos, o simplemente el paso del tiempo; éste es otro punto importante y creíble, el maquillaje es excelente porque las arrugas, la canosidad, el porte, la piel gastada, las manchas sobre ella, se ven naturales, no parecen falsas, es como si en realidad si hubiera pasado el tiempo por los actores; y es más sorprendente y notorio porque estamos en una escena sucitada en el ’74 corte a, la siguiente son los mismos personajes 25 años después corte a, regresamos al ’74, por tanto podemos ir comprobando que en realidad sí estamos viajando en el tiempo. Todo esto sin mencionar otro elemento, el vestuario, su diseño es acorde a la época, claro, pero les hace ver verdaderamente delgados en su juventud, o robustos en su madurez.

Estos y otros elementos como el guión y la edición hacen que sea una verdadera joya del cine argentino. Con gran calidad en todos los rubros. ¿Y todo para qué? Para contar una historia sobre todo aquello que pudimos hacer y nunca nos atrevimos, tuvimos la oportunidad y no las tomamos, sin embargo, nunca es demasiado tarde para remediarlo.

El Secreto de sus Ojos, es una magnífica película comercial pero opacada con las grandes súper producciones en cartelera. Es una historia donde el odio, el amor, el rencor y el perdón son imposibles de pronunciar en un mismo enunciado y mucho menos de dejar en el olvido como un secreto que solo nuestros ojos son capaces de delatar.



EL SECRETO DE SUS OJOS

DIR. JUAN JOSÉ CAMPANELLA

GUIÓN: JUAN JOSÉ CAMPANELLA BASADA EN UNA NOVELA DE EDUARDO SACHERI

100 BARES PRODUCCIONES

CON: RICARDO DARÍN, SOLEDAD VILLAMIL Y GUILLERMO FRANCELLA

ARGENTINA, 2009

127 MIN.

ABEL

Ahora que se han autorizado más de 40 copias, agregadas a las 60 con las que estrenó el pasado 28 de mayo, gracias a la aceptación del público, la película Abel ahora podrá ser vista en más cines de la ciudad de México e interior de la república.

*Cortesía Cinemex

La trama es sencilla pero cautivadora. Se centra en Aguascalientes, donde vive un niño llamado Abel. Él es un niño de 10 años aproximadamente. Está enfermo, psiquiátricamente hablando, al parecer padece de un nivel severo de autismo. Tan grave se encuentra que el médico de la región recomienda internarlo en un hospital del Distrito Federal. Su madre argumenta que la única forma de que Abel se recupere es estando con su familia y nada más.

Abel, mentalmente encerrado en sí mismo, se percata a través de varias circunstancias, la ausencia de un padre, de un jefe de familia, por tanto decide por fin exteriorizarse para adoptar el papel del padre de sus hermanos, y el marido de su propia madre. Como buen jefe de familia, Abel por su corta edad, por la inocencia que cualquier niño evocaría, actúa como tal: supervisa la tarea de sus hermanos, da el visto bueno al novio de su hermana mayor Selene (Geraldine Alejandra, Terminales –Serie TV-) exige la comida como esposo, escucha los problemas de todos, y da solución a los problemas bajo la percepción y capacidad que un niño posee. Toda la familia se ve unida por el simple hecho de apoyar la recuperación de la salud de Abel. Todo ocurre con singular armonía y peculiar alegría, hasta que llega a la casa una persona que desestabiliza la tranquilidad aparente que se respira.

En la cinta uno puede reír mucho, adorar a cada personaje, llevarse algunos corajes por las acciones de los adultos, pero sobre todo una grata reflexión sobre el abandono desde varias vertientes; el aislamiento profundo de sí mismo sobre la realidad circundante; el abandono de la misma familia, o de algún ser querido. Abel, Nos muestra la tristeza, la melancolía, el dolor, el problema de las decepciones fuertes, el aceptar que a veces es mejor estar solos y abandonados que mal acompañados. Es una película donde el alma de Abel está extremadamente dañada.

Un gran aplauso para Diego Luna que ha demostrado su talento como director de largometraje de ficción. Ya que recordemos que aunque no es su ópera prima (puesto que dirigió el documental sobre Julio César Chávez), sí lo es en el sentido de tratarse de un trabajo en el cual tiene que ver con la coordinación y elección de muchos elementos cinematográficos, como son las locaciones, el diseño de producción, el vestuario, la dirección de los actores, elección del elenco, el guión y demás todo para contar una historia de ficción.

Bravo porque Luna respeta el significado del cine: contar o narrar una historia a través de imágenes. Es decir, sin necesidad de diálogos, risas, gritos, y algún otro sonido humano, solamente con imágenes donde los personajes dan muestra de sus gesticulaciones, sus miradas para así adivinar cada pensamiento, cada sentimiento, vemos su entorno y vemos qué clase de personas son, su personalidad, sus gustos, su condición económica, intelectual, su forma de vivir. Y esta película lleva muy bien esta narrativa, no digo que la película sea silente, es como cualquier otra, a lo que me refiero es que el cine NO debe apoyarse enteramente en los diálogos que muchas veces pueden ser redundantes ante lo que estamos viendo en pantalla.

Bravo por la cinta porque vemos a actores como una Karina Gidi (Cecilia) o un José María Yazpik (Anselmo) disfrutar de sus propios personajes, de sus defectos y virtudes. Lo hacen con tanta naturalidad que es fácil acogerlos o despreciarlos según sea el caso y las situaciones en las que se encuentran. Bravo por los niños Christopher Ruiz-Esparza y Gerardo Ruiz-Esparza que con su carisma, ternura, gracia, e inteligencia hacen de sus personajes entrañables. Felicidades por el guión que de una situación tan simple en apariencia, explotándola vehementemente puede ser tan compleja como profunda es la vida. Felicidades otra vez a Diego Luna por darnos una película mexicana como pocas hoy en día, así sí da gusto apoyar al cine mexicano, con trabajos tan bien producidos como este.

Abel, una historia de inocencia y amor vista desde lo más profundo del corazón de la infancia.

