WHIPLASH, MÚSICA Y OBSESIÓN

¿Has sentido que cuando no puede irte más mal, te va peor? Deseas, pides e imploras a tu Dios personal que por favor te saque de ese hundimiento, de ese sufrimiento, donde estás llorando y sudando sangre. Sientes que sólo hay dos alternativas: o continuas luchando pese a que ya no tienes fuerzas, o te das por vencido mandando todo a la "mierda", a ti, a tu familia, a tus amigos, a tus hijos, a tu trabajo, ¡todo!

Llegas a la cumbre del dolor y pronto, la tranquilidad llega a tu alma, tu vida vuelve obtener armonía. Das gracias por seguir vivo. Agradeces por haberte sacado del atolladero. Prosigues con tu vida cotidiana, normal y feliz; vuelves a abrazar toda esa gente que había rechazado o negado, te reconcilias hasta contigo mismo. Todo es paz. Entonces, de un segundo a otro llega a ti otro conflicto, que te hiere, que resquebraja tu espíritu, lloras, pataleas, odias, quieres morir de nuevo... ¿Un círculo vicioso? Yo diría: LA VIDA MISMA. 

La vida es como subirte a la montaña rusa, bajarte, formarte en la fila de espera y volver a subir. La vida es totalmente vertiginosa, te remueve las entrañas, te estruja, te desangra, te sacude el cerebro, lo que más quieres es bajarte de ese tren, porque sólo recibes golpes emocionales sin mencionar los físicos, y de pronto todo lo malo se disipa y vives con lo más anhelado, amor, cariño, familia, trabajo, disfrutas de ti mismo y de los que te quieren, es decir, la felicidad plena, entonces la vida te empieza a quitar lo que más quieres poco a poco y una vez más empieza el viaje sobre la montaña rusa.

Pues el director y escritor de WHIPLASH, Damien Chazelle nos entrega esta metáfora de la vida misma. Es una historia que desde el primer segundo te toma sin soltarte para nada, a veces la película te sacude, a veces te daña, a veces te alivia, te apapacha, pero también es cruel contigo, pero te premia, como es la vida de cualquiera. Todo esto a través de la música de Jazz, un baterista novel y un estricto profesor de música.

Andrew (MILES TELLER), estudiante de música en la academia Scheffler, añora por sobre todas la cosas, ser el mejor baterista del mundo, ser reconocido, ser admirado por cualquier persona, desea que todo mundo recurra a él, prefiere renunciar a toda posibilidad de relacionarse con otras personas, todo para entregarse con totalidad a la música. En su casa lo menosprecian porque ¿qué aspiraciones y frutos puede cosechar un pobre músico de jazz?

Fletcher (J.K. SIMMONS) es un afamado músico y director de orquestas de jazz, también imparte clases en Scheffler, tiene fama de ser el más estricto de todos, pero también el más codiciado, muchos estudiantes quisieran ser descubiertos por él y ponerse en sus manos, porque saben que el resultado de estudiar con sus exigencias, duras y dolorosas, será el de ser el mejor sobre todos los mejores en el mundo de ese género musical, del mundo. Además, en contradicción sí escucha a sus alumnos, sabe ser amigo, o al menos compañero, consuela y te alienta, tiene buenos sentimientos; lo que nadie sabe es que estas inofensivas fases personales se convierten en lo peor de cada alumno cuando Fletcher lo usa como instrumentos para atacar y humillar, como quien dice "les voltea la tortilla"

Fletcher, un día escucha a Andrew tocar la batería, le parece que tiene potencial y le da oportunidad de pertenecer a su clase. A partir de aquí cambia radicalmente su vida,  pero la pregunta es ¿para bien o para mal? La relación maestro-alumno que entablan de amor-odio daña poco a poco la integridad del joven, tanto que se olvida de sí mismo, su ambición por ser alguien en la vida lo desestabiliza, tan así, que no le importa ser sometido, humillado, sobajado, herido, pateado, sangrado, por su mentor. Fletcher, en ningún momento se toca el corazón en el trato a sus pupilos, y pensándolo bien, no tiene por qué ser blando, si sus exigencias, su prepotencia, su negligencia su descaro y maltrato tienen una razón de ser.

Es así entonces, que todos somos Andrew y la vida de todos se llama Fletcher. Como el muchacho, todos luchamos, peleamos, nos esforzamos, perseveramos por salir adelante a pesar de los problemas, aunque "nos llueva sobre mojado" pero seguimos en pie de guerra, aunque quisiéramos claudicar, porque cada ser humano recorreremos ese Fletcher que a veces nos mimará, pero cuando menos lo pensemos, nos propinará tremenda bofetada que nos marca toda la vida.

Otra pregunta ¿qué tan fuertes somos para enfrentar la vida? ¿estamos dispuestos a seguir confrontando las tristezas, el dolor y el odio que nos dan a nuestro alrededor a pesar de que estemos cansados de ello, o simplemente nos rendimos y le damos la espalda a la vida? La respuesta está sólo en tu fortaleza.

WHIPLASH, MÚSICA Y OBSESIÓN

(WHIPLASH)

DIRIGE: DAMIEN CHAZELLE

GUIÓN: DAMIEN CHAZELLE

CON: MILES TELLER, J.K. SIMMONS

PRODUCE: BOLD FILMS, BLUMHOUSE PRODUCTIONS, RIGHT OF WAY FILMS

EUA, 2014

107 MIN.

EL GRAN HOTEL BUDAPEST

Sé que Wes Anderson es un gran cineasta, y su imaginación no tiene límites para transportar personas de la cotidianidad, comunes y corrientes, sin presunciones más que el de ser auténticos en este camino largo y sinuoso llamado vida. Este director prolífico de casi 46 años de edad siempre tiene claro en su mente el lineamiento que deben tener todas esas personas comunes para volverlos en verdaderos personajes sin caer en clichés baratos, o en parodias injustificadas, para obtener de una historia trágico, lo más chispeante y cómico de una situación como el asesinato de alguien, el machismo de un patriarca o el cinismo de un mujeriego.

Al leer el párrafo anterior me doy cuenta que tengo muy presente la labor artística de Anderson como escritor y director cinematográfico, sin embargo hay algo en todas sus historia que no termina por caer "el veinte" dentro de mi, aún no me siente capturado por sus planteamientos, la narrativa visual o los diálogos ácidos de sus películas.

Tal es el caso de EL GRAN HOTEL BUDAPEST, una historia ubicada en tierras lejanas, sobre montañas imaginarias, en un país imaginario; cuenta la relación de trabajo pero también de complicidad entre un "conserge" o lo que viene siendo el gerente del hotel M. Gustave con su brazo derecho, asistente personal, el lobby boy, Zero. Esta relación laboral se vuelve aún más íntima, como una especie de hermandad cuando la muerte de una anciana y huésped del hotel muere asesinada, desata las más alocadas y extravagantes aventuras de estos dos empleados, todo para demostrar la inocencia de Gustave y defender la propiedad de una pintura invaluable "Niño con manzana".

Lo que me agrada muchísimo de Anderson, es el poder de convocatoria que tiene sobre la crema y nata hollywoodense. Pareciera que sin importar que los personajes disponibles sólo aparece en pantalla 10 segundos, para entregar sólo un paquete, o responder el teléfono, entre otros, hasta los actores más poderosos (en el arte y/o en la fama) acceden a participar por medio de estos bits. Claro que esta situación tiene una justificación: el alma e importancia artística que tienen las películas de Anderson, parecen perlas perdidas en medio del océano.

Así pues, en EL GRAN HOTEL BUDAPEST aparecen: Tilda Swinton, Bill Murray, Adrien Brody, Tom Wilkinson, Edward Norton, Saorsi Ronan entre otros. Un elenco multiestelar adornan y complacen al público de ver a sus estrellas favoritas en otra faceta, saliendo de lo común, de la zona de confort.