ABEL


DIR. DIEGO LUNA


GUION: DIEGO LUNA


CANANA FILMS


CON: KARINA GIDI, JOSE MARIA YAZPIK, CHRISTOPHER RUIZ-ESPARZA


MEXICO, 2010


80 MIN

EL TRAILER, DENLE PLAY:

LAS APARICIO (MENCIÓN ESPECIAL)

Desde el primer día de la carrera universitaria entendí, comprendí y aprendí que la sociedad, como el hombre, evoluciona absolutamente en todos los sentidos y aspectos. Su evolución es respuesta a todos esos cambios económicos, antropológicos, religiosos, políticos, físicos, culturales.


Como todo proceso evolutivo debe haber trabajos de adaptación. La ley de la supervivencia dice que el más fuerte es el que permanece, o mejor dicho, no es el más fuerte sino el que logra adaptarse al ambiente actual. La fuerza de la evolución es tan vertiginosa, tan violenta, tan agresiva, tan caótica que a muchos les puede asustar y optar por una actitud ofensiva.

El planeta está cambiando y no significa que explotará, que se destruirá. El hecho de pensar en el cambio del planeta puede aterrar, pero si nos informamos, comprendemos y entendemos, podemos poseer otra visión de la naturaleza, abriremos nuestra mente y el miedo desaparecerá.

La sociedad no es estática, siempre está en constante movimiento y con ello pasando por cambios. Y por consiguiente existe muchísima, miles, cientos de miles de personas que le tienen pavor a esos cambios. Esto también es parte del proceso de adaptación; el choque de pensamientos, opiniones y personalidades. Con ello puede traer dolor, sufrimiento, éxitos, gozos hasta enfrentarse a sí mismos. Son barreras que impiden su paso, siendo su objetivo destruirlas para alcanzar su meta: EVOLUCIONAR.

Opino que todas las personas, en cualquier ámbito, desde un círculo de amigos, pasando por la base de la sociedad: LA FAMILIA, hasta las grandes esferas políticas, morales o religiosas, deben entender, comprender y aprender todo aquello que se encuentra a su alrededor para poder vivir un mundo moderno de pensamiento, armonioso, equilibrado y pacífico, para crecer como pueblo de manera rápida, de primer nivel, eficaz y eficiente.

Algo curioso, en una sociedad mexicana aún cerrada de pensamiento, machista por elección, sumisa por convicción, doble moralista por comprensión, se está transmitiendo un programa de televisión que toca exactamente lo que acabo de decirles en párrafos anteriores.

LAS APARICIO viene a ejemplificar lo que las personas en México desde su individualidad pero en conjunto, es decir, la sociedad, está ávida, está urgida en este siglo XXI. No estoy hablando de que cada quien haga y diga lo que se le pegue en gana, imagínense nos iríamos al mismísimo infierno social, que de por sí.

Me refiero a que en esta serie de TV novelada, están tocando cada uno de los aspectos que actualmente nos provoca comezón en las partes pudendas tan solo de mencionarlas. La sociedad está urgida de decir las cosas por su nombre; estamos urgidos de hablarles con verdad y de frente a los hijos; estamos urgidos de ser padres abiertos y respetuosos de las decisiones de los hijos; nos urge ser gente que confronta y enfrenta en nuestros trabajos para hacer valer nuestras sugerencias y opiniones; nos urge admitir que las familias NO únicamente son papá, mamá e hijos, sino las familias son abuelos y nietos; tíos y abuelos; primos y sobrinos; padres e hijos de vecinos, etc.; pero también nos urge respeto entre todos nosotros; respeto a lo que es distinto; aceptación a lo que es diferente; nos urge comprender a los que tachamos de moralistas, pero también nos urge comprender a los que tildamos de liberales; nos urge mujeres valientes, pero tiernas; nos urge hombres tiernos pero valientes.

ESTAMOS URGIDOS DE TANTAS COSAS, PERO EL COLMO, NO ACEPTAMOS QUE QUEREMOS TODO ESO Y MÁS PORQUE NOS DA MIEDO EL CAMBIO, LO DESCONOCIDO, NOS DA MIEDO QUE NOS PUEDA PERJUDICAR DE ALGUNA MANERA, QUE NOS DISCRIMINEN Y AISLEN POR PENSAR DISTINTO A UNA MANERA QUE HA PREVALECIDO POR SIGLOS Y QUE YA ES OBSOLETA.

Vean el siguiente fragmento, se darán cuenta que cada escena y cada diálogo son sencillos, pero contienen profundidad en cada palabra, mirada, entonación.



Pero si no lo aceptamos que queremos todo esto y más, nunca le daremos paso a la información porque no somos capaces de escuchar el sentir de los demás. Y si no nos informamos seremos unos ignorantes toda la vida creciendo y caminando con prejuicios sin fundamentos.

¿Quién dice que una madre soltera no puede hacer todo? ¿Quién dice que los abuelos no pueden comprender el mundo moderno y respetar a su propia familia? ¿Quién dice que todas las mujeres son unas prostitutas menos mi mamá, mis hermanas y mi esposa? ¿Quién dice que ser moral es retrógrado? ¿Quién dice que querer llegar virgen al matrimonio es obsoleto?

No nos llenemos de prejuicios y argumentos tontos. No nos inclinemos ni al lado conservador de la balanza ni al liberal. Mejor, como adultos, detengámonos a reflexionar, qué es lo que le hace ser feliz y vivir en paz al que tengo a lado, entenderlo y si no me perjudica adelante. Si quieres mantener tu forma de pensar conservadora: ADELANTE TE RESPETO, no me condenes, no me juzgues, que yo sabré hacer mi vida de la mejor manera; pero si decides en la necesidad de buscar el cambio con tu pensamiento tan liberal: ADELANTE TE RESPETO, pero tampoco me impongas una forma de opinar con la cual no comulgo, déjame como estoy así moriré en paz y feliz.

Sorprendentemente LAS APARICIO, es un programa que ejemplifica de manera acertada, eficaz, puntual, muchos de los cambios por los cuales México está atravesando antropológicamente hablando: la figura de la familia, la lucha de la mujer en un mundo competido por hombres, la exploración sexual de la mujer, la prostitución masculina, el conservadurismo latente dentro del núcleo familiar, algunas vertientes de la homosexualidad y sus implicaciones, entre otros muchos temas actuales.

O en este otro clip, podemos ver que la lucha dentro de la familia es igual que en cualquier otra, sin embargo es importante hacer notar que aunque hay desacuerdos e inconformidades puede haber un paso mediano al respeto.



En fin LAS APARICIO es un buen ejercicio televisivo que nos muestra una parte de la historia que estamos escribiendo como pueblo, como individuos, como entes pensantes en constante movimiento, en constante EVOLUCION.

Yo sé que tú puedes opinar distinto a mí. Si es así exprésalo. Sería una manera civilizada de llegar a acuerdos y comuniones. Es difícil pero no imposible.

LAS APARICIO
Telenovela
Produce. Argos Comunicación
Para Cadena 3
Productores Grales. Carlos Payan y Epigmenio Ibarra
Dir. Moises Ortiz Urquidi
Original de: Leticia López Margalli y Verónica Bellver
Con: Plutarco Haza, Gabriela de la Garza y Liz Gallardo
México 2010

CHEF A LA CARTA

¿Quién diría que el mundo cambiaría tanto en tan poco tiempo verdad? Es decir, quién iba a pensar que los homosexuales podrían casarse, o tener hijos, cuidarlos, educarlos, abiertamente. Aunque parte de la población aún rechaza esta idea, pero este es otro tema. El punto es que a partir del viernes 23 de abril se estrena en México una película española, muy divertida por cierto, con la participación de Javier Cámara (La Mala Educación, Hable con Ella), Lola Dueñas (Mar Adentro, Volver) entre otros; y precisamente uno de los temas centrales es la relación entre un padre homosexual y sus hijos.

Maxi, (Javier Cámara) es dueño de un restaurante de platillos selectos, comida gourmet. Su máximo anhelo es conseguir la estrella Michelin, un reconocimiento que se le hace a los mejores lugares de comida según la crítica. Es tal su obsesión que podría vender su alma al diablo. Pese a ser “una loquita neurótica compulsiva” que ni su propios empleados lo aguantan –aunque lo aprecian- , todo va bien, todo es cotidiano, hasta que llega a un punto en su vida que se vuelve un caos.

Su mejor amiga y anfitriona del restaurante, Alex (Lola Dueñas) está desesperadamente decepcionada de los hombres, y jura dedicarse sólo a ella misma. Sin embargo, flaquea en el primer instante en que conoce a Horacio (Benjamin Vicuña), argentino, futbolista profesional, buen mozo, nuevo vecino de condominio de Maxi; así que descaradamente se le lanza, pero ¡Oh problema! A Horacio quien le gusta es Maxi, quien por su puesto le corresponde. Por tanto el amigo restaurantero tendrá que ocultar sus sentimientos por su vecino ante Alex, para que ésta no crea que se trata de una traición por “bajarle” al galán.

Y por si fuera esto poco, Maxi tiene que lidiar con la llegada de dos seres que no esperaba nunca; no imaginó que su vida se revolviera tanto en tan poco tiempo, y menos con la llegada de sus dos hijos. Así es, Maxi en su juventud, cuando aún no se asumía gay, estuvo casado y procreó dos hijos, a los cuales abandonó y desentendió al aceptarse a sí mismo. Pero a la muerte de la madre, los niños llegaron a vivir con él. Ahora entonces ¿cómo podría criar a un adolescente que todo le molesta todo le enfada y peor, odia que su padre sea un “marica”, un amanerado? ¿Cómo acercarse a su pequeña hija de manera tierna, como el hecho de platicar con ella, o leerle un libro las noches, si ni siquiera tiene la vocación de padre? Pues Maxi tendrá que serlo porque a final de cuentas son sus hijos.

Chef a la carta dirigida por Nacho G. Velilla (productor y director de la serie de TV Aída) tiene ese preciso toque humorístico que le caracteriza a Velilla, un humor festivo, con toque sarcástico y directo, esto sin dejar de lado los puntos medulares y de trasfondo de sus trabajos. En este caso, Chef a la Carta es una cinta que plantea de manera chusca el papel homoparental de un homosexual, el homosexual como hombre productivo y trabajador, y el homosexual que a final de cuentas es una persona como cualquier otro.



CHEF A LA CARTA

(FUERA DE CARTA)

DIR. NACHO G. VELILLA

CON: JAVIER CAMARA, LOLA DUEÑAS, FERNANDO TEJERO, BENJAMIN VICUÑA, LUIS VARELA, CHUS LAMPREAVE

ESPAÑA

2008

112 MIN.

FURIA DE TITANES

Un semi Dios que se niega a serlo, pegaso negro, escorpiones gigantes, brujas invidentes, monstruo colosal, una ciudad condenada a su destrucción, dioses mitológicos que hacen recordar a los caballeros del zodiaco, un derroche de acción y aventura. Todo esto y mucha más emoción podrán encontrar en la nueva cinta de Louis Leterrier, Furia de Titanes.

Cuenta la leyenda que Zeus, padre de todos los dioses, creador de la tierra, con debilidades como los humanos, quien gusta de disfrazarse para seducir a bellas doncellas terrenales. En una oportunidad fornicó con la reina y esposa de Calibos, quien al descubrirlos la condenó a muerte y a su bastardo, Perseo, mitad humano, mitad Dios, quien está destinado a enfrentarse a la furia de los dioses. Para hacerlo, tendrá que sortear una serie de obstáculos y trampas puestas por su propio padre junto con Hades, dios del inframundo.