Me queda muy claro cuál es el objetivo artístico de Wes Anderson, sus motivaciones, su estética, su genialidad para hacer de lo común algo imposible de imaginar, de visualizar. Y sin embargo no puedo con este director, algo falta, algo me falla para poder compenetrarme y sentirme parte de la trama y tener a flor de piel su propia sensibilidad. Por esta razón, es que invito a todos a acercase a cintas como EL FANTÁSTICO MR. FOX, LOS EXCÉNTRICOS TENENBAUMS, entre otros, es un deleite visual y actoral.

EL GRAN HOTEL BUDAPEST
(THE GRAND BUDAPEST HOTEL)
ESCRIBE: BASADO EN LAS MEMORIAS DE STEFAN ZWEIG; GUIÓN: WES ANDERSON
CON: RALPH FIENNES, TONY REVOLORI
PRODUCE: SCOTT RUDIN PRODUCTIONS, INDIAN PAINTBRUSH, STUDIO BABELSBERG
REINO UNIDO, ALEMANIA, EUA
2014
100 MIN.

ALMA SALVAJE

Todos hemos cometido errores muy graves en nuestra existencia, haciendo a ésta algo inútil, convirtiéndonos en parásitos, no solamente de la sociedad, sino de la misma naturaleza, y ya exagerando un poco, hasta del cosmos.

Todos nos hemos sentido así, inútiles, porque parece que no aportamos nada relevante ni para sí ni para nuestros semejantes, así que la vía más correcta, aparentemente, es atentar en contra de nosotros al cometer suicidio.

Y el que me diga lo contrario, definitivamente miente. Porque hay veces que se hecho podemos ser muy productivos y aún así no estamos conformes con nosotros mismos, porque es común que somos excelentes en el trabajo pero pésimos en el hogar, fallamos como hijos, padres, hermanos, hiriendo almas por doquier, hasta quedar completamente solos.

Hay ocasiones en las que quisiéramos dejarlo todo por la paz. Dar la media vuelta y huir de nuestras casas, echar por la borda el trabajo y la escuela y comenzar de cero, crecer otra vez, como si nada hubiera pasado. Desgraciadamente son muy pocas las personas quienes se atreven a asumir las consecuencias de sus actos, aceptando todos los pecados cometidos (por llamarle de alguna manera) y clausurar absolutamente todo en nuestra vida, trabajo, hogar, matrimonio, escuela, en una sola palabra: RECOMENZAR.

Como Cheryl Strayed (REESE WHITERSPOON) que su vida era una porquería, daba asco más que nada. Casada durante siete años, le fue infiel a su marido debido a su adicción al sexo, a la heroína, hasta no saber de sí, echó por la borda sus estudios profesionales, pese a su divorcio aún sigue enganchada con el recuerdo de su ex marido, vive alejada de su hermano menor, no tiene empleo, no tiene casa, no tiene nada. 

 Entonces la vida le ofrece la oportunidad de redimirse con la única manera de lograrlo: PERDONARSE A SÍ MISMA. ¿Cómo puede ser posible? Cual Jesús sufrió en el viacrucis rumbo al monte calvario cargando una enorme y pesada cruz, Cheryl decide tomar la presión de su pasado a cuestas y emprender una caminata de 1600 kilómetro a través del sendero del pacífico, desde el desierto de Mojave, California, en la frontera con México, hasta la frontera con Canadá, atravesando los estados de Oregon y Washington.

¿Es verdaderamente necesario sufrir para encontrarse a sí misma y retomar las riendas de su vida? Cada cabeza es un mundo, para Cheryl esa era la mejor idea para alcanzar el perdón e iniciar de nuevo. Habemos otras personas que simplemente abandonaríamos nuestros hogares o trabajos, pero cuando eso no es suficiente, es necesario expiar todo pecado de la manera más dolorosa hasta topar con los límites de lo absurdo.

Aunque también existen otra formas como recluirse en algún retiro espiritual, iniciar terapias psicológicas, hacer servicio comunitario.