Furia de Titanes 2010 es un remake de la original realizada en 1981; pero como dato importante no es tan remake, porque Leterrier hizo en esta ocasión lo mismo que en Hulk 2008; en aquella ocasión Universal Pictures le encomendó volver hacer Hulk que había sido protagonizado por Eric Bana del 2003 por distintas razones, la que más se manejó fue que ésta no había resultado ser lo que los productores y público esperaba, parecía más una parodia del hombre verde que una película de acción, por una edición rebuscada, una escenografía de cartón, efectos chafas. Entonces Leterrier lo que hizo fue filmar su propia versión de Hulk, como si jamás hubiera existido la de cinco años antes, el resultado: gran aceptación reflejada en taquilla, excelente película de un cómic, muy buenos efectos visuales y especiales.

A lo que voy es que para Furia de Titanes Leterrier hizo lo mismo que con Hulk; hizo caso omiso de la versión de 1981 y no hablo de los efectos, porque por sentido común son mucho mejores hoy en día. Más bien tomó el mismo argumento, pero no siguió ni la esencia, ni la línea de hechos de la primera. Eliminó muchos elementos como el entrañable búho metálico guardián de Perseo, el pegaso, corcel de Perseo, no es blanco; cambió la esencia de los dioses y de los mortales, Perseo es orgulloso, soberbio, resultado de su sufrimiento, el de hace casi 30 años era noble, emocional, sentimental; el peso cae en Hades y Zeus, el de 1981 eran varios dioses quienes jugaban un papel preponderante en la travesía de Perseo, en fin, Leterrier decidió re inventar muy a su estilo su versión de Furia de Titanes, ¿el resultado? Cinta divertida, entretenida llena de acción.

Furia de Titanes 2010 no es una historia para reflexionar sobre algún tipo de filosofía, no es una cinta para corroborar la veracidad de la mitología griega, no es una película para exigir actuaciones excelsas, o para hacer comparaciones con la de 1981. En definitiva es una cinta para sentarse ante la pantalla y dejarse llevar. Son de esas películas que, si ya viste todas las que están en cartelera o no te llama la atención ninguna, te metes a verla por omisión, sales sin culpas ni arrepentimientos de pagar un boleto porque simplemente te divirtió, y lo hace bien, con buenos efectos, con una propuesta jovial, con un guión bien escrito y coherente consigo mismo.

Como dirían por ahí, Furia de Titanes es una muy buena película para ponerse en “neutral y dejarse llevar”, o como digo yo: esta película es para ponerse” flojito y cooperando”.

FURIA DE TITATES

(CLASH OF TITANS)

DIR. LOUIS LETERRIER

CON: SAM WORTHINGTON, LIAM NEESON, RALPH FIENNES

EUA

2010

100 MIN.

El Imaginario Mundo del Doctor Parnassus

 

La lucha entre el bien y el mal siempre será la premisa de muchas e incontables cintas. Sin embargo el riesgo de tratar este tema radica en el hecho de caer en el cliché si no se sabe explotar de una manera novedosa, arriesgada, tal vez hasta experimental. Terry GIlliam (12 Monos, 1995) como bien nos tiene acostumbrados a su cine de exploraciones humanas, toma una vez más el bien y el mal desde el punto de vista del interior humano.


Doctor Parnassus (Christopher Plummer, La Novicia Rebelde 1965), es amo y señor de un espectáculo ambulante, callejero, pobre, austero, viejo, llevándolo desde una feria hasta el estacionamiento de un mini súper. Sus compañeros de viaje y trabajo, su hija Valentina (Lily Cole), Anton (Andrew Garfield) eterno enamorado de Valentina, y el fiel, sarcástico, malhumorado, irónico compañero de Parnassus, Percy (Verne Troyer, Austin Powers). Todo parece tan normal, dentro de su sub mundo, de la pobreza, alejados del resto de la gente, marginados, como cualquier pordiosero en la calle. Lo que nadie sabe es que dentro del espectáculo sucede algo muy peculiar, concretamente con un espejo que ellos poseen.



Parnassus es adicto a las apuestas, no lo puede evitar. Una vez más volvió a apostar, nada más ni nada menos que con el Diablo. Tan soberbio el Dr., tan seguro de sí mismo de la victoria no cantada, apuesta el alma de su propia hija. Para salvarla, llevar a cabo por centésima vez otra apuesta. El mismo reto de siempre: encaminar equis número de almas ya sea hacia el Diablo o hacia el Dr., el primero que lo hiciera gana. Si Parnassus perdiese el reto, el Diablo se apoderaría del alma de Valentina.

Como ángel caído del cielo llega a la vida de este grupo Tony (Heath Ledger, Brokeback Mountain, 2005) y como tal juega un papel preponderante en la vida de todos ellos, en el auxilio de Parnassus, en la madurez de Valentina. Tony es una especie de ángel que los guía a ellos y a aquellas personas que visitan El imaginario mundo del Dr. Parnasus, éste se encuentra precisamente atravesando el espejo, y consiste en mundos insólitos, fantasiosos, raros, extraños, espectaculares, aunque finalmente esos mundos no son más que la mente de cada uno, dentro de la cual al acecho está el Diablo interviniendo con trampas y tentaciones; además Parnassus, que les ofrece siempre una opción distinta pero clara y honesta de vida, de forma de ser; es así entonces que se convierte en una lucha no del bien contra el mal, sino de nosotros mismos contra nosotros mismos. La capacidad de elección sobre nuestra propia vida. Qué camino elegir.

Recordemos que Ledger dejó inconclusa su participación en esta cinta a raíz de su muerte en el 2008, por tanto es muy interesante, hasta un tanto morbosa, ver cómo Gilliam resolvió el problema de concluir su personaje de manera lógica. Y para ello no sólo llamó a uno, sino a tres actores que interpretan el mismo personaje de Ledger, Tony, y cómo es que Gilliam justifica estas intervenciones, además de poder lograr que los tres posean la misma entonación que Ledger le dio a Tony. Ellos son Johnny Depp, Jude Law y Colin Farrell. Una propuesta interesante como las que nos tiene acostumbrados Gilliam.

Es francamente notorio el crecimiento actoral que venía experimentando Ledger, y que aún seguiría madurando. Gilliam, por su parte, sabe retratar y hacer tangible lo que la gente tiene dentro de la mente, un viaje, una exploración de lo insospechado, hace uso de tantos elementos como le es posible. Pero siento a mi parecer que le faltó exigir a los personajes, mediante el guión, una autoevaluación más reacia y no quedar solo en la satisfacción que puede darnos una introspección mental. Y sin embargo, la cinta navega por sí sola, es buena en sí y por sí misma.



EL IMAGINARIO MUNDO DEL DR. PARNASSUS

(THE IMAGINARIUM OF DOCTOR PARNASSUS)

CON: CHRISTOPHER PLUMMER, HEATH LEDGER, JOHNNY DEPP, JUDE LAW, COLIN FARRELL Y LILY COLE.

DIR. TERRY GILLIAM

EUA., 120 MIN

Alicia y John

Querido Axvel.

Se acabaron las vacaciones. Pero quiero contarte que las aproveché muy bien. Haciendo algo que disfrutas mucho, tanto como yo: ir al cine. Vi dos películas que ahora soy yo quien quiere relatártelas.



Fíjate que hace poco más de dios semanas se inauguró Cinemex Tecámac. El cual se encuentra en la entrada del fraccionamiento de los Héroes Tecámac sección Bosques. Algo que me agradó mucho es que cuenta con once salas tipo estadio, por una parte, ya que es una oportunidad para que tengan gran variedad de cintas. Por el otro, el precio de entrada no es estratosférico como suele serlo hoy en día y puede resultar ya un lujo ir al cine cuando debe ser todo lo contrario, algo que una a la familia, un escape de entretenimiento, o un punto de encuentro para los novios.

¿Qué película veré? Estaba indeciso. Aunque ya habían pasado semanas desde su estreno me decidí por Alicia en el país de las maravillas de Tim Burton (El Gran Pez, 2003). Axvel, esta película me resultó muy entretenida. Pero algo pasó en el guión que me hizo falta más magia. Tiene mucha fantasía, como debe ser, pero no posee tanta magia como “El joven manos de tijera” o “El gran pez” que las vuelven entrañables. Esta versión de Alicia (Mia Wasikowska, En Terapia, -TV- 2008) de Burton tiene todo los ingredientes para considerarla una gran película.

Y hasta una moraleja que resulta de gran utilidad para los adolescentes o jóvenes adultos en la actualidad atestada de adultos de doble moral, mentirosos e hipócritas: “no puedes vivir complaciendo a los demás, debes decidir por ti misma.” O lo que es lo mismo, “lo que hagas o dejes de hacer es porque tú lo quieres así no porque los demás lo esperan de ti”.



Alicia en…, es más que una historia de hadas, un cuento épico donde el elemento principal es la maldad que converge desde una reina roja de gran cráneo cuyo ejército consta de soldados representados por naipes rojos, sin olvidar el arma favorita de la reina: un gran y temible dragón.

Es una película que si me dejó con un buen sabor de boca, aunque he de confesarte que yo esperaba más introspección por parte de Alicia más exploración por parte de ella sobre los terrenos que muchos no nos atrevemos a pisar: “nosotros mismos”.



Finalizó la cinta, aún era muy temprano. Entonces me dije “¿por qué no ver otra? Verifiqué horarios, en media hora daba inicio “Querido John”, Había escuchado hablar de ella. En estados Unidos, a finales de diciembre o principios de enero, ésta es la que logró desbancar del primer lugar de taquilla en su fin de semana de estreno a Avatar. Los adolescentes se volcaron a verla. Estaba enterado que era una historia romántica, ¿pero cuál era su particularidad?



El nuevo Cinemex Tecámac cuenta con un lobby en el cual puede uno esperar sentado en alguna de las mesas con las que cuenta. Además, también tiene el servicio de cafetería donde me un capuchino frío, adecuado para estos tiempos cálidos. Ya era hora de ingresar a la sala. Lo que me agrada es que se percibe ese peculiar aroma a nuevo que tienen los lugares recién estrenados y este no es la excepción.

Inició la cinta. Querido John. Ahora sí sé por qué a los jóvenes les resultó una historia atractiva. En primer lugar cuenta con la participación de Amanda Seyfried que ha logrado colocarse en el gusto del público juvenil desde “Chicas pesadas” hasta “Mamma Mia”, en segundo lugar, trata de un amor de verano, imposible de consolidar, los estadounidenses adoran este tipo de dramas; y en tercer lugar, está aderezado con el sentimiento patriótico de servir al país desde las filas del ejército sobre todo después de un ataque terrorista. Y la pregunta que me hago es… ¿y?

A mi parecer, Axvel, la historia no termina por cuajar. Savanah y John son dos chicos que se conocen en la playa, se tratan, conviven muy de cerca, en las dos semanas libres que ambos tienen, ella para regresar a la universidad, él para regresar al servicio marcial. Sin embargo su amor creció tanto y tan rápido que decidieron no separarse pese a la distancia. Es por ello que se mantendrán unidos mediante cartas, no teléfonos, no celulares, no e-mails, cartas. Desgraciadamente Savanah dejó de escribir. Amor de lejos…



La cinta, Querido John, dirigida por Lasse Hallström (Chocolate, 2000), no termina por ser contundente, pasional, romántico; eso sí, sí es dramática, como debe matizarse. A final de cuentas no trata de nada. Es una pena que algo que pintaba para algo enternecedor, terminara en nada. El guión está mal en ese sentido. Los actores juveniles con pocas tablas, tibios y hasta mal dirigidos, porque no hay fuego en las miradas. Y si los personajes debían ser tiernos, también carecían de ternura.



Algo curioso es que lo que falló en este nuevo Cinemex, fueron las proyecciones. En una la cinta estaba terriblemente maltratada, rallada. En la otra, entró mal, la pantalla y la lente del proyector estaban en un formato no apto para la cinta, por tanto las personas se veían alargadas, y los subtítulos no aparecían. No fue molesto para mí porque es algo remediable, son errores que cualquier cine de cualquier cadena recién inaugurado puede cometer.



Lo que me encantó de esa tarde es que disfruté del cine, de un nuevo Cinemex cerca de casa, y películas que alimentaron mi imaginación.



Querido Axvel, te seguiré escribiendo en cuanto vaya a ver otra más.