Sin embargo existe el riesgo de que no encuentres ninguna respuesta después de haber comulgado con la naturaleza o alguna ideología. ¿Qué hay más allá? ¿Cuál es la meta?

Basado en la vida real, en la expedición que emprendió la verdadera Cheryl y que plasmó en un libro relatando su travesía, el director JEAN-MARC VALLÉE nos empuja también por ese mismo sendero hacia una purga de todos nuestros males. Reese Witherspoon, como su personaje, le dice adiós a su pasado y experimentar nuevas aventuras como actriz, la cual las exigencias también fueron hirientes, sacrifica belleza, sacrifica espíritu y cordura ante todo para poder dar vida a una rubia desubicada, perdida, dañada.

Es por eso que el director, nos conmina con ALMA SALVAJE a combatir el fuego con el fuego. Nos conduce a hacer examen de conciencia, como lo hizo WHITERSPOON en el papel de Cheryl Strayed a través de la soledad infinita, solamente así pudo adentrarse en los recovecos más profundos de su mente, casi inexplorados y temerosa de enfrentarlos porque podría dañarse a sí misma, o tal vez no, la única manera de saberlo en confrontarlos.

ALMA SALVAJE
(WILD)
DIRECTOR: JEAN-MARC VALLÉE
GUIÓN: NICK HORNBY; NOVELA: CHERYL STRAYED
CON: REESE WHITERSPOON Y LAURA DERN
PRODUCIDO: FOX SEARCHLIGHT PICTURES
ESTADOS UNIDOS, 2014
113 MIN

FOXCATCHER

Devastadora. Por todo lo que implica psicológicamente hablando, FOXCATCHER es una cinta que merece toda nuestra atención hoy más que nunca, hoy que el mundo globalizado nos ha atrapado junto con todos los antivalores inherentes a él, que pareciera que esto es lo único que destaca en esta vida occidental.

Si voltean a ver a su alrededor podrán percatarse que, sobre todo las generaciones jóvenes, toman naturalmente al poder y al dinero como sentimientos, no como medios para lograr un fin. Es como dice un dicho "dime cuánto tienes y te diré cuánto vales", no cabe duda que hoy en día el que no tiene no existe, no se siente amado, o admirado. Y no estoy hablando a nivel masivo, sino desde la intimidad de nuestras familias, desde el bebé hasta el anciano, todos en algún momento nos vemos egoístas, queremos tener lo mismo o más que el primo, que el tío, que nuestros propio hermano, si no lo obtenemos nos queda la frustración y la tristeza, alimentando patologías innecesarias.

¿Por qué envidiamos la pantalla del vecino? ¿Por qué el hijo hace berrinche por desear el mismo juguete que su amigo? ¿Por qué nos empecinamos algo que ni nos hace falta?

Pienso que la respuesta está apegada a lo implícito de la educación que recibimos, que a su vez está estrechamente relacionada con la cultura cambiante y adaptable a los mundos modernos, globalizados.

Los padres ya no imponen límites en los hijos, en las escuelas ya no se castiga a los alumnos por rencillas, la religión (cualquiera) ha perdido adeptos, entonces la formación mental de los jóvenes está ligada con la sensación de que "si no tienes más que los demás no vales". Pero este es el inicio de la construcción de personas con tendencias enfermizas dispuestas a todo  por conseguir para sí cosas irreales, hasta personas, no importa el costo.

Y lamentablemente esto no es nuevo. La estupidez humana es natural, sólo hace falta que las circunstancias de la vida provoquen su brote. Sólo que hoy en día existen tantas maneras de comunicación inmediata que es imposible ocultar nuestros más oscuros secretos.