Te aprecia. Abel.



QUERIDO JOHN

(DEAR JOHN)

DIR. LASSE HALLSTRÖM

CON: AMANDA SEYFRIED Y RICHARD JENKINS

EUA, 2010

107 MIN.



ALICIA EN EL PAÍS DE LAS MARAVILLAS

(ALICE IN WONDERLAND)

DIR. TIM BURTON

CON: JOHNNY DEPP, ANNE HATHAWAY, HELENA BONHAM CARTER, MIA WASIKOWSKA.

EUA, 2010

108 MIN

Precious

Tiene 17 años, tiene una hija de 3 o 4 años con síndrome de Down, Mongo. Vive de la caridad del gobierno. Estudia en una escuela especial para adolescentes atrasadas. Ahora está embarazada por segunda vez. El padre de sus dos hijos es su propio padre biológico quien la violaba. Y para no hacer menos triste su vida, tiene VIH. Su nombre, Precious.

Tengo un sentimiento de culpa. Parte porque debí haber visto esta cinta en cuanto la estrenaron, es una gran película. Una de esas que nadie puede perderse en la vida. Parte siento culpa por no poder ayudar a todos esos jóvenes que están en la misma situación familiar desesperada, llena de inmundicia espiritual, por no poder auxiliarlos, ofrecerles apoyo moral, profesional, emocional, regalarles un abrazo.

Precious o “Preciosa” su título en español, película ganadora al Oscar como mejor guión adaptado es un caso de la vida real como miles en todo el mundo. Un caso donde una adolescente que sufre de obesidad mórbida, sufre las peores humillaciones que le puede provocar sus propios padres biológicos. Su padre la viola constantemente, la embaraza, las abandona. Su madre (Mo’Nique –nombrada mejor actriz de reparto 2010 por la Academia cinematográfica estadounidense por esta cinta), buena para nada, atenida a la pensión que le otorga el gobierno; la maltrata, abusa de ella psicológica y físicamente, durante años, toda su vida, tanto que a Precious le da miedo expresar sus sueños, deseos, anhelos y sentimientos, por temor a que todo lo que diga, piense y opine es basura, no vale la pena. Por tanto Precious tiene su autoestima más abajo del suelo.


Ironías de la vida, sus padres de quienes se supone que debe recibir amor, protección, apoyo y demás no obtiene nada de ellos, ni siquiera una mirada de aprobación; en cambio todo eso y más lo encuentra en gente homosexual… como diría Precious, “… los homosexuales no son los que me violaron, no son los que hicieron sentir como animal, no son los que abusaron de mi…” Ironías de la vida.

Y sin embargo Precious está hambrienta, no ha comido en días. Pero está hambrienta de superación, de madurez, de ser buena madre, de ser gran persona para sus hijos, de ser exitosa, gracias a ella misma para ella misma.

Precious es una gran historia de emancipación no solo familiar, sino de toda la miseria, escoria, podredumbre que una sociedad puede emanar.

Así es, esta historia puede ser una caso más de la vida real, pero nada más lejano que los programas de TV Azteca o Televisa. Aquí no hay miedo a nombrar las cosas por su nombre, como son, porque son cuestiones que existes y no podemos ser indiferentes ante tales situaciones.

PRECIOSA
PRECIOUS BASED ON THE NOVEL PUSH BY SAPPHIRE
CON: GABOUREY SIDIBE, MO’NIQUE
DIR. LEE DANIELS
2009
110 MIN
ESTADOS UNIDOS.


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Enseñanza de Vida

Enseñanza de vida no trata sobre una lección que nos da las circunstancias para madurar. Definitivamente no trata de esto, más bien es sobre, como su título original lo indica, AN EDUCATION, es decir, es un ejemplo del tipo de educación que los padres y la misma escuela nos da para enfrentar la vida diaria. Llena de hipocresía, doble moral, intereses económicos y de estatus sobre los valores.


Por supuesto que no generalizo, no todos los papás son así. Pero analizando a la sociedad en general, desde cualquier punto de vista, desde cualquier ámbito, desde cualquier punto antropológico o hasta religioso, es corrupta, moralina e hipócrita al mismo tiempo, para colmo, convencidos que a los jóvenes se les educa con buenas escuelas, buenas costumbres familiares y punto. ¿Qué acaso siguen creyendo que los niños y adolescentes son unos estúpidos que todo lo que les digan se creen, cuando los hechos hablan por sí mismos?

Jenny (Carey Mulligan, Wall Street, 2010) joven de 16 años, primera en su clase, con planes fijos para su vida, impetuosa, virtuosa en la música, hija de familia, de padres conservadores. Tiene todo para que su vida sea brillante. Aunque ella no quiere acceder a los deseos de su padre, Sr. Jack (Alfred Molina, Spider Man 2, 2004) de emprender una carrera distinta, trata de complacerlo en todo, por el amor, pero sobre todos el respeto que le tiene, el cual, el señor se ha ganado a base de normas estrictas.

En un día lluvioso, Jenny conoce a David, un hombre entrado en los treintas, galán, simpático, galante, elegante, quien con su personalidad logra cautivarla. A partir de este flechazo Jenny cae en los encantos de David (Peter Sarsgaard, Avispon Verde 2011), éste le enseña un mundo más allá de las paredes de las aulas y el hogar, un mundo de glamour, dinero, lugares qué conocer, tiendas qué visitar, y todo el amor que su hombre le puede profesar, por tanto Jenny está dispuesta a guardar todos esos planes y proyectos de vida en un cajón a cambio de toda esa nueva vida de que desconocía.

Obviamente que Jack, el padre de Jenny, se opuso rotundamente primero a la amistad, después al noviazgo de su hija con ese hombre mayor. ¿Pero qué creen? Es aquí dónde vemos una historia de romance que siempre está pendiendo de un hilo, cuyo peso de responsabilidad lo lleva Jenny, cómo salva guardar su amor por este hombre y no precisamente del qué dirán, sino al hecho de lo que esperaba el mundo de ella, cómo es posible que eche a la basura tanto sacrificio, tantos años de escuela, desperdiciar todo ese potencial para sobresalir en l mundo.

Efectivamente, es una historia de amor, no con barreras qué vencer, sino trampas de la vida en las cuales cualquier mujer puede caer. El punto de este guión es mostrar que la moral y la doble moral en la cual las mujeres estaban inmersas en una sociedad cerrada de la década de los sesentas, no dista mucho de lo que hoy en día sucede. A veces parece que la evolución social no existe, por el conservadurismo, y sin embargo hay personas que desde su trinchera familiar hace valer su individualidad, si es preciso cometer errores para crecer, es imperioso hacerlo. Si no, cómo es posible que obtengamos “Una Educación” (An Education)



ENSEÑANZA DE VIDA

(AN EDUCATION)

DIR. LONE SCHERFIG

CON: CAREY MULLIGAN, ALFRED MOLINA, PETER SARSGAARD

REINO UNIDO/E.U.A.

2009

95 MIN.

DESDE MI CIELO/ZONA DE MIEDO

DESDE MI CIELO

La muerte, su significado, lo que implica, es muy doloroso para los que nos quedamos. El desprenderse de la persona querida, es un proceso difícil para todos. A tal grado que seguimos sintiendo su presencia.

Pero se han puesto a pensar qué hay con las almas de nuestra gente que se nos va. No tratemos de negarlo, somos unos egoístas al siempre llorar y sufrir por días, por meses o hasta años por la ausencia. “Qué haré sin él o ella” “qué dolor se siente” “no puedo vivir más” “no quiero estar sin ti”, siempre somos nosotros y nuestro dolor; pero no nos detenemos a por lo menos “imaginar” que aquel que se fue está en un mundo perfecto, donde no hay tiempo, donde nadie juzga, nadie condena, lo único que reina es la paz, la tranquilidad y la armonía.

Otra cosa. Qué tal que ese mundo perfecto se resquebraja al contaminarse de todos esos sentimientos negativos que le transmitimos desde aquí, obligando a esa alma a no irse, obligando a nuestros queridos a seguir cuidando de nosotros sin poder descansar en paz, y no estoy hablando de dejar en reposo eterno el cuerpo sepultado; sino que más bien a vivir feliz y contento allá, en donde quiera que se encuentre.

Desde Mi Cielo, es una película dirigida por Peter Jackson, que en esta ocasión deja a un lado las superproducciones como lo fueron la trilogía de “El Señor de los Anillos” o “King Kong”, para relatarnos la confrontación con la muerte desde dos puntos de vista la terrenal, y la del propio occiso.

Susie Salmon, (Saoirse Ronan, nominada al oscar por Expiación, 2008), es una adolescente de 14 años, buena hija, con conflictos propios del crecimientos, buena hermana, ama a su abuela, con sueños como toda joven, ilusionada por el primer amor, toda una vida larga y próspera. Sólo que ha sido asesinada, y su familia ni siquiera tiene una tumba dónde llorar; su padres no pueden superarlo, pareciera que la unión que les caracteriza ya no existe más. Susie, desde su mundo perfecto, conocido por todos como el limbo, vigila muy de cerca el desarrollo de su familia, se siente triste en unas circunstancias, feliz por otras, pero por todo lo que ve con su padre es lo que hace que no se termine por desprender de la Tierra, y menos puede irse cuando se percata de que su asesino se prepara para su próxima víctima.

He de comentarles también, que el guión tiene uno que otro hueco por ahí haciendo que la cinta se torne ilógica o absurda en cierto sentido, como la forma en que fue descubierto el asesino, su castigo o el último contacto que tiene Susie con la Tierra, todo hacia el final de la historia.



Sin embargo es bastante disfrutable, nos ofrece como pocas, un consuelo, un apapacho. Mejor pensemos, fuera de toda idea teológica, la muerte no es algo qué lamentar, más bien es la entrada a la verdadera vida, al mundo real, al mundo ideal, y lo que nosotros conocemos como vida, es el derecho de piso que debemos pagar para llegar a la perfección.


DESDE MI CIELO (THE LOVELY BONES)

Dir. Peter Jackson

Con: Saoirse Ronan, Mark Wahlberg, Rachel Weisz, Stanley Tucci (nominado al oscar como mejor actor de reparto por esta cinta)

E.U.A. – Nueva Zelanda

2009

131 min.

ZONA DE MIEDO

Y después de todo estamos aquí, en este planeta, en este tiempo, en esta realidad. Donde el odio, el resentimiento, el peligro, el riesgo, las guerras, la injusticia, la crueldad, existen, tan así que no podemos hacernos de la vista gorda. Hay tantas cosas en esta vida que desconocemos, tantas que amedrentan nuestra capacidad de asombro, y más si se trata de ver hasta dónde es capaz el ser humano.

Kathryn Bigelow (nominada al oscar como mejor director por esta cinta), plantea la idea de la adicción a una de las drogas que el mismo cuerpo humano produce, la adrenalina. En el contexto de la guerra de Estados Unidos contra Irak, dentro de las estrategias armamentistas, existe un comando que tiene como misión detectar, desactivar, desarmar bombas, de todo tipo, de toda clase, colocadas en cualquier parte, el peligro radica en que cualquier factor ajeno a la bomba puede hacer que éste explote causando daños materiales y humanos en dimensiones inigualables.



William James, (Jeremy Renner, nominado al oscar por mejor actor por esta cinta), es un soldado especialista en dicha actividad. Es subordinado, agresivo, que gusta de retar al peligro y a la muerte. Ama, adora esa sensación de que puede fallar algo y morir en el preciso instante en el cual está desactivando un artefacto. Si bien tiene esposa e hijo, si bien piensa en ellos, y llega a considerar regresar a salvo con ellos, es imperioso su apasionamiento sobre el riesgo que implica esa forma de vida de sosobra y agobio; donde la muerte ronda una y otra vez sin cesar en esas tierras ásperas, áridas, no sólo refiriéndome del lugar, sino hablando de los ánimos de la gente oriunda, donde la anarquía es lo que vale más entre las emociones.