Bennet Miller, director de esta tenebrosa cinta, nos da cuenta de todos estos defectos a través de un hecho acontecido en los años 80 del siglo pasado. John Du Pont, interpretado por un irreconocible con impecable trabajo actoral dramático de STEVE CARELL (Loco y Estúpido Amor), es uno de los magnates destacados de Estados Unidos que decide invertir formando y entrenando al nuevo equipo de lucha grecorromana rumbo a los juegos olímpicos Seúl 1988, porque su deseo es contribuir a elevar el sentimiento patriótico en los ciudadanos. Loable su decisión, así que contrata a los hermanos Schultz (CHANNING TATUM y MARK RUFFALO) anteriores campeones olímpicos.

Pero algo esconden tanto Du Pont como Mark (TATUM), algo contienen, a leguas se notan que están frustrados, que están deprimidos, que están en descontento con la vida, a pesar que son triunfadores, al menos en apariencia. Pero la relación de ambos se vuelve enfermiza, y todo debido al dinero, a las posesiones, a la vida acomodada, a no volver a tener miedo de que falte algo.

El ritmo de la cinta es lenta, pero tiene una razón de ser, somos testigos del proceso lento, constante y continuo de a declive, de la inmolación espiritual, de alimentar el ego con sentimientos tan frágiles como el papel higiénico, la tensión entre ambos personajes va creciendo poco a poco hasta estallar en sus propias caras. ¿Y todo para qué? ¿Qué obtuvieron? Nada, sólo más soledad y más tristeza para sus vidas.

Bajo la premisa de EL DINERO LO COMPRA ABSOLUTAMENTE TODO, HASTA SERES HUMANOS, esta cinta habla sobre la desolación en la que estamos sumergidos y un reflejo de que más pronto que tarde nos dejará importar nuestro prójimo, poniendo nuestra atención solamente en nuestras posesiones. Tener, tener, tener... eso es lo único que cuenta.

LA TEORÍA DEL TODO

Desde hace varios años, desde que la Academia de cine de Estados Unidos decidió ampliar el número de películas para la terna de "mejor cinta" han procurado nominar a una película de cada emoción o carácter, que distinto a decir una de cada género, es decir, han nominado a "la violenta", "la musical", "la cómica", "la de odio", "la de intolerancia", "la intensa", "la tierna", etcétera.

En esta ocasión la cinta del director James Marsh "LA TEORÍA DEL TODO", es la tierna de la época 2014-15 de la temporada de premios.

La vida y obra del ciéntifico, cosmólogo, físico cuántico, tal vez más importante del siglo XX, Stephen Hawking podría pintar para ser una historia intensa, golpeando el espíritu humano, pero no, el tono de la película se queda rosa rallando en lo cursi, aspecto que no tiene nada de malo a no ser que, a mi percepción excluyeron algunos elementos para terminar de amarrar la película en su totalidad.

Es decir, el guión a veces divaga en la trascendencia mundial de este notable científico, tan así que de pronto, todas las escenas que reflejan la vida privada de Hawking, interpretado por un triunfante Eddie Redmayne, proyectan la vida de cualquier persona en el mundo, como si no tuvieran conexión las consecuencias de su enfermedad degenerativa Esclerosis Lateral Amiotrófica, o como en la cinta la mencionan: Neurona Motora, con su labor científica.

Catalogo como tierna esta película por el verdadero punto de la película: LA GRANDEZA DEL ESPÍRITU. Lo que proyecta el personaje de Stephen Hawking, es que aunque tiene momentos de quiebre porque su vida se esta viendo truncada, él se sostuvo de grandeza como ser humano. La vida junto con el paso del tiempo, los cambios evolutivos de la naturaleza y la gente, se nota que los aceptó como algo indudable e ineludible, por eso siempre andaba siempre de buen humor, alegre, rodeado de muchos amigos, de una familia unida, sí tímido y retraído pero Hawking simplemente aceptaba lo que veía y escuchaba, aunque no estuviera de acuerdo, sin condenar, sin amedrentar. Porque las cosas "SON" y simplemente "SUCEDEN" y nosotros solamente nos deberíamos remitir a darle una explicación para poder COMPRENDER.