Bigelow hace de esta historia algo muy interesante porque permite explorar cada poro, cada neurona, cada sentimiento de los personajes, porque está plagado de escenas intimistas, donde a través de la mirada podemos leer prácticamente lo que están pensando, el odio y el miedo al mismo tiempo. Es una película, mucho de adentrase en el alma del personaje para sentir lo que ellos puedan sentir, en medio del desierto, ¿vale la pena en verdad dar la vida? ¿Es un trabajo más, hay que tomarlo como tal? ¿La gente que está en el ejército en verdad es de hierro o pueden tener sus “bajones”, sus flaquezas?



Para James la vida es nada más que un instante, y así hay que tomarlo, si nos vamos a morir algún día, si es hoy o mañana, o como diría Mecano “otro muerto qué más da”. El chiste es vivir y buscar el placer en todo lo que hagamos; James así lo vive, considera que la adicción a la sensación que te produce la adrenalina es incomparable, el vivir en el peligro, en el riesgo constante, es lo mejor qué hay.

Por lo pronto pienso que la zona de miedo de más peligro está dentro de nosotros mismos, al sabernos de todo lo que somos capaces.


ZONA DE MIEDO (THE HURT LOCKER)

(Nominada a mejor película en los premios Oscar, entre otras categorías)

Dir. Kathryn Bigelow

Con: Jeremy Renner

E.U.A.

2009

130 min

La Teta Asustada

Fausta, es una joven peruana, de origen muy humilde, cuya madre acaba de morir con una gran pena que jamás pudo superar; mientras que se encontraba embarazada de Fausta, fue violada, ultrajada durante la época de terrorismo que vivía el país. La madre quedó tan perturbada que ese mismo miedo le infundió a su propia hija durante el resto de su existencia, a tal grado que la muchacha no se permite a ella misma andar por las calles, muchos menos sola, tiene que ser siempre acompañada por una mujer. Ha crecido con un pavor hacia los hombres. No soporta ni que le dirijan un “hola” por temor a ser violentada. Ella sufre continuamente de sangrado de nariz, así como de desmayos. Su tío, quien está a cargo de Fausta desde la muerte de la madre, asegura, por ideas y costumbres ancestrales, que su sobrina padece del mal de “la teta asustada”, un mal que le fue transmitido de madre a hija a través de amamantarla. Fausta, ante la ausencia de su madre, pero con el cadáver presente junto a ella todos los días, tendrá que enfrentar sus propios miedos, aprender a vivir con ellos o empeñarse en la labor de eliminarlos.

Bajo esta premisa, “La Teta Asustada” de la directora Claudia Llosa, (Madeinusa, 2006), suena a una propuesta muy interesante donde se podrían ver reflejada la idiosincrasia del pueblo peruano mediante sus tradiciones y costumbres conducido por un personaje el cual podría decirse que es víctima de sus propia comunidad.

Pero adivinen qué. Mas que película, parece un capítulo de dos horas de “lo que callamos las mujeres” o “Mujer casos de la vida real” fusionado con algún programa de “Laura en América”. Ya con esto les he dado una idea de lo que verán si se atreven a verla, ¿o no?

Esperaba ver, a través de diversos planos, ilustraciones sobre el folklore peruano, la forma de vida, la forma de pensar, tradiciones, algo que pudiéramos entender su razón de ser. Pero definitivamente estaba yo, muy alejado de la realidad. Yo soy de los que piensan que la ignorancia no es consecuencia de la pobreza, pero el tratamiento que le da Claudia Llosa a su cinta afirma y reafirma todo lo contrario. Es como que si nos estuviera diciendo cada cinco minutos “piensan esto porque son pobres” “hacen esto porque viven en el lumpen” “hablan así porque son analfabetas” “se visten así o tienen estos gustos porque su mente no les da para más porque son pobres”. Es decir, no hay un solo personaje que pueda rescatar estas falsas ideas, al contrario, nos da a entender que todo Perú es así. Es como si la directora tuviera la misma escuela que Laura Bozo, donde muestran el lado mísero, no material ni económico, sino espiritual, del ser humano.

Es notable que trato de realizar una cinta pretenciosa, que implícitamente se jacta de experimentar y arriesgada al poner ante la cámara gente que carece de experiencia histriónica, encuadrar escenarios sórdidos, de manejar la cámara casi en su totalidad fija para que, aunque los actores se salieran de cuadro no importara, como si estuviera esperando el momento preciso por capturar alguna fotografía y así tratar de impactar con “momentos kodak”. Bueno, está tan mal planteado el argumento que lejos de acompañar a Fausta con su dolor, o sentir el miedo o la aberración por los hombres, hay varias escenas en las que arranca risas y carcajadas del público en lugar de percibir el drama, o sea, tiene humor involuntario. En mi opinión el guión está mal escrito ya que el espectador no entendió lo que la directora trató de plasmar. Casi hacia el final de la película me dije, si esta película es tan pretensiosa por la connotación que trata de alcanzar, por lo menos esto debe tener algún mensaje, pues no, tampoco, carece de él. ¿Entonces de qué se trató?

“La teta asustada” es una cinta que aparte de estar nominada al “Oscar” como mejor película extranjera, trata de miedo a los hombres, cantos, tradiciones mal plasmadas, papas, drama y risas involuntarias. Y no es estar contra de las historias que cuentan la vida de la gente humilde, mostrando usos y costumbres, porque aprecio y admiro trabajos donde sí han sabido conducirnos a tierras lejanas, por miradas, palabras, una pulcra sencillez y una respetada humildad económica, como “El Camino a Casa” de Zhan Yimou (China, 1999).

Películas como “La teta asustada” hay muchas, pero tiempo sólo hay uno, así que si lo que quieren es valorar la forma de vida y pensar de otras regiones del mundo, asómense a los trabajos de Yimou, Fernando Meirelles (Ciudad de Dios, Brasil 2002).


LA TETA ASUSTADA
2009
DIR. CLAUDIA LLOSA
CON: MAGALY SOLIER
PERU-ESPAÑA
135 MIN.