LA TEORÍA DEL TODO, es tierna porque ensalza el espíritu triunfador por sobre todos los contratiempos, que ni siquiera una enfermedad que evita que se mueva el cuerpo, puede detenernos, como Hawking, que le pronosticaban máximo dos años de vida a partir de la detección de la enfermedad en los años sesenta, cuando estudiaba su doctorado en Cambridge, sin embargo, estamos en la segunda década del siglo XXI y sigue vivo, sin dejar de trabajar, sin dejar de estar de bromear, sin dejar de jugar.

¿Dios existe? ¿Dios pone estas pruebas a sus hijos que más ama? ¿Dios quiere ver qué tan dignos somos de su reino? ¿Qué fuerzas hay atrás de este plano que nos empuja a hacer cosas imposibles? Este gran científico, que definitivamente no cree en Dios, ya que todo lo existente en el universo tiene una explicación científica, tiene una gran cualidad: no se cierra a escuchar opiniones distintas a las de él, muy a su estilo, con el método científico, comprobar la existencia de una fuerza creadora, lo que muchos calificamos como algo divino, Dios.

Se nota que la historia esta basada en un relato desde el punto de vista femenino, en el libro de su ex esposa Jane Hawking, pero esto no es importante, lo notable es que nada de lo que ahí se proyecte importara, pero sí: la grandeza del espíritu humano, esa es la premisa que hoy en día muchos necesitamos en todos lados.

La importancia de esta película radica entonces en el hecho de enfatizar que la mente humana es poderosa, tiene fuerza, tiene inteligencia, tiene ímpetu para lograr cualquier cosa por más imposible que sea, sin importar tu familia, tu religión, tu economía, tus discapacidades, nada, encuentra lo que más te apasiona y verás qué tan trascendente eres para ti mismo.

LA TEORÍA DEL TODO

(THE THEORY OF EVERYTHING)

DIRECTOR: JAMES MARSH

ESCRIBE: ANTHONY McCARTEN (GUIÓN) JANE HAWKING (LIBRO)

CON: EDDIE REDMAYNE, FELICITY JONES

PRODUCE: WORKING TITLES FILM

REINO UNIDO, 2014

123 MIN.

BOYHOOD, MOMENTOS DE UNA VIDA

A través del cine se pude hacer arte desde muchos puntos de vista. Mi factor favorito al realizar cine, es que este medio de comunicación permite hacer muchas locuras, permite atrevimientos, permite plasmar lo que el director necesita decir desde su esencia, permite hacer experimentos tal vez absurdos, tal vez interesantes, pero la gran mayoría aplaudibles.

BOYHOOD del director RICHARD LINKLATER (Trilogía: Antes del amanecer, ...del anochecer, ...de la medianoche), desea compartir las vicisitudes de cualquier ser humano en la etapa de la infancia y adolescencia, justo los momentos claves en los cuales vamos adquiriendo el carácter, los deseos, los sueños, los pensamientos, las aspiraciones que llevamos acabo en la etapa adulta.


Entonces el director y también guionista de BOYHOOD, quiere mostrar la relación de Mason (ELLAR COLTRANE) con sus padres divorciados (PATRICIA ARQUETTE e ETHAN HAWKE).

También nos muestra la relación con su hermana mayor vivaz, traviesa pero dulce (LORELEI LINKLATER), relación a veces insoportable, otras entrañable, como todos los hermanos en crecimiento mutuo.

LINKLATER nos muestra también la confrontación que pueden tener los niños pre adolescentes con los maridos de sus madres, quienes por no sentirse solas y compartir la relación, se equivocan en esas decisiones casándose con borrachos golpeadores.

El director también quiere mostrarnos lo que cualquier muchacho puberto y adolescente atraviesa dentro de la escuela y que los padres no se dan cuenta, obviamente: bullyng, la primera cerveza, el primer cigarro, las novias, los mejores amigos, los maestros, las tareas, entre otros.

RICHARD LINKLATER, en sí, nos da una historia de entre millones, sobre un un niño común y corriente en pleno desarrollo y crecimiento. 

Como se darán cuentan ya existen cientos de películas que tratan de lo mismo, de arte, comerciales, infantiles, de adultos. Entonces ¿cuál es la importancia de esta película? ¿Y qué tiene que ver todo esto con los experimentos en cine?

Pues resulta que el director, DECIDE FILMAR ESTA CINTA DURANTE 12 AÑOS, PARA ATESTIGUAR LA EVOLUCIÓN MENTAL, FÍSICA, EMOCIONAL de cada uno de los personajes principales, los niños y sus padres.

Es así como vemos los cambios más trascendentes no sólo de Mason, sino de actor quien lo interpreta, ELLAR COLTRANE, la cinta inicia cuando él tiene  años de edad y culmina precisamente cuando inicia su vida adulta, a los 18 años de edad, cuando ingresa a la universidad.

Lo padre, es que a lo largo de la película, para marcar un cambio de época, o establecer el año en el que está transcurriendo la película, lo ilustran con algún hecho, algún diálogo fortuito, alguna canción, alguna moda. Como cuando la niña, al inicio de la historia molesta a su hermano Mason con la canción "Oops! I did it again" de Britney Spears, o cuando los eventos que realizan entorno al lanzamiento a la venta del libro "Harry Potter y el Príncipe Mestizo", o la moda del video de Lady Gaga "Telephone".

Imagínense, en doce años de filmación, hay mucho qué contar, muchas escenas, muchos diálogos, por supuesto, el resultado es una cinta de 2 horas 45 minutos, que en realidad pudo ser de más de tres horas, pero si así la línea del "trasero" se borra en la butaca, 3 o 4 horas de película, nadie iría a verla. La película es muy larga, pero al ver todos los cambios físicos de todos, en 12 años en un rato, resulta entretenido y el tiempo, como en la historia, se va como agua.

BOYHOOD, MOMENTOS DE UNA VIDA
(BOYHOOD)
DIRIGE Y ESCRIBE: RICHARD LINKLATER
CON: PATRICIA ARQUETTE, ETHAN HAWKE, ELLAR COLTRANE Y LORELEI LINKLATER
PRODUCIDO POR: IFC PRODUCTIONS, DETOUR FILMPRODUCTIONS
EUA, 2014
165 MIN.

GLORIA, LA PELÍCULA

Siempre es grato cuando una película supera las expectativas que la publicidad o las críticas forman una opinión en el público sin que éste la haya visto. GLORIA del director CHRISTIAN KELLER es un ejemplo de esta regla.

El gran valor de esta cinta y por la cual destaca, son las actuaciones de los dos actores protagónicos, MARCO PÉREZ y SOFÍA ESPINOSA, quienes interpretan al cazador de talentos  Sergio Andrade y la súper estrella del pop Gloria Trevi, y quienes aparecen prácticamente en todas y cada una de las escenas de la cinta, por tanto llevan a cuestas el peso de la película.

Lo cierto es que muy afortunadamente, GLORIA, sobre sale, por mucho, por encima de cintas mexicanas contemporáneas intrascendentes en su manufactura, como "Paradas Continuas", "No eres tú soy yo", "Cañitas", entre otras muchas, es decir, las cuales no tienen nada en común ni entre sí, ni con GLORIA, pero todas se han querido proteger bajo la excusa de "apoyen al cine mexicano", pero cómo apoyarlo si muchas de ellas carecen de una premisa interesante o un argumento sólido o un guión que haga divertir a la audiencia.

Porque eso sí, una cinta por más comercial que sea, por más plásticas o artificiales que sean sus actores, o plantamientos, lo importante debe cumplir siempre que entretenga, que divierta, despierte el interés del público, haciendo sentir identificación o empatía entre los personajes y la gente.

La película GLORIA logra todo lo que les platico. Tiene fotografía, encuadres, actuaciones, y gran parte del diseño de producción muy superior a muchas otras.

Hay una explicación sobre las cintas biográficas con las que estoy de acuerdo: el objetivo de éstas es mostrar lo que la mayoría no sabemos del personaje en cuestión, por ejemplo sus contradicciones, sus dualidades, sus incongruencias, las partes oscuras y también las blancas, cómo se conducía, cómo pensaba, cómo hablaba, y todas las razones que desatan su conducta, todo esto a través de las miradas, las posturas, las sonrisas, la forma de caminar, los tics, en una sola palabra: actuación. Sofía Espinosa y Marco Pérez lo logran.

Y otra regla importantísima en las películas biográficas: independientemente de que se trate de un personaje arraigado en la cultura del país de origen de la película, el tratamiento de la película debe proyectar emociones, pensamientos, contradicciones y acciones en todo el público no sólo nacional sino hasta internacional, para que todo mundo se sienta identificado, aunque no se sepa quién es cierto artista, músico, escritor o político.

El problema con GLORIA LA PELICULA, es que todo es muy localista, porque todos los personajes sin excepción tienen nombre sin apellido, o apodos. A lo largo de la cinta mencionan "AL TIGRE", a "RAÚL", "PATY", "KARINA", "MARY", etcétera, si la cinta se viera por ejemplo en Estados Unidos o el resto de América Latina el público va a preguntarse ¿quién es el tigre? ¿quién es Paty? ¿quién es ese señor de barba que negocia con Gloria junto con Paty? Todo esta muy localista, es decir, los únicos que entenderán y se identificarán esta cinta son la gente que están muy enterados del "escándalo del clan trevi-andrade".

Una cinta biográfica NO debe estar cimentado sobre la premisa de la simple frase de "es sobre la vida de..." o "vida y obra de..."

Por tanto, la premisa de GLORIA, es "existen relaciones humanas de dependencia patológica" o "el apego nos destruye".

El argumento lo sabemos todos: Gloria Trevi artista de pop mexicana obtuvo éxito inaudito desde el su debut gracias a su irreverencia y autenticidad. Sin embargo todo se acaba cuando la relación con su manager alcanza niveles oscuros e incontrolables, trayendo como consecuencia el encarcelamiento de ambos acusados de corrupción de menores.

Pero el fondo de todo esto, y el gran valor que la hace distinguir sobre muchas otras películas, es que muchas mujeres entregan todo aún a sabiendas que pueden perder su identidad, su libre albedrío, su individualidad, cuando quieren escapar de ello, es demasiado tarde, el apego es tal, que obedecen por miedo a no saber qué hacer solas.

Todo esto suena muy bonito, una película padrísima e imperdible. ¿Pero qué creen? No es perfecta. MUCHO MENOS ES LA GRAN PELÍCULA DEL AÑO QUE ARRASARÁ CON TODOS LOS PREMIOS, O QUE VIENE A ROMPER ESQUEMAS. Nada de eso.

Es notorio que con unos cuantos miles de pesos habrían podido contratar a mejores actores de reparto para interpretar a personajes claves como "Pati Chapoy" "Raúl Velasco" "Pedro Sola", entre otros, que no sólo su trabajo actoral los hace ver infames, sino su caracterización que más bien parecen parodias o caricaturas de los mismos. También, la escenografías donde ellos aparececn son pobres, miserables y de pena ajena. Otro punto oscuro, es cierto orden de los hechos. Todo esto hace que se caiga la cinta por momentos, pero en cuanto aparecen a cuadro Sofía o Marco, levanta de nuevo, tan limpio es su trabajo que pareciera que estamos viendo a los verdaderos Gloria y Sergio.

En sí, GLORIA, es un muy buen trabajo cinematográfico, destacable entre otros muchos. Que sí vale la pena pagar un boleto de cine, una BUENA inversión por un BUEN rato de BUEN entretenimiento.

GLORIA

DIRIGE: CHRISTIAN KELLER

GUIÓN: SABINA BERMAN

CON: SOFÍA ESPINOSA Y MARCO PÉREZ

PRODUCIDO POR: RÍO NEGRO

MÉXICO, 2014

127 MIN.